Musicology and guitar styles

J'ai écouté la première fois cette mélodie de "Lassie who had the land" sur un enregistrement d'une artiste assez spectaculaire que je n'ai jamais rencontré par ailleurs, mais étant trop jeune, même pas né. Son nom était Bidget Tunney, elle était née en Ireland dans la région de Donegal proche de Fermanah. Elle avait une tessiture et une voix telle une cornemuse à l'échelle humaine certes. Elle produisait une attaque dure et particulière avec sa voix à nul autre pareil sur certaines notes. Quand j'ai entendu cette mélodie sur un enregistrement rare, cela m'a prit du temps pour la comprendre au niveau de sa signification littérale et musicale. Cependant cet air fredonnait souvent dans mon esprit comme une mélopée marquante et obsédante. Allez savoir! à vous de voir.

La version que l'on entend le plus souvent commence un peu différement en arrivant sur la quinte et la 5ème note sur le "of" de " of a bright may morning". Ceci dit on peut entendre Bridget Tunney descendre d'un ton sur la quarte, ce qui semble être plus esthétique et approprié. Vous avez ci-dessous un arrangement instrumental pour guitare de l'introduction de cette mélodie celtique en "drop d tuning"; Il est important de l'interpréter dans un tempo modéré au début pour l'accentuer dans une débit plus rapide par la suite comme il est indiqué sur la partition. Observez la métrique atypique en 6/4. Bon travail! 

Cet accompagnement pour guitare présente pas mal de difficultés pour un musicien débutant, notamment de combiner les parties vocale et instrumentale. Le début du "verse" va exiger une travail de mise en place et de découpage rythmique précis et méthodique. Notamment en travaillant lentement et par de courtes sections de l'arrangement. Surtout comme il est souvent dit; soyez patient!

Tout musicien doit avoir à l'esprit qu'il est important d'avoir une organisation de travail méthodique, constante et progressive sur son instrument afin d'évoluer de manière efficace vers la maîtrise de ses techniques que ce soit à la guitare, sur une mandoline, un banjo ou une basse, etc.

1. Weekly workout/ Motifs (licks) sur gamme majeure harmonisée

Une bonne manière de développer la connaissance du manche de son instrument est de donner à vos doigts des exercices qu'ils n'ont pas l'habitude de produire et de pratiquer. Et une manière simple pour cela est de créer de courts motifs (licks) répétitifs et de les pratiquer à partir de chaque degré d'un diagramme de gamme majeure.

Ce "workout"commence avec une phrase familière d'une gamme pentatonique en Sol (G) cf 1ère mesure. 

Chaque mesure suivante va utiliser cette phrase et la déplacer un degré à la fois sur la gamme majeure en symétrie (effet de transposition) de la première mesure. Ainsi donc la 2ème mesure commence sur le La(A), la 3ème mesure commence sur le Si(B) etc. Vous remarquerez peut-être que ces phrases décrivent la structure des harmonies de la tonalité de Sol (G-Am-Bm-C-D-Em-F"° et G à la mesure 8). 

Puisque nous avons commencé avec une sonorité pentatonique majeure, nous allons devoir modifier légèrement l'ordre des intervalles sur les accords mineurs afin de leur donner une meilleure texture pentatonique, même si nous avons mineur à la place du majeur. Par exemple au milieu de la mesure, l'idée initiale descend d'une tierce de la fondamentale vers la sixte et ensuite d'une seconde (un ton) de la sixte vers la quinte. Mais par contre sur les accords mineurs nous allons devoir substituer l'idée de base par une seconde (un ton) descendante de la fondamentale vers la 7ème mineure et ensuite descendre d'une tierce de la 7ème mineure vers la quinte afin de donner une texture mineure pentatonique au motif. Pour pigmenter votre travail, des liaisons peuvent être rajoutées dans le phrasé, mais il sera plus efficace de commencer par attaquer toutes les notes et ensuite d'y intégrer à votre convenance des liaisons (hammer-on ou slide). Pour évoluer dans votre connaissance de la théorie et de votre instrument, il vous faudra changer de tonalité et donc de transposer ces motifs sur d'autres gammes. 

2. Weekly workout/ déplacement successif linéaire

La plupart des méthodes pour développer et mémoriser le manche d'un instrument à cordes se concentre sur le fait d'apprendre des notes par quatre ou cinq cases de sections à la fois et de manière progressive ou encore en pratiquant ses gammes et d'apprendre les relations entre les notes dans ces diagrammes sur le manche.

