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9 juillet 2012 1 09 /07 /juillet /2012 13:37

Chaque note individuelle d'un accord en musique est théoriquement nommée "voix". Tout comme les différentes tessitures de la voix (soprano,ténor, alto et basse) dans un choeur vocal, chaque ton d'un accord représente un interval spécifique de ce même accord. Un "voicing harmonique" détermine la manière dont ces intervalles sont organisés et combinés pour leur donner une sonorité spécifique.

Dans une situation d'harmonisation d'une mélodie ou d'une ré-harmonisation d'un standard de jazz ou de rock voir pop musique, il y a toujours plusieurs possibilités de "voicings", faire le bon choix de celui-ci va dépendre de plusieurs facteurs.

L'exemple 1 montre plusieurs types de "voicings" pour des accords communs en première position.

Faites un balayage (strumming) ou un roulement "arpeggio" pour l'accord de do à la première mesure. L'accord que nous avons là contient "C3, E3,G3, C4 et E4 (les nombres représentent des octaves, par exemple C4 est le middleC du clavier est une octave plus haut que C3). Le C3 est la fondamentale(root), E3 la tierce majeure et G3 la quinte juste. Le C4 et le E4 représentent des dédoublements harmoniques à l'octave (la 8 et la 10).

Ces dernières notes rendent la sonorité de l'accord plus riche, mais ces doublages ne sont pas toujours nécessaires, cela dépend du contexte musical. Le voicing peut être réorganisé afin d'éliminer un ou plusieurs dédoublements. A la mesure 2 nous avons cet exemple avec une triade simple en position serrée(block chord) dont le doigté sera p,i et m.

 

Analyse des voicings:

Ce voicing (mesure2) est utile dans certains styles de musique et dans certaines circonstances en fonction de ce qui précéde ou ce qui le suit, mais il sonne "pauvre"harmoniquement sans un contexte musical adapté. A la mesure3, l'octave C4 est rajoutée afin de mieux faire ressortir la fondamentale dans le voicing et de créer un son plus dense. Le doigté en pincé sera p,i,m et a, mais il est possible en flat picking d'utiliser le plectre avec précision également. A la mesure4 le E3 sur la 4ème corde est éliminé du voicing et remplacé par un E4 aigu, un voicing qui confère une sonorité plus épanouie dont son nom de "position ouverte" à la différence du voicing de la mesure2. L'intervale serré de tierce majeure est passé à un interval à l'octave de 10ème d'où l'appellation de "drop voicing" que l'on utilise également en jazz. L'organisation des intervalles est donc la fondamentale, la quinte, l'octave et la 10(1-5-8-10). A la mesure 5, le E4 a été remplacé par une G4 ou 12, une octave au-dessus, ce qui crée un voicing de C encore plus ouvert que le précédent avec une fondamentale, la quinte, l'octave et la 12 (1-5-8-12). Ce voicing n'ayant pas de tierce sous entendra une sonorité majeure. Les trois premiers voicings sont nommés "en position serrée" parce qu'il n' y a pas de "sauts" entre les tons de l'accord C et les deux derniers" en position élargie ou ouverte" parce qu'il y a des sauts. Certains théoriciens considérent une position serrée comme n'ayant pas de sauts dans les voix aigues du voicing, mais il peut avoir un espacement élargi entre la basse du voicing et le reste des voix de l'accord. Ici on en restera à une définition traditionnelle de la position serrée avec des tierces uniquement entre les voix.

Une fois que vous avez maitrisé l'accord de C, vous pouvez passer bien sûr à d'autres exemples d'accords simples comme le La mineur, Sol majeur et Mi majeur toujours en triades. Les voicings en position serrée ou élargie existent évidemment avec des accords de sixte ou de septième voir de neuvième et plus comme des "polychords. Les choix harmoniques sont donc nombreux pour un arrangement et une composition musicale. Exercez-vous à réharmoniser vos standards pour le plaisir d'essayer de nouvelles idées ou soit pour améliorer votre langage harmonique.

chords-voicing.png

solfege

 chordsheets

 

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4 juillet 2012 3 04 /07 /juillet /2012 02:12

Il existe de nombreuses techniques tout comme des astuces pour apprendre à garder une stabilité dans la pulsion rythmique lorsque vous accompagnez un ou une chanteuse, jouez en groupe ou plus simplement rubato en solo instrumental. Chaque musicien a pour habitude de développer ses propres outils face à ce problème.

