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15 août 2013 4 15 /08 /août /2013 11:32

Des artistes comme Steve Howe du groupe "Yes" n'ont jamais limité leurs influences à un seul genre musical. Steve Howe a souvent utilisé des éléments stylistiques du "Bluegrass" pour les intégrer dans ces pièces instru-mentales en "fingerpicking" tel que"Clap" ou "Ram". L'exemple11 montre un plan en fingerpicking similaire à un "banjo roll" ou à un pattern en crosspicking semblable à ceux que Steve Howe joue dans un morçeau tel que "Clap". Observez comment ce plan met en évidence les cordes à vide afin de créer des sonorités originales. L'exemple12 montre un "fill in" d'inspiration "Howienne" qui commence sur des dissonances pour se résoudre éventuellement mais surement dans la tonalité de Sol. Cet exemple inclut des notes non-diatoniques et des cordes à vide afin de créer des dissonances originales mais qui sonnent plutôt dures voir bruts à un tempo lent, mais qui créent des tensions intéressantes quand le tempo est plus rapide. L'essayez c'est l'adopter!

Roots-Fingerpicking-Ex11 12

manche de guitare

Pour conclure voici une partition originale de "Clap" de Steve Howe. C'est une pièce instrumentale intéressante qui combine de multiples influences stylistiques et culturelles de fingerpicking. La patience et la pratique seront de rigueur pour maîtriser ce type de pièce instrumentale. Et pour arriver à vous en sortir, Il sera bon de travailler les difficultés techniques et rythmiques en "micropracticing", donc d'adapter votre transcription sur les éléments complexes ceci mesure par mesure en se focalisant sur les doigtés pour les deux mains en premier lieu comme sur les barrés et non sur l'interprétation et le tempo qui est très rapide donc difficile pour la maîtrise technique de cette pièce. Observez les mesures 6,7 et 8 pour le "banjo roll" ainsi que les mesures 16, 17 et 18. N'hésitez pas à écouter et observer des versions lives sur U-tube de Steve Howe! ceci est nécessaire! 

clapYes.png

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14 août 2013 3 14 /08 /août /2013 13:41

J'ai écouté la première fois cette mélodie de "Lassie who had the land" sur un enregistrement d'une artiste assez spectaculaire que je n'ai jamais rencontré par ailleurs, mais étant trop jeune, même pas né. Son nom était Bidget Tunney, elle était née en Ireland dans la région de Donegal proche de Fermanah. Elle avait une tessiture et une voix telle une cornemuse à l'échelle humaine certes. Elle produisait une attaque dure et particulière avec sa voix à nul autre pareil sur certaines notes. Quand j'ai entendu cette mélodie sur un enregistrement rare, cela m'a prit du temps pour la comprendre au niveau de sa signification littérale et musicale. Cependant cet air fredonnait souvent dans mon esprit comme une mélopée marquante et obsédante. Allez savoir! à vous de voir.

La version que l'on entend le plus souvent commence un peu différement en arrivant sur la quinte et la 5ème note sur le "of" de " of a bright may morning". Ceci dit on peut entendre Bridget Tunney descendre d'un ton sur la quarte, ce qui semble être plus esthétique et approprié. Vous avez ci-dessous un arrangement instrumental pour guitare de l'introduction de cette mélodie celtique en "drop d tuning"; Il est important de l'interpréter dans un tempo modéré au début pour l'accentuer dans une débit plus rapide par la suite comme il est indiqué sur la partition. Observez la métrique atypique en 6/4. Bon travail! 

Lassie-Who-Had-the-Land-8BARS.jpg

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Cet accompagnement pour guitare présente pas mal de difficultés pour un musicien débutant, notamment de combiner les parties vocale et instrumentale. Le début du "verse" va exiger une travail de mise en place et de découpage rythmique précis et méthodique. Notamment en travaillant lentement et par de courtes sections de l'arrangement. Surtout comme il est souvent dit; soyez patient!

The-Lassie-Who-Had-the-Land-Part-1

The-Lassie-Who-Had-the-Land-Part-2

 

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28 juillet 2013 7 28 /07 /juillet /2013 16:32

Un des éléments caractéristiques du compositeur et guitariste Blind Blake fut un effet ou une idée rythmique de groove nommé "Thumb roll" sur les basses. Cette note rapide en anticipation avant le premier temps(downbeat) de la mesure ajoute du rebond dans le "groove" rythmique d'une pièce de blues ou d'un accompagnement de guitare quelque soit le style. Pour l'éxécuter, laisser votre pouce rouler avec lourdeur sur la corde la plus grave et qu'il vienne s'appuyer en buté sur la corde grave suivante pour un très court instant, ensuite quitter la corde pour attaquer la ligne de basse alternée régulière jusqu'au prochain changement d'accord et recommencer ce roulement sur les basses en anticipation. Dans l'exemple4 ci-dessous l'effet "thumb roll" ne se produit pas sur chaque changement d'accord, uniquement dans les 3 premières mesures sur C-E et A7. 