Des approches comme celles-ci (le système C-A-G-E-D est le plus connu) sont essentiels pour connaître à fond son instrument, mais il est tout aussi utile et intéressant de connaître comment les gammes se construisent et se développent le long du manche sur chaque corde. Faire cela, vous aidera à mieux lier ensemble chaque diagramme des gammes que vous connaissez afin de monter et de descendre votre manche en vélocité, efficacité et facilité. Attention aux doigtés dans la progression linéaire surtout  à la main gauche; trois changements de doigtés sont nécessaires au maximum sur chaque corde. 

Ce "workout" peut paraître simple au premier abord; juste une gamme de Do(C) montant de manière diatonique du sillet de tête à la 12ème case sur chaque corde. (Vous pouvez observer que la gamme commence sur la 1ère case pour la 2ème corde, ceci afin que vous ayez la sonorité de la gamme majeure dans l'oreille).

Le plan de travail consiste en deux exercices; les six premières mesures montrent les gammes de Do (gammes symétriques phrygien-ionien-myxolydien-dorien-éolien et sans le locrien et le lydien) sur chaque corde et puis les cinq suivantes sont une harmonisation ascendante en tierces majeures et mineures de la gamme de Do sur deux cordes simultanées. Vous avez peut-être déjà travailler des plans en tierce sur certaines positions ou cordes, mais d'avoir un schéma complet harmonique sous les doigts va aussi vous aider à développer votre jeu sur le manche. Bon courage! soyez patient surtout!

Depuis le Ragtime jusqu'au Bluegrass en passant par le "beat" de Bo Diddley, le rythme nommé "three against four" peut être entendu dans toute la culture musicale américaine du nord au sud. Soulignant des séquences de trois notes tout étant en métrique à quatre temps, le rythme "three against four" est tellement omniprésent qu'il ne peut être encore décrit comme une forme de syncope. Penser à un standard de ragtime tel "12th street rag" ou un thème swing tel que " In the mood" ou encore aux premiers mots ' I can't get no" que chante Mick Jagger du hit des Rolling Stones "Satisfaction", vous pourrez observer ce qu'est le "three against four" en action. 

Dans ce "workout" nous allons continuer l'exploration du manche de la guitare avec un exercice qui met en pratique le rythme "three against four" pendant que l'on se trouve en 4/4. 

L'entraînement commence par un flot d'arpèges sur trois notes dans la tonalité de Sol(G) en position ouverte.

Commençant sur un Sol à la troisième case sur la corde de Mi aigü, nous allons simplement faire une série de triades(accord de 3notes) qui vont descendre la gamme de manière régulière note par note, démarrant chaque triade en arpège avec la note suivante descendante dans la gamme de Sol(G-F"-E-D etc.). La seconde moitié du " Workout" suit un mouvement ascendant. Ce mouvement est un peu différent de la première moitié. Chaque triade commence sur un degré de la gamme de Sol, puis descend d'une tierce et encore d'une tierce etc.comme dans la première partie, mais ici la première note de chaque triade suit un cycle ascendant diatonique en G (D-E-F"-G-etc.)

La plupart des musiciens y comprit les guitaristes apprennent leur instrument par la pratique des gammes. Mais pendant la pratique de ces gammes, il peut être utile de réfléchir à la fonction de chaque note individuelle dans chacune de ces gammes. Est-ce si compliqué? 

Un des moyens pour appliquer cela est de pratiquer des "chord scales"-la gamme appropriée pour chaque accord dans la progression harmonique d'une chanson ou d'un thème. Pour ce "workout" vous allez le faire sur les accords des huit premières mesures d'un standard du jazz "autumn leaves". La première moitié de cette progression est basiquement Am-D-G-C( soit II-V-I-IV dans la tonalité de Sol(G) et la seconde moitié est un II-V-I dans la tonalité de Em; deux progressions de base auxquelles tout le monde fasse référence en principe.

Cet entraînement commence avec des gammes en position ouverte qui démarrent avec la fondamentale pour monter vers la 7ème, utilisant un accord par mesure de la progression harmonique "d'Autumn Leaves" (Am7-D7-GM7-CM7-F"m7b5-B7b9-E7). Excepté pour la gamme sur B7b9, chacune de ces gammes ici utilisent les notes de la gamme de Sol(G) commençant sur la fondamentale de chaque accord. Ainsi par exemple, sur l'accord Am7 de la première mesure, la première note sera A la fondamentale pour finir diatoniquement sur G la 7ème mineure. Sur la 2ème mesure sur l'accord de D7, la première note sera Ré pour la fondamentale pour finir sur C la 7ème mineure, etc.