Essayer chacune de ces techniques ci-dessous avec la mélodie de l'exercice 1. Vous pouvez vous exercer sur d'autres exemples comme un riff, une séquence harmonique sur un ou plusieurs accords.

- Compter

Au fur à mesure que vous vous habituez à être dans le tempo, ce sera un bon exercice de comptez les temps (la mise en place rythmique) tout en interprétant la mélodie de l'exercice, ou le riff que vous aurez choisit. Chantez le rythme à voix haute au début pour ensuite essayer de l'intérioriser pour vous-même. Extérioriser le rythme par la voix vous aideras également à syncroniser le chant avec l'accompagnement sur votre instrument.

-Tapper dans les mains (exercice de percussion)

Quand on commence à apprendre une nouvelle  pièce instrumentale ou une nouvelle chanson ou encore si vous avez des soucis pour garder le tempo et le rythme, mettez de côté votre instrument pour un moment  et comptez à haute voix les temps pendant que vos mains tappent le rythme. Il est nécessaire au début  de séparer le rythme de la mélodie ou des accords afin d'acquérir une meilleure mise en place rythmique.

-Tapper du pied

Cet exercice au demeurant peut sembler facile, mais par expérience je peux vous assurer qu'il ne l'est pas. Il consiste quand vous jouerez la mélodie de l'exercice 1 sur votre guitare, de tapper avec votre pied droite ou gauche suivant votre habilité tous les temps uniquement. Comme nous sommes ici en 4/4 ce sera donc quatre noires par mesure. Cela prend du temps pour parvenir à garder un battement stable du pied, donc soyez patients.

- Chantez

Ne vous faites pas de soucis si vos voisins vous entendent chanter, mais si vous connaissez les paroles d'une chanson voir sa mélodie uniquement, chantez-la pour vous même tout en jouant cela vous aidera à mettre en place la chanson et conserver un tempo régulier. S'il n' y a pas de paroles comme ici, chantez la mélodie intérieurement pendant que vous jouez, cela  contribuera malgré tout à garder une stabilité rythmique à votre interprétation.

Essayer les mêmes exercices avec des plans plus difficiles comme ceux en dessous de rock d'AC-DC; Back in black

 

mlodie-pour-garder-le-tempo.jpg

 

chordsheets

 

riff-la-blues-rock-hard-rock-rock-2.png

 

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2 juillet 2012 1 02 /07 /juillet /2012 10:14

Le post-Bop a connu une brève notoriété mais il fut un courant intermédiaire intéressant et nécessaire à l"évolution du jazz vers d'autres directions plus hétérogènes et s'ouvrant au monde des musiques ethnos et populaires, ceci à partir des années 60.

Le jazz s'ouvrit ainsi aux nouvelles sonorités musicales nées dans les fifties et sixties (funk, pop, rock et metal) auxquelles s'ajoutèrent des instrumentations plus électriques qui plus est très électroniques. Certains de ces premiers explorateurs comme Miles Davis ou Herbie Hancock lui donnèrent le nom de "jazz-rock", ce qui orienta son potentiel musical et thématique au début à certains genres comme le funk, la pop et soul combinés au jazz plus traditionnel et classique, voir avant-gardiste. 

Plus tard dès les 1970 jusqu' à aujourd'hui d'autres musiciens comme Frank Zappa, Al Di Meola, Pat Metheny, John McLaughlin, Useb, Deodato, Ralph Towner etc. seront explorer d'autres genres et cultures musicales comme le rock, le metal, le hip-pop et la musique indienne et arabe pour que le terme de Jazz-Fusion portent mieux son appellation de musique hétérogène et polyculturelle.