C'est une forme de technique et d'effet de jeu qui pimente votre pulsion rythmique, mais si l'on en abuse, il devient prévisible donc il perd de son effet de surprise. Une fois que cette technique sera maîtrisée dans cet exemple 4, prenez le temps de l'assaisonner à votre convenance dans votre jeu guitaristique en picking afin d'enrichir votre style et votre jeu. Il sera bon de travailler l'exemple4 comme d'autres de votre invention , je l'espère pour un certain temps jusqu' à un tempo modéré de 100 à 120. 

Un conseil; Si vous l'interprétez trop rapidement, le "thumb roll" va perdre sa qualité de rebond rythmique et toute la pièce dans son interprétation va devenir "robotique". Pensez de manière désinvolte et expérimentez!

Example-4-Ragtime-Thumbroll-Acoustic-Blues-Guitar-Basics.jpg

La base rythmique du picking en ragtime sur une guitare ou un banjo voir sur un piano se produit grace à la ligne de basse jouée au pouce sur les cordes graves en basse alternée. Observez l'exemple1 ci-dessous.

basse ragtime        

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17 juillet 2013 3 17 /07 /juillet /2013 14:51

Tout musicien doit avoir à l'esprit qu'il est important d'avoir une organisation de travail méthodique, constante et progressive sur son instrument afin d'évoluer de manière efficace vers la maîtrise de ses techniques que ce soit à la guitare, sur une mandoline, un banjo ou une basse, etc.

 

1. Weekly workout/ Motifs (licks) sur gamme majeure harmonisée

 

Une bonne manière de développer la connaissance du manche de son instrument est de donner à vos doigts des exercices qu'ils n'ont pas l'habitude de produire et de pratiquer. Et une manière simple pour cela est de créer de courts motifs (licks) répétitifs et de les pratiquer à partir de chaque degré d'un diagramme de gamme majeure.

Ce "workout"commence avec une phrase familière d'une gamme pentatonique en Sol (G) cf 1ère mesure. 

Chaque mesure suivante va utiliser cette phrase et la déplacer un degré à la fois sur la gamme majeure en symétrie (effet de transposition) de la première mesure. Ainsi donc la 2ème mesure commence sur le La(A), la 3ème mesure commence sur le Si(B) etc. Vous remarquerez peut-être que ces phrases décrivent la structure des harmonies de la tonalité de Sol (G-Am-Bm-C-D-Em-F"° et G à la mesure 8). 

Puisque nous avons commencé avec une sonorité pentatonique majeure, nous allons devoir modifier légèrement l'ordre des intervalles sur les accords mineurs afin de leur donner une meilleure texture pentatonique, même si nous avons mineur à la place du majeur. Par exemple au milieu de la mesure, l'idée initiale descend d'une tierce de la fondamentale vers la sixte et ensuite d'une seconde (un ton) de la sixte vers la quinte. Mais par contre sur les accords mineurs nous allons devoir substituer l'idée de base par une seconde (un ton) descendante de la fondamentale vers la 7ème mineure et ensuite descendre d'une tierce de la 7ème mineure vers la quinte afin de donner une texture mineure pentatonique au motif. Pour pigmenter votre travail, des liaisons peuvent être rajoutées dans le phrasé, mais il sera plus efficace de commencer par attaquer toutes les notes et ensuite d'y intégrer à votre convenance des liaisons (hammer-on ou slide). Pour évoluer dans votre connaissance de la théorie et de votre instrument, il vous faudra changer de tonalité et donc de transposer ces motifs sur d'autres gammes. 

Weekly-Workout-1-Harmonized-Major-Scale

2. Weekly workout/ déplacement successif linéaire

La plupart des méthodes pour développer et mémoriser le manche d'un instrument à cordes se concentre sur le fait d'apprendre des notes par quatre ou cinq cases de sections à la fois et de manière progressive ou encore en pratiquant ses gammes et d'apprendre les relations entre les notes dans ces diagrammes sur le manche.

Des approches comme celles-ci (le système C-A-G-E-D est le plus connu) sont essentiels pour connaître à fond son instrument, mais il est tout aussi utile et intéressant de connaître comment les gammes se construisent et se développent le long du manche sur chaque corde. Faire cela, vous aidera à mieux lier ensemble chaque diagramme des gammes que vous connaissez afin de monter et de descendre votre manche en vélocité, efficacité et facilité. Attention aux doigtés dans la progression linéaire surtout  à la main gauche; trois changements de doigtés sont nécessaires au maximum sur chaque corde. 