Dans la seconde moitié de ce "workout", chaque gamme commence sur la 7ème pour descendre vers la fonda-mentale de chaque accord. Il serait utile d'enregistrer la progression harmonique jouée par vos soins, afin d'avoir une meilleure idée de comment sonnent ces gammes sur ces accords. Autrement si je cite un exemple, la gamme à la mesure 9 sur l'accord de Am7 sonnera comme une gamme de Sol descendante qui ne se conclut pas sur Sol(G). Si vous écoutez cette gamme en relation avec Am7 où la première note est une 7ème cela sonnera totalement différement que si vous aviez la tonalité de Sol(G) en tête. 

La gamme pentatonique a une mauvaise réputation, celle de n'être qu'un simple recours pour gratouiller une impro quand un guitariste ne sait pas trop ce qu'il fait. Hélas oui c'est la vérité, la gamme pentatonique a été abusée pour créer trop d'informes jeux "lead" guitaristiques décousus. Mais étudiée sous d'autres aspects, les gammes pentatoniques peuvent révéler des sons inhabituels. Par exemple nous pouvons considérer la pentatonique comme une gamme pour elle-même et non en relation avec la gamme majeure heptatonique (7notes). Pour cela au lieu de voir la gamme pentatonique majeure comme la fondamentale,la seconde, la tierce, la quinte et la sixte d'une gamme majeure de 7 sons, penser juste que C-D-E-G-A sont les notes d'un système musical en Do avec sa propre identité. Si l'on continue cette gamme une octave plus haut, nous avons là , l'octave C plus une 9ème, 10ème, 12ème et 13ème d'une gamme pentatonique sur deux octaves. 

Pour ce "workout", nous allons créer des patterns de 4 notes en otant le deuxième degré de la gamme pentatonique mineure de La (A), c'est dire la tierce mineure par exemple en mesure1. Ainsi donc, à la première mesure, le pattern de quatre notes est A-D-E-G sans le C. Pour la suite il s'agit de transposer ce motif de quatre notes sur chaque degré de la gamme pentatonique de A par une mouvement ascendant. Donc le deuxième motif (sur la deuxième partie de la mesure1) sera C-E-G-A, le deuxième degré D a été supprimé. La seconde moitié de ce "workout" qui commence à la moitié de la mesure 4 sur le A de la première corde, suit un mouvement descendant qui utilise le même pattern. 

La plupart des musiciens dont les guitaristes, sont habitués à travailler des gammes comme "warm-up" (mise en route) ou pour améliorer leurs connaissances et leurs aptitudes globales. Mais beaucoup limitent leurs pratiques à une seule forme de gamme ou de pattern ascendant et descendant de fondamentale à fondamentale. Bien que cela ait des bénéfices notoires, les musiciens qui travaillent les gammes de cette façon, manquent à des processus utiles pour augmenter leurs compétences techniques. 

Une approche efficace qui est populaire chez les violonistes et violoncellistes consiste à développer des motifs en intervalles de tierces sur le manche avec des variations de plans. Jouer en tierces variables  (C-E; F-D; E-G) dans une gamme se réfère à une appelation de "tierces brisées". 

Ce "workout" démarre sur une simple et basique gamme en Do (C) développée en tierces successives ascendantes. Le pattern consiste en deux notes-en tierce-avec un mouvement montant progressivement en diagonale vers la 12ème case à partir de la 2ème position et vice-versa par retour en arrière. Cela peut sembler compliquer en première approche, mais en travaillant lentement avec patience, ce plan fera partie de la mémoire "musculaire" de vos doigts tout comme une plan ou une gamme en Sol(G). Pour rendre votre workout efficace suivez des doigtés appropriés pour la montée et la descente en tierces. Bon courage!

7. Weekly Workout/Drop two chord arpeggios(plans d'arpège sur accords renversés)

Ce qu'on appelle "drop two chord voicing" est populaire chez les guitaristes de tous styles confondus. Ceci en raison de la facilité des doigtés, de l'espace et de l'amplitude de trois ou quatre cases des motifs et de sa sonorité plaisante. Le terme de "drop two" provient des grands orchestres de jazz et des arrangeurs de big bands qui lorsqu'ils créaient des sections pour cordes et cuivres nommaient chaque voix par des nombres de un à quatre (traditionnellement la note la plus haute à la plus basse d'un accord). Un procédé des arrangeurs pour créer d'intéressantes textures sonores fut de baisser "drop" une note de la structure serrée harmonique d'une octave, ceci afin d'ouvrir le voicing. "Drop two" veut dire littéralement que la seconde voix(la quinte) d'un accord est baissée d'une octave. Comme exemple, l'accord de CM7 (C-E-G-B grave au aigü) devient G-C-E-B quand on produit un "drop two" avec le Sol baissé d'une octave. 