Improvisateurs imaginatifs, certains musiciens de jazz tels que John Scofield, Miles Davis, Walace Roney refusant toute compromission stylistique avec les courants traditionnels, devinrent représentatifs des tendances "postboppers". Le terme de posbop ou modern maintream est souvent associé à des styles du jazz ne pouvant être répertoriés dans un cadre historique précis, comme entre les années 50 et 70. 

 

  John McLaughlin                                          Chick Corea with friends

groupe-jazz-fusion.jpg        jazz-fusion-band.jpg

 

arbredujazz.jpg

   Weather Report en live

weather-report-78.jpg

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28 juin 2012 4 28 /06 /juin /2012 23:27

Cette magnifique pièce instrumentale de blues a été enregistrée à plusieurs reprises par différents musiciens que ce soit de jazz, de blues, voir de rock avec ou sans l'utilisation du bottleneck. En 1929, elle a été enregistrée par un duo "the west virginia guitar duet" de Harvey et Copeland, deux musiciens folk country de "train song" et non de blues. Ils ont enregistrés 6 duos de guitare entre 1929 et 30 pour Colombia Records. Leur répertoire allait du ragtime, du blues, du style "parlor guitar et à la musique populaire. Certains théoriciens vous diront qu'Il est toujours possible d'adapter et d'arranger une pièce musicale dans d'autres styles de musique que celui initialement prévu. Les techniques guitaristiques éd'Harvey et Copeland étaient étendues, mais elles se foculisaient plutôt sur le fingerpicking et sur le "strumming"(balayage des cordes plectre ou aux doigts).

Cet arrangement contient des éléments de la ligne mélodique écrite toute en finesse de Copeland et de parties d'accompagnement en finger picking d 'accords en "bass run". Il vous faudra également vous accorder en open-tuning de ré ou en "dropD tuning" afin d'être proche de l'original.

Il est nécessaire d'utiliser le "slide" là où c'est mentionner par un glissando (trait horizontal)pour un effet bluesy sur les cordes aigües, mais il est aussi possible d'articuler et ponctuer également ces notes avec des coulés ascendants (Hammer on) pour chercher d'autres variantes à l'interprétation. L'arrangement se structure autour de la ligne de basse alternée jouée avec le pouce (tumbstick) à laquelle s'ajoute des liaisons mélodiques sur les cordes graves combinés avec des accords; cela crée un son roulant unique de style "banjo".

Même si la structure de ce morçeau "Lonesome weary blues" est relativement complexe, il n'est cependant pas trop difficile à travailler et à interpréter. Il donne en plus l'opportunité de pouvoir pratiquer des notes en slide de manière propre et précise dans la tonalité de D. Les 8 premières mesures sont présentées ci-dessous.

 

lonesome weary blues

 

chordsheets

La version complète est ci-dessous arrangée pour slide et fingerpicking en D tuning. Bon plaisir! 

Lonesome-Weary-Blues-Part-1_imagelarge.png

 

Lonesome-Weary-Blues-Part-2 imagelarge

drop-d-tuning Lonesome-Weary-Blues-pic.png

 

 

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21 juin 2012 4 21 /06 /juin /2012 18:28

L’Amérique des années 50 est en pleine chasse aux sorcières, le mac-carthisme et la stupidité règnent en maître. Sous prétexte de guerre froide de nombreux politiciens hystériques s’installent aux postes clés, et l’Amérique fasciste et bien pensante fait des ravages dans les milieux artistiques et dans la vie courante. Par désespoir et dépit amoureux, Miles Davis, désemparé, triste et nostalgique de Paris et de son atmosphère artistique, se retrouve rapidement accroché à l’héroïne, une forte dépendance à cette drogue s’installe durement chez beaucoup de musiciens jazz noirs et blancs des années 50-60.

De plus, le Be Bop et le swing passent un peu de mode, beaucoup de big bands s’arrêtent de tourner, le chômage, le dépit, le racisme font que beaucoup de musiciens de jazz craquent. Miles davis comme bien d'autres artistes se retrouvent souvent avec d’autres musiciens junkies, comme Sonny Rollins, le batteur Art Blakey, et le saxophoniste ténor John Coltrane, avec lesquels ils assouvissent leur penchant et leur dépendance aux drogues dures.