Weekly-Workout-2-Up-the-Neck.jpg

Ce "workout" peut paraître simple au premier abord; juste une gamme de Do(C) montant de manière diatonique du sillet de tête à la 12ème case sur chaque corde. (Vous pouvez observer que la gamme commence sur la 1ère case pour la 2ème corde, ceci afin que vous ayez la sonorité de la gamme majeure dans l'oreille).

Le plan de travail consiste en deux exercices; les six premières mesures montrent les gammes de Do (gammes symétriques phrygien-ionien-myxolydien-dorien-éolien et sans le locrien et le lydien) sur chaque corde et puis les cinq suivantes sont une harmonisation ascendante en tierces majeures et mineures de la gamme de Do sur deux cordes simultanées. Vous avez peut-être déjà travailler des plans en tierce sur certaines positions ou cordes, mais d'avoir un schéma complet harmonique sous les doigts va aussi vous aider à développer votre jeu sur le manche. Bon courage! soyez patient surtout!

3. Weekly Workout/rythme trois contre quatre/"three against four"

Depuis le Ragtime jusqu'au Bluegrass en passant par le "beat" de Bo Diddley, le rythme nommé "three against four" peut être entendu dans toute la culture musicale américaine du nord au sud. Soulignant des séquences de trois notes tout étant en métrique à quatre temps, le rythme "three against four" est tellement omniprésent qu'il ne peut être encore décrit comme une forme de syncope. Penser à un standard de ragtime tel "12th street rag" ou un thème swing tel que " In the mood" ou encore aux premiers mots ' I can't get no" que chante Mick Jagger du hit des Rolling Stones "Satisfaction", vous pourrez observer ce qu'est le "three against four" en action. 

Dans ce "workout" nous allons continuer l'exploration du manche de la guitare avec un exercice qui met en pratique le rythme "three against four" pendant que l'on se trouve en 4/4. 

Weekly-Workout-3-3-Against-4.jpg

L'entraînement commence par un flot d'arpèges sur trois notes dans la tonalité de Sol(G) en position ouverte.

Commençant sur un Sol à la troisième case sur la corde de Mi aigü, nous allons simplement faire une série de triades(accord de 3notes) qui vont descendre la gamme de manière régulière note par note, démarrant chaque triade en arpège avec la note suivante descendante dans la gamme de Sol(G-F"-E-D etc.). La seconde moitié du " Workout" suit un mouvement ascendant. Ce mouvement est un peu différent de la première moitié. Chaque triade commence sur un degré de la gamme de Sol, puis descend d'une tierce et encore d'une tierce etc.comme dans la première partie, mais ici la première note de chaque triade suit un cycle ascendant diatonique en G (D-E-F"-G-etc.)

4. Weekly workout/ gammes d'accords(chords scales)

La plupart des musiciens y comprit les guitaristes apprennent leur instrument par la pratique des gammes. Mais pendant la pratique de ces gammes, il peut être utile de réfléchir à la fonction de chaque note individuelle dans chacune de ces gammes. Est-ce si compliqué? 

Un des moyens pour appliquer cela est de pratiquer des "chord scales"-la gamme appropriée pour chaque accord dans la progression harmonique d'une chanson ou d'un thème. Pour ce "workout" vous allez le faire sur les accords des huit premières mesures d'un standard du jazz "autumn leaves". La première moitié de cette progression est basiquement Am-D-G-C( soit II-V-I-IV dans la tonalité de Sol(G) et la seconde moitié est un II-V-I dans la tonalité de Em; deux progressions de base auxquelles tout le monde fasse référence en principe.

Cet entraînement commence avec des gammes en position ouverte qui démarrent avec la fondamentale pour monter vers la 7ème, utilisant un accord par mesure de la progression harmonique "d'Autumn Leaves" (Am7-D7-GM7-CM7-F"m7b5-B7b9-E7). Excepté pour la gamme sur B7b9, chacune de ces gammes ici utilisent les notes de la gamme de Sol(G) commençant sur la fondamentale de chaque accord. Ainsi par exemple, sur l'accord Am7 de la première mesure, la première note sera A la fondamentale pour finir diatoniquement sur G la 7ème mineure. Sur la 2ème mesure sur l'accord de D7, la première note sera Ré pour la fondamentale pour finir sur C la 7ème mineure, etc.

Dans la seconde moitié de ce "workout", chaque gamme commence sur la 7ème pour descendre vers la fonda-mentale de chaque accord. Il serait utile d'enregistrer la progression harmonique jouée par vos soins, afin d'avoir une meilleure idée de comment sonnent ces gammes sur ces accords. Autrement si je cite un exemple, la gamme à la mesure 9 sur l'accord de Am7 sonnera comme une gamme de Sol descendante qui ne se conclut pas sur Sol(G). Si vous écoutez cette gamme en relation avec Am7 où la première note est une 7ème cela sonnera totalement différement que si vous aviez la tonalité de Sol(G) en tête. 