Ce "workout" introduit cinq types et diagrammes d'accords en "drop two chord voicing" avec la fondamentale sur la 5ème corde. Nous allons utiliser chaque diagramme d'accord pour monter puis descendre le manche de manière non-diatonique un ton à la fois en utilisant la même couleur harmonique. La mesure 1 commençant par CM7, suivit de DM7 puis de EM7 etc. jusqu'à la 15ème case sur CM7 à nouveau. Si votre guitare n'a pas de découpe en "cutaway", les arpèges à la 4ème mesure seront difficiles à interpréter, mais votre workout restera toujours intéressant si vous oubliez cette mesure 4 et passer outre. Attaquer toute note individuelle de chaque arpège avec un picking alternatif donc en aller-retour. Si vous optez pour le fingerpicking, votre doigté sera p-i-m-a pour chaque diagramme ascendant, pratiquez également une alternance entre i et m pour descendre et monter.

Les quatres autres diagrammes d'accord sont le mineur7 à la mesure 8, le 7ème dominant à la mesure 9, le demi-diminué(m7b5) à la mesure10 et l'accord 7ème diminué à la mesure 11; pour chaque diagramme, il n'y a que les deux premiers voicings présentés, pratiquez les comme pour les M7 jusqu'en haut et redescendez en position de départ. Bon travail!!

Les musiciens de jazz contemporains aiment à developper les standards renommés en focalisant leur intérêt sur le "groove" rythmique et sur des mesures de tempo et métrique qui diffèrent de ceux adoptés à l'origine par les compositeurs (ou ceux habituellement choisis par les jazzmen et arrangeurs).

Par exemple, ils intègrent un feeling bossa-nova latin à une chanson qui serait habituellement interprétée comme une balade à tempo modéré ou encore peut-être de prendre un standard au tempo rapide et accentué pour l'interpréter dans ses nuances harmoniques comme une balade lente et expressive. Les possibilités ne manquent pas dans notre culture musicale, explorez-la!!

Le thème de Jerome Kern "all th things you are" ou encore "Django" ont été interprété de toutes les manières imaginables sur une guitare comme pour d'autres instruments. Vous pouvez aussi convertir une pièce dans une autre métrique ou tempo. Les conversions les plus usuelles sont celles de changer du 3/4 pour du 4/4 ou vice-versa. L'exemple 12a présente un arrangement en 4/4 de métrique qui est converti dans l'exemple 12b en 3/4 de métrique. Observez que les hauteurs de notes n'ont pas été transformées, il s'agit ici d'avoir ajuster les séquences rythmiques de la mélodie à la nouvelle métrique en 3/4. 

Cecil Sharp fut un anglais qui s'installa dans le midwest au USA au début du 20 siècle à la recherche d'anciennes chansons populaires anglaises répertoriées oralement dans le sud de la région des appalaches par des familles d'immigrés. Il trouva par sa recherche 18 versions de la chanson traditionnelle "Fair and tender ladies". 

On peut en trouver des idées d'arrangement instrumentaux voir d'accompagnement pour la guitare en écoutant certaines versions enregistrées dont celle en "finger picking" d'un banjoiste du Kentucky nommé "Banjo Bill Cornett". 

Il fut un fabuleux chanteur et compositeur de son temps dans la manière de combiner le banjo et la voix.

Vous pouvez utilisez son idée d'arrangement basique pour le banjo dont le propos fut de mettre en relief la partie vocale pour la transposer sur la guitare en "open tuning" celtique modal (D-G-D-G-A-D).

Pour le travail technique, il est intéressant d'utiliser l'index et le majeur en buté pour la mélodie sur les cordes aigües et le pouce pour les cordes médianes. Le pouce se devant d'interpréter les basses également bien sûr.

Vous pouvez définir un plan rythmique "oom pah" en noires, le pouce attaquant sur "oom" et le majeur sur "pah". Il vous est possible de rajouter quelques effets de jeu banjo "pulling of" avec le petit doigt de la main gauche. Ces ornements doivent se situer entre le "oom" et le "pah". 