Ce furent les années noires du Jazz aux USA. Ce fut aussi une décennie où les héritiers blancs de Charlie Parker, s’en sortirent plutôt bien, Dave Brubeck, Lennie Tristano, Lee Konitz, Gerry Mulligan, Stan Kenton, et Paul Desmond ont tous le vent en poupe, ils surfent admirablement sur la vague

C’est le début du courant du "Cool jazz" qui va mené au jazz post-bop, sous l’influence des compositeurs tels que Billy Strayhorn, Gil Evans fait découvrir un nouveau style musical de haute volée, dans lequel Gerry Mulligan et Lee Konitz qui sont aussi partie prenante du nonet vont par la suite s’affirmer.du Cool, un excellent jazz blanc souffle sur les Etats Unis dans les fifties. 

         Gil Evans nonet birth of the cool                                                         Lennie tristano quartet

birth-of-the-cool.jpg  Tristano.jpg

 

Lennie Tristano

Ce pianiste a été un des personnages clés de l'évolution musicale du jazz pendant les années 60 par sa recherche sur les techniques d'improvisation et de composition. Beaucoup de mythes entourent la carrière à la fois riche et brève de Lennie Tristano, surtout sur les raisons de l'abandon de sa carrière au fait de sa notoriété, qui n'a fait que renforcer son aura de mystère. Un certain nombre de ses contemporains se réfèrent à ses idées, à son enseignement sans l'avoir vraiment connu. Il avait la réputation d'être froid et sans émotion, mais il a dédié toute sa vie à l'art et sa pureté, une des raisons de son exceptionnelle technique pianistique d'mprovisateur, il était un intellectuel du jazz, en permanence à la recherche d'une perfection ; attitude zen et d'innovations. Il a quitté la scène musicale, parce que selon Tristano, elle était morte, sans volonté créative d'apporter quelque chose au jazz. Les travaux de Tristano ont été plus loin dans la recherche artistique que le be-bop, de ce fait il contribua au développement du jazz fusion, d'un jazz multi-culturel ouvert à toutes les influences et innovations mélodiques et harmonique, d'un jazz d'avant-garde post-bop.

Lennie Tristano citations:" Ce n'est pas de la composition spontanée, ce n'est pas de suivre une formule consacrée! C'est avant tout d'entendre la musique qui vit dans votre esprit, dans votre tête et la reproduire".

"Vous pouvez arriver à faire reproduire à vos doigts exactement ce que vous ressentez, si vous y travaillez sérieusement. J'y suis arrivé non seulement en passant des heures devant un clavier, mais en cherchant des voies pour que mes doigts arrivent à reproduire exactement mes sentiments les plus profonds".

Lennie Tristano avait aussi le désir et le talent de savoir communiquer ses principes, voir ses idées avec un humanisme dont beaucoup témoignent avec respect. Il était pour beaucoup un ami, un condident et un leader d'orchestre incomparable et inimitable. Tout était une question de Zen attitude lorsqu'on mentionne Tristano, d'intuition et de feelings que ce soit dans la créativité et dans l'improvisation. Une forme libre signifie pouvoir jouer sans une progression harmonique déterminée, sans une métrique imposée et sans un tempo calculé. En 1949, il enregistre lors d'une séance avec certains de ses élèves et amis musiciens deux morceaux "intuition et disgression" qui furent les premières pièces de jazz totalement free atonales sans matériel thématique de l'histoire du jazz. Son dernier disque fut "the new Tristano" constitué de pièces en solo intéressantes "Cminor complex, Gminor complex et scene and variation". Il a été l'un des premiers musiciens de jazz à concevoir son propre label"jazz records".

Son langage musical fut complexe et inédit, alliant une forte dimension structurale héritée de J.S. Bach, une recherche harmonique autour des substitutions et de "voicings" originaux, un phrasé mélodique linéaire,modale et légato, de plus des incursions dans la polyrythmie et polytonalité.