Weekly-Workout-4-Chord-Scales.jpg

5.Weekly workout/Plans pentatoniques

La gamme pentatonique a une mauvaise réputation, celle de n'être qu'un simple recours pour gratouiller une impro quand un guitariste ne sait pas trop ce qu'il fait. Hélas oui c'est la vérité, la gamme pentatonique a été abusée pour créer trop d'informes jeux "lead" guitaristiques décousus. Mais étudiée sous d'autres aspects, les gammes pentatoniques peuvent révéler des sons inhabituels. Par exemple nous pouvons considérer la pentatonique comme une gamme pour elle-même et non en relation avec la gamme majeure heptatonique (7notes). Pour cela au lieu de voir la gamme pentatonique majeure comme la fondamentale,la seconde, la tierce, la quinte et la sixte d'une gamme majeure de 7 sons, penser juste que C-D-E-G-A sont les notes d'un système musical en Do avec sa propre identité. Si l'on continue cette gamme une octave plus haut, nous avons là , l'octave C plus une 9ème, 10ème, 12ème et 13ème d'une gamme pentatonique sur deux octaves. 

Pour ce "workout", nous allons créer des patterns de 4 notes en otant le deuxième degré de la gamme pentatonique mineure de La (A), c'est dire la tierce mineure par exemple en mesure1. Ainsi donc, à la première mesure, le pattern de quatre notes est A-D-E-G sans le C. Pour la suite il s'agit de transposer ce motif de quatre notes sur chaque degré de la gamme pentatonique de A par une mouvement ascendant. Donc le deuxième motif (sur la deuxième partie de la mesure1) sera C-E-G-A, le deuxième degré D a été supprimé. La seconde moitié de ce "workout" qui commence à la moitié de la mesure 4 sur le A de la première corde, suit un mouvement descendant qui utilise le même pattern. 

Weekly-Workout-5-Pentatonic-Patterns.jpg

6. Weekly Workout/ plans en tierce

La plupart des musiciens dont les guitaristes, sont habitués à travailler des gammes comme "warm-up" (mise en route) ou pour améliorer leurs connaissances et leurs aptitudes globales. Mais beaucoup limitent leurs pratiques à une seule forme de gamme ou de pattern ascendant et descendant de fondamentale à fondamentale. Bien que cela ait des bénéfices notoires, les musiciens qui travaillent les gammes de cette façon, manquent à des processus utiles pour augmenter leurs compétences techniques. 

Une approche efficace qui est populaire chez les violonistes et violoncellistes consiste à développer des motifs en intervalles de tierces sur le manche avec des variations de plans. Jouer en tierces variables  (C-E; F-D; E-G) dans une gamme se réfère à une appelation de "tierces brisées". 

Ce "workout" démarre sur une simple et basique gamme en Do (C) développée en tierces successives ascendantes. Le pattern consiste en deux notes-en tierce-avec un mouvement montant progressivement en diagonale vers la 12ème case à partir de la 2ème position et vice-versa par retour en arrière. Cela peut sembler compliquer en première approche, mais en travaillant lentement avec patience, ce plan fera partie de la mémoire "musculaire" de vos doigts tout comme une plan ou une gamme en Sol(G). Pour rendre votre workout efficace suivez des doigtés appropriés pour la montée et la descente en tierces. Bon courage!

Weekly-Workout-6-Patterns-in-Thirds.jpg

7. Weekly Workout/Drop two chord arpeggios(plans d'arpège sur accords renversés)

Ce qu'on appelle "drop two chord voicing" est populaire chez les guitaristes de tous styles confondus. Ceci en raison de la facilité des doigtés, de l'espace et de l'amplitude de trois ou quatre cases des motifs et de sa sonorité plaisante. Le terme de "drop two" provient des grands orchestres de jazz et des arrangeurs de big bands qui lorsqu'ils créaient des sections pour cordes et cuivres nommaient chaque voix par des nombres de un à quatre (traditionnellement la note la plus haute à la plus basse d'un accord). Un procédé des arrangeurs pour créer d'intéressantes textures sonores fut de baisser "drop" une note de la structure serrée harmonique d'une octave, ceci afin d'ouvrir le voicing. "Drop two" veut dire littéralement que la seconde voix(la quinte) d'un accord est baissée d'une octave. Comme exemple, l'accord de CM7 (C-E-G-B grave au aigü) devient G-C-E-B quand on produit un "drop two" avec le Sol baissé d'une octave. 