Vous pouvez aussi ajouter un effet rythmique de roulement en quatre battements avec une attaque du pouce en basse sur le "downbeat" suivit d'un "pulling of" sur les cordes aigûes avec les doigts. Le troisième balayage est un mouvement descendant avec le majeur et l'index sur plusieurs cordes aigûes simultanées. Le quatrième balayage se produit en mouvement ascendant avec l'index avec un effet 'brush". Les premières onze mesures d'un arrangement sont présentées ci-dessous. Bon travail soyez créatif !!

Lorsque vous avez la certitude d'avoir capturé un son adéquat, vous êtes prêt pour l'enregistrer. Il y a plusieurs manières d'aborder l'enregistrement proprement dit, ceci en fonction du type de musique. Si vous êtes en "overdubbing'(superposition de pistes) ou en "click track"(jouer sur une piste en fonction), il vous faudra un casque ou des "headphones"(oeillères audio). Expérimenter avec différents niveaux sonores jusqu'à ce que vous vous sentiez confortable et que vous pouvez entendre le"click" ou les pistes que vous êtes en train d"overdubbing" ainsi que votre guitare ou votre basse si vous êtes multi-instrumentiste. Assurez-vous que vos écouteurs ne sont pas trop forts afin qu'ils ne débordent pas sur l'enregistrement par du feeback ou d'autres bruits parasites sur les microphones. Tout musicien et compositeur voudrait pouvoir enregistrer un morçeau en une seule prise, cependant la plupart des enregistrements incluent plusieurs essais dont certaines parties sont souvent combinées et modifiées pour corriger des erreurs.

Cela permet d'avoir une ou des stratégies pour faciliter l'édition. Voici quelques approches!!

Sauvegarder et essayer à nouveau:

si vous ne jouez pas en synchronisation avec les autres instruments. Une manière de gérer les erreurs est d'arrêter l'enregistrement, de sauvegarder les mesures satisfaisantes et de continuer l'enregistrement. Une fois que vous êtes arrivé à la fin du morçeau, vous pouvez utiliser votre programme d'édition musicale pour supprimer les sections inadéquates ou insatisfaisantes. La plupart des programmes actuels d'édition peuvent automatiquement "crossfade"(fondre) les bonnes parties, créant un joint transparent que personne ne remarquera. Cela prend du temps pour apprendre à éditer convenablement-car chaque programme d'édition est différent-mais le processus devient plus facile avec la pratique et l'expérience que l'on acquiert. Avec cette approche vous devez être capable d'arrêter et de reprendre l'enregistrement avec le même volume comme le même tempo et feeling. Et essayer d'éviter de changer ou de déplacer votre position par rapport aux micros d'enregistrement, car même une légère différence peut créer des signes révelateurs au point de montage et d'édition. 

Composer et mixer avec de multiples prises: une autre approche consiste à enregistrer la totalité du morçeau plusieurs fois et de monter ensemble les meilleures sections de chaque performance. Avec cette approche vous pouvez continuer d'interpréter votre performance même s'il y a des erreurs. Une fois votre prise finie, enregistrer à nouveau sur une nouvelle piste, repéter vos prises jusqu'à ce que vous pensez avoir enregistrer chaque section de manière correcte quelque part dans au moins une prise. 

Différents programmes d'édition permettent ce processus dans une variété de possibilités et de façons. Presque tous ces programmes vont vous permettre de couper des sections de prises et coller celles-ci dans une section de montage. Certains de ces "softwares" ont des fonctions plus sophistiquées comme celles vous permettant de sélectionner des sections de prises et d'automatiquement les réunir dans une seule performance audio. 

Il faut du temps et de l'expérience pour trouver le juste équilibre entre la fixation obsessionnelle pour des détails dans l'édition et de laisser de petits inconvenients passer. Si vous trouvez utile à passer du temps à faire beaucoup de montages pour arriver à un enregistrement acceptable, vous devriez plutôt passer du temps à pratiquer votre composition ou votre morçeau, ce temps sera plus utile que de le dépenser à enregistrer trop de prises pour rien. La beauté du "home recording" est que vous n'êtes pas une "horloge" donc il vous est possible de faire autant de prises que vous voulez sans en payer les frais en studio professionnel ou prendre une pause s'il le faut pour reprendre ce travail un autre jour quand votre humeur et feeling seront au rendez-vous!!! bon plaisir. Comme programme d'édition, essayez le cubase pro 4 ou music creator 3!!