 

                                                                                                Lee Konitz

TRISTANO1.jpg    lee-konitz-1.jpg

 

 

    The last Album                                                             Paul Desmond

Lennie-Tristano---The-New-Tristano.jpg  paul_desmond.jpg

 

 

Le jazz Post-Bop

Ce terme fut lié à l'avénement au début des années 60 d'un style de Jazz nouveau pratiqué essentiellement par des petits ensembles instrumentaux. Les compositions et les arrangements de Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus, Herbie Hancock et Bill Evans ont servis d'éléments fondateurs de ce courant.

Il est la rencontre du hard Bop, du Free Jazz, du jazz Modal, de l'avant-garde jazz mais aucun de ces courants peut être assimilé en lui-même à ce renouveau. Cette appellation est relativement récente et personne ne l'utilisait dans les années 60. Le label "Blue Note" réputé pour son travail de recherches de nouveaux talents a publié la plupart des albums du Post-Bop; Tel que "Maiden voyage" d'Herbie Hancock ou "Speak no evil" de Wayne Shorter ou encore "Miles smiles" de Miles Davis et pour finir "Out to Lunch" d'Eric Dolphy".Les exemples intéressants ne manquent pas.

Dave Brubeck

Ce pianiste de jazz américain a écrit un certain nombre de standards du third stream, du jazz moderne tels que "The Duke" ou "Take five" avec Paul Desmond son complice saxophoniste de longue date en quartet pour son meilleur album "Time out"ou encore "blue rondo à la turk". Il a su intégrer des éléments culturels divers dans son langage musical unique en étudiant notamment avec Darius Milhaud le compositeur français , les formes musicales classiques. Dans sa longue et productive carrière, il a oeuvré dans plusieurs courants du jazz ; le cool jazz, le west coast sound, le post-bop, le cubop, le jazz fusion, le third stream. Il joua dans sa carrière musicale essentiellement  en quartet ou en trio la plupart du temps. Il a aussi aimé expérimenté des mesures rythmiques irrégulières et inédites comme en 6/4, en 11/4, en 9/8 en 5/4 etc.  Le point le plus haut de sa carrière fut l'année 1963 et son enregistrement live at the carnegie Hall décrit par la critique comme son meilleur concert. 

 

Dave-Brubeck-Quartet.jpg dave-brubeck-quartet time-out2

 chordsheets

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20 juin 2012 3 20 /06 /juin /2012 01:38

Dans cet arrangement de "Darling Cory", le motif rythmique de base de l'accompagnement provient de l'écoute de musiciens "gypsy" roumains jouant de l'épinette(cymbalium). Cet instrument ressemble à un dulcimer de la renaissance, il se joue avec des petits marteaux ou avec des onglets en fingerpicking, il est de la moitié de la taille d'un cordier de piano acoustique voir plus petit encore. En partant de cette idée, du moins de son influence, il est possible de vous accompagner pour le chant avec une mandoline ou même un ukelele pour varier l'instrumentation. Certaines personnes se sont contentés d'accompagner leur chant vocal avec ces instruments pendant des années, mais il est possible d'arranger un accompagnement pour la guitare également comme le montre un extrait ci-dessous afin d'obtenir un son avec plus de fréquences basses donc avoir une plus large tessiture sonore. Ici l'arrangement est définit avec un accordage en Drop-D tuning afin de retrouver une sonorité plus traditionnelle celtique. Cet arrangement est concu pour s'accompagner en solo et non en groupe tout en donnant une résonance intéressante à la guitare en créant une dimension orchestrale à l'arrangement qui ce suffit à lui-même. L'introduction qui a ici une longuer atypique, se décline dans un climat musical traditionnel en structure d'arpèges mélodiques. Il est tout à fait abordable pour des guitaristes de tout niveau! prenez votre temps pour en assimiler les finesses comme les difficultés techniques. Soyez expressif sur les articulations mélodiques entre les harmonies qui donnent une texture de jeu guitaristique variée par ces changements entre jeu mélodique et jeu en accords. 