Ce "workout" introduit cinq types et diagrammes d'accords en "drop two chord voicing" avec la fondamentale sur la 5ème corde. Nous allons utiliser chaque diagramme d'accord pour monter puis descendre le manche de manière non-diatonique un ton à la fois en utilisant la même couleur harmonique. La mesure 1 commençant par CM7, suivit de DM7 puis de EM7 etc. jusqu'à la 15ème case sur CM7 à nouveau. Si votre guitare n'a pas de découpe en "cutaway", les arpèges à la 4ème mesure seront difficiles à interpréter, mais votre workout restera toujours intéressant si vous oubliez cette mesure 4 et passer outre. Attaquer toute note individuelle de chaque arpège avec un picking alternatif donc en aller-retour. Si vous optez pour le fingerpicking, votre doigté sera p-i-m-a pour chaque diagramme ascendant, pratiquez également une alternance entre i et m pour descendre et monter.

Les quatres autres diagrammes d'accord sont le mineur7 à la mesure 8, le 7ème dominant à la mesure 9, le demi-diminué(m7b5) à la mesure10 et l'accord 7ème diminué à la mesure 11; pour chaque diagramme, il n'y a que les deux premiers voicings présentés, pratiquez les comme pour les M7 jusqu'en haut et redescendez en position de départ. Bon travail!!

Weekly-Workout-7-Drop-Two.jpg

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15 juillet 2013 1 15 /07 /juillet /2013 14:21

Les origines de cette pièce instrumentale pour violon, "Angeline the baker" restent un grand mystère. Beaucoup de musicologues la créditent à un certain Stephen Foster, et le "chorus" de la version de Stephen Foster" intitulée"Angelica Baker" a quelques points mélodiques en commun avec la partie grave de la version pour violon. Mais la partie aigûe semble complètement venir d'ailleurs d'où certains problèmes pour en cerner ses origines. La version enregistrée en 1928 d'un certain fiddler Uncle Eck Dunford n'a vraiment en commun que le titre avec la chanson de Stephen Foster et c'est une version du squelette de la chanson qui est devenu un élément de base du style "Bluegrass old time". 

Les huit premières mesures d'un arrangement pour guitare de la mélodie sont présentées ci-dessous. Vous pouvez créer votre propre arrangement en fingerpicking grace à l'accordage en Dropped-D. Ce qui vous permet d'y ajouter une ligne de basse soit alternée, soit séquencée sur certaines notes avec des voicings en intervalles ou en accords ou encore avec une basse monotonique sur les fondamentales des accords de D et de G. Il y a plusieurs possibilités d'arrangements instrumentaux de cette mélodie. 

Angeline-the-Baker-Music-EXCERPT.jpg

Voici une version arrangée pour banjo à 5 cordes en open tuning de G.

AngelineTheBaker banjo

Voici la mélodie de base pour violon de ce standard du style bluegrass. 

angeline-the-baker.png

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15 juillet 2013 1 15 /07 /juillet /2013 13:30

Les musiciens de jazz contemporains aiment à developper les standards renommés en focalisant leur intérêt sur le "groove" rythmique et sur des mesures de tempo et métrique qui diffèrent de ceux adoptés à l'origine par les compositeurs (ou ceux habituellement choisis par les jazzmen et arrangeurs).

Par exemple, ils intègrent un feeling bossa-nova latin à une chanson qui serait habituellement interprétée comme une balade à tempo modéré ou encore peut-être de prendre un standard au tempo rapide et accentué pour l'interpréter dans ses nuances harmoniques comme une balade lente et expressive. Les possibilités ne manquent pas dans notre culture musicale, explorez-la!!

Le thème de Jerome Kern "all th things you are" ou encore "Django" ont été interprété de toutes les manières imaginables sur une guitare comme pour d'autres instruments. Vous pouvez aussi convertir une pièce dans une autre métrique ou tempo. Les conversions les plus usuelles sont celles de changer du 3/4 pour du 4/4 ou vice-versa. L'exemple 12a présente un arrangement en 4/4 de métrique qui est converti dans l'exemple 12b en 3/4 de métrique. Observez que les hauteurs de notes n'ont pas été transformées, il s'agit ici d'avoir ajuster les séquences rythmiques de la mélodie à la nouvelle métrique en 3/4. 

Example-12a b-Fingerstyle-Jazz-Essentials

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  time signature       

 

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11 juillet 2013 4 11 /07 /juillet /2013 12:33

Que l'on soit un novice dans l'exploration du jeu "Lead" sur un instrument comme la guitare ou un jammer saisonnier, cet article va vous suggerer de nouvelles idées quand il s'agit de prendre un solo dans une formation.

Utiliser les "glissés/slide", les coulés ascendants (hammer-on) et descendants(pulling-of) pour minimiser les attaques de la main droite

Par l'utilisation de ces techniques dites de "legato", vous allez pouvoir jouez plus de notes sans devoir attaquer chacune de celles-ci avec la main droite soit au plectre ou en "fingerpicking". Plus les tempos vont s'accélérer, plus vous trouverez ces techniques utiles dans votre jeu mélodique. 

L'exemple ci-dessous est un pattern (lick) dans la tonalité de Sol(G) et qui exprime et suggère ces techniques.

Minimize-Strokes-Ex12.jpg

Utiliser un "hammer-on" (coulé ascendant) pour le mouvement C-C dièse, attaquer en buté le D et le G, ensuite un pulling-of (coulé descendant) du F vers le D, "glissé" du C dièse vers C, attaquer le B bémol en buté pour ensuite faire un "hammer-on" vers le C et pour finir en buté sur G avec le pouce. Nous avons 11 notes pour 7 attaques soit en buté ou au plectre. Ces techniques aident non seulement pour développer la vélocité, mais elles permettent de créer un son plus limpide tout en "legato"(liaison). Quand on attaque chaque note d'un thème, le jeu mélodique devient plus haché et percussif. Mélanger avec soin ces techniques dans vos improvisations et vos thèmes tout comme vos riffs; cela rendra votre jeu guitaristique plus dynamique et intéressant.

The Fiddle tune "Black mountain Rag" sur la guitare

Doc Watson a appris cette mélodie par le biais d'un violoniste du nom de Leslie Keith, qui interprétait ce morçeau dans la tonalité de A avec un accordage en cross-tuning de A-E-A-C"( souvent appelé black mountain rag tuning par des fiddlers). Watson transforma et arrangea cette unique pièce pour violon en une unique pièce également pour guitare acoustique ou électrique. Quand un violoniste la joue, l'humeur et le climat sont autres malgré tout. Les cordes ouvertes en faux-bourdon du violon donnent un son particulier archaïque à cette mélodie. Plutôt que de chercher à imiter cette qualité sonore, ce qui aurait prouvé l'infériorité de la guitare pour évoquer pareil climat musical, Doc Watson l'a transposé dans la tonalité de Do(C), mettant le capo à la 2ème case en ré (D) et retravaillant ce thème dans un génial étalage de virtuosité technique. Chaque note en flatpicking ressort dans une unique version, mais redevable à Doc Watson dans son expression. Les huit premières mesures d'un arrangement en Do(C) sont présentées ci-dessous. Travaillez l'expressivité et le groove une fois que la mélodie vous ait suffisamment familière entre vos doigts, il est important de trouver l'équilibre entre vélocité, efficacité et expressivité dans toute forme de jeu "Lead". 

Black-Mountain-Excerpt

Utilisation du principe de question-réponse dans vos phrasés en solo

L'un des fondements de base du jeu "lead" en blues tout comme en jazz voir en rock est ce que l'on nomme comme "le question-réponse (call and response). Cette idée de phrasé mélodique peut prendre des formes variées, deux de ces formes familiaires consistent dans la manière dont un guitariste ou un harpiste fait répondre à un pattern mélodique, un "lick" instrumental harmonique ou encore la manière dont un pianiste ou un section de cuivres répondent à un soliste par des plans en forme de riffs. 

Il est possible également de créer des moments musicaux en "question-réponse dans vos improvisations comme vos compositions solos. Dans l'exemple 7a ci-dessous le plan dans la mesure 1 est répondu après une pause par un phrasé descendant dans la mesure 3. Observez le choix des notes pour ces "motifs"(des notes de structure d'accords). L'exemple 7b consiste dans le même type de phrasé mais avec différents patterns mélodiques. Expérimentez vos propres idées de plans sur différentes progressions d'accords soit blues, jazz ou rock  comme des II-V-I ou IV-V-I, ceci afin de développer votre propre personnalité musicale; donc être créatif et original!.

Call-and-Response-Ex7a_b.jpg

Construire des patterns sur des diagrammes d'accords familiers

Quand on improvise, il faut être capable de tracer le contour harmonique d'un morçeau ou une chanson par des lignes mélodiques. Il est utile de commencer le travail d'improvisation sur une progression harmonique en créant des motifs ou "licks" sur des notes qui se trouvent la plupart du temps dans les diagrammes ou "voicings" d'accords familiers comme celui de Cm7 montré dans l'exemple1 ci-dessous. 

Garder ce diagramme à l'esprit quand vous vous attaquerez aux exemples 2 et 3 qui illustrent l'arpège de Cm7 et la gamme d'accord du second degré de mode dorien en Bb majeur(II-Cm7). Essayez de représenter mentalement ces exemples quand vous chercherez à remplir l'espace harmonique et sonore de cet accord mineur (Cm7) et observez que chaque note de la structure harmonique originelle est représentée dans les diagrammes. Soyez patient et constant, enregistrez de courtes séquences harmoniques sur un boss ou yamaha et pratiquez vos propres idées mélodiques par dessus. A vous de jouer !