 

Darling-Cory-Notation-1 imagelarge

 

chordsheets

 

manche de guitare

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8 juin 2012 5 08 /06 /juin /2012 11:35

L'accordage alternatif le plus simple et le plus commun utilisé par des guitaristes de tous styles de musique confondus est le "dropped-D tuning", c'est à dire il s'agit de baisser la corde de Mi grave d'un ton vers le ré grave.  A l'origine de multiples musiciens de musique celtique (Irlande, Ecosse, Pays de Galles) ont adopté ce procédé musical qui a trouvé preneur dans la musique contemporaine. Mains musiciens de folk, rock et jazz l'utilise parfois ou voir souvent pour trouver de nouvelles sonorités dans leur panoplie de compositeur, comme en fingerpicking ou sur des riffs harmoniques en métal. 

 drop-d-tuning drop-d-chord-chart.jpg

Ce procédé élargit la tessiture de la guitare d'un ton et permet au guitariste quand il compose ou interpréte un morceau dans la tonalité de Ré, de jouer plus facilement  la fondamentale en basse sur deux octaves quelque soit les diagrammes que la main gauche doit produire. Ecouter CSN &Y ou les Rolling Stones ou encore  Rory Gallagher voir Ry Cooder pour des exemples de cet accordage.

Dans l'exemple1, faites un petit essai de positionnement des doigts avec le Ré (D) et de balayage sur les 6 cordes puis écouter la résonance obtenue. N'est-ce pas particulier!

Pour le premier "voicing"(diagramme), il y a plusieurs fondamentales de Ré sur trois octaves; ainsi que deux notes de A et une de Fa dièse. La répétition de ces intervalles de fondamentale et de quinte renforce l'impact sonore de ces degrés et de leurs harmoniques, ce qui donne l'impression que la guitare sonne avec plus de volume également.

Dans le deuxième "voicing", il n' y a plus de Fa dièse et on a ajouté un la (A) sur la chanterelle Mi, ce qui fait que tous les tons sont soit la fondamentale et la quinte. Cela rend l'impact sonore de l'accord D encore plus massif pour l'auditeur. Continuer à travailler tous les accords et écouter la résonance globale des accords de l'exercice en vous enregistrant avec un appareil adapté à cet instrument comme un boss ou un yamaha voir un zoom.

 

altTunings-ex1.gif

Il peut être plus facile de plaquer un accord de Fa en drop D tuning qui est souvent difficile techniquement en accordage standard pour un débutant, comme il est visualisé ci-dessous. S'en suit une idée avec une succession d'accords dans cette position en power chords. 

drop_d_f_chord.gifdrop_d_power_chords.gif

Le drop D tuning donne aussi plus de liberté avec les positions clés transposables de D majeur ou mineur, par le fait que les 6 cordes de la guitare peuvent vibrer et être utilisées tout le temps comme l'exemple ci-dessous vous le montre! essayez de plaquer et faire sonner ces accords afin d'entendre leurs sonorités particulières! Bon travail

Un autre exemple de progression d'accords en drop D tuning est "Harvest moon" de Neil Young. Ce compositeur canadien a su exploiter et développer des compositions intelligentes en accordages alternatifs; tels que Cinnamon Girl, the Loner, Harvest Moon, etc. Toute la subtilité de la grille harmonique en tonalité de D et de son développement est dans l'utilisation des cordes à vides qui enrichissent magnifiquement l'accord de D avec une 9 ème la corde de E à vide sur la première mesure, dans la deuxième il ajoute la 7ème majeur Cdièse et la répétition du "riff" ainsi de suite. 

drop-d-guitar-chords.gif

Un autre exemple d'utilisation de Dropped D Chords voicings pour "silent night" version jazz. 

 

silent-night-drop-d-form.jpg

 chordsheets

Un autre exemple en Blues cette fois-ci en finger picking et chord melody.

 

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5 juin 2012 2 05 /06 /juin /2012 13:44

En premier lieu tout débutant guitariste doit se familiariser avec le positionnement des mains gauche et droite et du poignet comme de l'avant bras. Pour jouer en arpèges, commencer par placer vos doigts de la main droite (picking hand) correctement sur les cordes. Dans l'exemple1 le pouce, l'index, le majeur et l'annulaire sont utilisés comme doigté principal pour tout l'exercice.