Chord-Shapes-ex1_3.jpg

Improvisez sur un thème ou un standard

Pour commencer la pratique de l'improvisation, nous avons besoin d'une mélodie que tout le monde connaisse et ait en tête. Essayons celle d'un hit de blues fort connu, celui de "Mary and her little lamb" et plaçons un rythme shuffle de Jimmy Reed par derrière afin de déplacer ce travail scolaire vers un feeling de night-club local et d'avoir quelque chose sur quoi travailler. Cf L'exemple1

Revisez le thème mélodique plusieurs fois jusqu'à le jouer de mémoire. Travaillez-le à de multiples positions sur votre touche (cf exemples 2a-2c). Habituellement quand des musiciens cherchent à improviser sur une mélodie, ils pensent en premier lieu" je dois faire une variation sur les notes du thème". Toutefois penser à ceci "la musique est construite sur trois éléments de base-mélodie, rythme et l'harmonie". Tous ces éléments sont à prendre en compte pour l'improvisation et pas seulement la mélodie. 

  Improvising-on-a-Melody-ex1-2c-Acoustic-Blues-Guitar-Basics.jpg

Jouez des mélodies pour violon comme "Arkansas traveler"

Apprendre des mélodies pour flûte ou violon est un bon moyen de développer une accuité mélodique sur la guitare. Cette mémorable mélodie du folklore US a éte enregistrée la première fois en 1922 par un "fiddler" violoniste du nom de Eck Robertson et elle a été utilisée voir arrangée de nombreuses fois par des compo-

siteurs et guitaristes comme notamment par un musicien de country nommé Clarence White. Il fut un pionnier de la technique du "Flatpicking" en acoustique et il enregistra Arkansas traveler en 1962 pour la petite histoire. Norman Blake un autre guitariste renommé en acoustique l'enregistra en 1976 sur un album de référence "Whiskey before breakfeast". Habituellement interpréter en tonalité de ré (D), "Arkansas Traveler" comme d'autres thèmes connus, peut se jouer sur une guitare dans une position de gamme de C mais avec un capodastre en 2ème case ou encore en D sans capo.

Dans l'extrait de huit mesures ci-dessous, la mélodie est arrangée en C avec un capo en II position. Observez un développement en arpèges sur la partie A de la mélodie de base. C'est un exercice intéressant que vous pouvez mettre en pratique dans vos solos et improvisations; Pouvoir et savoir développer une mélodie sous d'autres formes. 

Arkansas-Traveler-Excerpt

Utiliser des diagrammes d'accords pour créer des riffs

Beaucoup parmi les riffs et licks les plus efficaces d'artistes comme Led Zeppelin, Neil Young, les Rolling Stones voir même les Beatles sont construits à partir d'éléments d'accords de base. Il n'est pas superflu de pouvoir utiliser les mêmes principes pour créer vos propres riffs et licks de vos compositions et solos. Quand on apprend et analyse en premier abord une triade comme celle de Ré (D)ou de La (A), on ne peut voir tout le potentiel qui se cache derrière un diagramme à trois doigts, mais de nombreux riffs et plans de solos fort connus se sont greffés à partir de ces voicings basiques. Les Beatles avec "Norwegian Wood" et "here comme the sun", Cat Stevens avec "the wind" et "Moonlight Shadow" ou encore Led Zeppelin avec "Thank You" tout comme Renaud avec "Morgane de toi" ont créés des lignes instantanément reconnaissables à partir de l'accord de Ré (D)en deuxième position. L'exemple1 vous présente cet accord parfait majeur triadique en deuxième position, et ensuite nous allons explorer différents développements harmoniques de cet accord en accords d'ornement et d'enrichissement en modifiant un seul doigt du diagramme originel triadique. Ces accords sont identifiables à leurs structures comme Dsus2 et Dsus4 et D6 en deux positions différentes, ou encore D/F" un premier renversement ou encore un Dadd2/6 en même temps sur le voicing, un DM7 en 3ème renversement et pour finir un accord complexe de Dadd4 avec une 6 en basse. Essayer de rendre ces voicings familiers dans votre jeu au quotidien sur votre instrument afin de pouvoir développer votre jeu en "chord-melody". 

Et par-dessus tout de pouvoir développer harmoniquement une mélodie dans vos solos et compositions comme l'expose les exemples 2 et 3. Ceux-ci sont conçus de manière simple et méthodique afin de pouvoir compren- dre plus facilement ce processus créatif d'harmonisation d'une séquence mélodique. Il existe d'autres procédés pour arriver à ce résultat comme le fit Wes Montgomery ou John Coltrane ou encore Ralph Towner qui sont passés maître dans cet art de l'improvisation en riffs harmoniques. 