Après avoir interpréter chaque arpège, il vous faut revenir dans la position du doigté de base sur les cordes, gardez toujours vos doigts près des cordes en étant toujours prêt à pincer une nouvelle corde. Ce principe ne va pas seulement vous permettre une meilleure fluidité dans l'exécution de l'arpège suivante, mais cela va aussi stopper les notes de l'accord précédent de continuer de sonner de manière indésirable. Il peut être utile de bouger votre pouce de manière circulaire pour le repositionner pendant que vos doigts complètent l'arpège.

Les doigts de la main gauche doivent rester sur les cordes jusqu'à la fin de chaque cycle d'arpèges, pour ensuite les bouger ensemble d'un seul mouvement pour le prochain "voicing" harmonique. Toutefois un certain doigté avec la main gauche peut être maintenu dans la mesure où ce sont des notes pivots communes au cycle harmonique, il s'agit de les changer quand cela est nécessaire pour un nouveau voicing (diagramme d'accord). Ainsi donc par exemple à la 5ème mesure de l'exercice 1, la première et la seconde arpèges partagent en commun les notes C et A sur le deuxième et la troisième corde, ainsi l'index et le majeur restent en place alors que l'annulaire doit jouer le Sol (G) sur la sixième corde pour la deuxième arpège. Les deux arpèges qui suivent partagent aussi ces notes, le majeur peut rester en position alors que autres doivent bouger pour le Fa et le Ré mineur. L'index peut rester en position pour les accords de G7 et le 1er renversement de G mais l'annulaire frette le sol (G) en basse et le majeur le Si sur la 5ème corde. Le dernier accord est obtenu en utilisant aussi le p, i, m et a simultanément. Bon travail!!

 

deve-arpeges.jpg

Les exercices et les études développés par le guitariste italien Guiliani reste un référence encore aujourd'hui pour le travail du développement des arpèges à la guitare. En voici la première page en C et G7/B. 

 maindroite 

 

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1 juin 2012 5 01 /06 /juin /2012 12:27

Transcrire et mémoriser certains thèmes ou solos d'artistes renommés peut être un défi, voir un challenge difficile pour un guitariste débutant, même confirmé. Mais ceci peut devenir plus familier par un apprentissage de son aptitude à reconnaître les intervalles et les sons, à pouvoir écrire la musique et apprendre des solos, tous ces outils sont indissociables d'un entraînement de l'oreille musicale.

Ce n'est pas si important au début de transcrire exactement une mélodie d'un enregistrement audio, ce qui l'est est le fait que vous pratiquiez l'habitude d'essayer de jouer et d'écrire les sons et les séquences rythmiques que l'on perçoit par son ouie. La méthode et ce travail pratique sont ce qui est dès plus important.

Ce processus va vous permettre de vous situer au centre même des outils nécessaires pour reproduire les sons sortant d'une guitare ou de votre instrument et de graduellement enrichir votre répertoire de riffs et de solos et de situer plus rapidement votre propre style guitaristique.

Procéder pour affiner votre oreille musicale

Il peut être nécessaire avant toute chose de vous faire un plan initial . Vous n'avez pas besoin d'un matériel important pour commencer à transcrire des enregistrements musicaux. Un block de papier à musique, une gomme ne laissant pas de trace de couleur, d'un bon crayon à pointe fine et évidemment un bon enregistrement du solo ou du thème à transcrire.

Essayer d'être bien accorder avec la musique de l'enregistrement, donc d'être dans la même tessiture et timbre de ce qui s'entend, après cela commencer par repérer la tonalité utilisée par le musicien pour le solo ou la mélodie qui vous intéresse. 

Faites un plan par une grille de la progression harmonique et essayer de l'interpréter avec le disque plusieurs fois de suite pour percevoir les changements harmoniques et leurs positions dans l'espace formel.

Pendant que vous écoutez l'enregistement, essayer de saisir des notes par ci et par là, ce que vous pouvez saisir pendant ces passages répétitifs. Essayer de chanter chacun de ces passages afin d'intégrer mentalement la mélodie.

Laisser en blanc les passages que vous ne pouvez pas identifier par l'écoute, vous pouvez revenir sur ces passages plus tard.

Tout ce processus est avant tout une question d'écoute, de jouer avec le disque et de faire coincider ce que vous jouer avec ce que vous écoutez puis d'écrire sur du papier à musique le maximum de ce que percevez par l'oreille. Ce n'est pas grave si vous utilisez une écriture musicale traditionnelle, un système tablature ou un mode d'écriture de votre invention, l'important est de pouvoir vous relire et recopier cela de manière lisible au cas échéant avec un programme d"édition musicale informatique comme sibelius, guitar pro, cakewalk, encore ou Finale. 

chordsheets

Un exemple de transcription du riff à la trompette de so what de Miles Davis arrangé pour la guitare

Un autre exemple de transcription celui de "Blue Bossa" à partir du sax de Stan Getz 

audioscore-ultimate-7-convertir-un-audio-en-partition-pour-.jpg

Et enfin pour conclure le solo de Chet Baker sur Lady Bird. Rien que du facile! dur travail 

 

  ladybird-transcription

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28 mai 2012 1 28 /05 /mai /2012 10:50

L'utilisation la plus basique et la plus importante du capodastre est celle de changer la tonalité d'une chanson pour que la mélodie se prête mieux à votre tessiture de voix ou de celle d'une autre personne si vous accompagnez un ou une vocaliste. Prenons un exemple, vous connaissez une chanson dans la tonalité de Sol, mais vous remarquez que cela est trop bas pour votre tessiture de voix, on peut donc élever la tessiture de la chanson globalement en posant un capodastre sur le manche. Pour cela, mettez votre capodastre à la deuxième case, juste derrière la barrette et pas au milieu de la case comme sur les photos ci-dessous, et si vous conservez les mêmes "voicings" (diagrammes) d'accords que ceux utilisés en Sol majeur, vous constaterez que la chanson sonnera dans une tonalité d'un ton supérieur; donc en La majeur. 

 

guitare_capo2.jpg     capodastre-112e15e.jpg

 

Pour connaître le nom des accords que vous frettez dans cette 2ème position, il vous suffit de rajouter le nombre de tons que vous avez ajouté avec le capodastre à celui des accords. Ici en l'occurrence nous avons bougé de deux cases donc de un ton en musique, cela nous donne en lieu et place de Sol majeur, un accord de La majeur et pour l'accord de Do majeur, vous aurez l'accord de Ré majeur et pour l'accord de Ré vous obtiendrez l'accord de Mi majeur.

Si vous essayez de changer la tonalité d'une chanson en Mi majeur, donc de hausser sa tessiture pour s'adapter à votre voix, avec des accords majeurs de Mi, La et Si 7, en première position vous obtiendrez une chanson dans la tonalité de Fa, en deuxième position vous serez dans une tonalité plus atypique voir exotique de Fa dièse.

En vous positionnant trois cases plus haut avec le capodastre, vous serez dans la tonalité de Sol, ce qui va produire des choix intéressants. Vous pouvez soit continuer à interpréter la chanson en Sol avec des accords de Mi, La et Si 7 ou bien vous pouvez ôter le capodastre et accompagnez la chanson avec les accords triades plus familiers de Sol, Do et Ré7.

Si votre voix se complaît en Sol dièse, placer simplement votre capodastre en 4ème position tout en gardant les "voicings" de Mi, La et Si 7, ou bien encore vous pouvez utiliser des positions ouvertes en Sol en plaçant le capodastre en 1ère position. 

Les choix sont multiples avec une capodastre comme vous pouvez  le constater. Attention ne vous trompez pas!!

Voici en dessous un guide de tonalités en forme de tableau qui vous indique la transposition de quelques accords de base de la 1ère à la 7ème position sur le manche.

 

AGMethod_ChordChart.png

 

chordsheets

Ci-dessous quelques exemples de capodastres anciens dont la marque Dunlop est efficace pour concevoir ces outils utiles pour bloquer les cordes. Par expérience, méfiez-vous des capodastres à système de pince comme ci-dessus dans les photos, ils produisent une pression moins égale et efficace sur le manche, donc votre son s'en ressentira. Les anciens comme ceux présentés ci -dessous sont encore ce qu'il y a de mieux, à vous de voir !

 

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