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manche de guitare

 

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4 juillet 2013 4 04 /07 /juillet /2013 14:20

Cecil Sharp fut un anglais qui s'installa dans le midwest au USA au début du 20 siècle à la recherche d'anciennes chansons populaires anglaises répertoriées oralement dans le sud de la région des appalaches par des familles d'immigrés. Il trouva par sa recherche 18 versions de la chanson traditionnelle "Fair and tender ladies". 

On peut en trouver des idées d'arrangement instrumentaux voir d'accompagnement pour la guitare en écoutant certaines versions enregistrées dont celle en "finger picking" d'un banjoiste du Kentucky nommé "Banjo Bill Cornett". 

Il fut un fabuleux chanteur et compositeur de son temps dans la manière de combiner le banjo et la voix.

Vous pouvez utilisez son idée d'arrangement basique pour le banjo dont le propos fut de mettre en relief la partie vocale pour la transposer sur la guitare en "open tuning" celtique modal (D-G-D-G-A-D).

Pour le travail technique, il est intéressant d'utiliser l'index et le majeur en buté pour la mélodie sur les cordes aigües et le pouce pour les cordes médianes. Le pouce se devant d'interpréter les basses également bien sûr.

Vous pouvez définir un plan rythmique "oom pah" en noires, le pouce attaquant sur "oom" et le majeur sur "pah". Il vous est possible de rajouter quelques effets de jeu banjo "pulling of" avec le petit doigt de la main gauche. Ces ornements doivent se situer entre le "oom" et le "pah". 

Vous pouvez aussi ajouter un effet rythmique de roulement en quatre battements avec une attaque du pouce en basse sur le "downbeat" suivit d'un "pulling of" sur les cordes aigûes avec les doigts. Le troisième balayage est un mouvement descendant avec le majeur et l'index sur plusieurs cordes aigûes simultanées. Le quatrième balayage se produit en mouvement ascendant avec l'index avec un effet 'brush". Les premières onze mesures d'un arrangement sont présentées ci-dessous. Bon travail soyez créatif !!

Fair-Tender-Excerpt.jpg

 

manche de guitare

fair-and-tender-ladies-tab.gif

 

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4 juillet 2013 4 04 /07 /juillet /2013 13:30

La séparation des parties d'une pièce instrumentale se conçoit assez facilement sur un instrument comme le piano parce que chaque main est libre de fonctionner indépendamment de l'autre dans la composition comme dans la performance. Mais c'est une toute autre histoire dans la pratique de ces techniques de jeu sur la guitare où chaque main doit constamment travailler en tandem donc en synchronisation avec en plus un maximum de six notes qui peuvent sonner à chaque moment musical. Comme vous allez le constater dans les prochains exemples, des guitaristes comme Lenny Breau ou Tal Farlow ont répondu à ce challenge en plaçant leurs thèmes mélodiques au-dessus d'une structure compacte harmonique en "guide tone voicings". 

Les couleurs indiquent les degrés des accords de 7ème; la fondamentale en blanc, la tierce en bleu, la 7ème en violet.

L'exemple 1 ci-dessous nous montre une gamme diatonique de Do(C) au-dessus d'une cadence harmonique en II-V-I dans la tonalité de Do (C). Les accords de Dm7 et de G7 n'ont pas de fondamentale, mais la force des guide tones dans le voicing rend le mouvement harmonique intact.

L'exemple2 progresse également sur une cadence jazz en II-V-I toujours en Do mais en utilisant pour cet arrangement des diagrammes de "guide tones" plus haut sur le manche (en 8ème et 10ème position) et en y ajoutant les fondamentales sur le premier temps de chaque mesure. L'astuce comme la finalité dans ces deux exemples est de garder les "voicings" des "guide-tones" en suspension de durée pendant que l'on interprète les lignes mélodiques par-dessus. N'hésitez pas à expérimenter différents doigtés sur ces diagrammes d'accords afin qu'ils soient le plus confortable possible pour vous et pour l'exécution en flux continu de ces plans jazzy. 

Expérimentez d'autres enchaînements harmoniques dans d'autres tonalités que celle de Do(C) ceci afin de rendre vos improvisations et vos accompagnements plus riches de créativité et de compétence. Bon courage!

EmulatePiano

Une progression en tonalité de Do ; II-V-I utisant des guide tones atypiques, mais intéressants.

Un exemple stylistique de l'utilisation des "guide-tones" de Tal Farlow guitariste et compositeur be-bop avec trois voicings Ma7.m7 et 7.

Pour conclure une harmo-mélodie sur un II-V-I en Do(C). Il serait utile et intéressant de travailler à transposer ce plan dans d'autres tonalités. 

manche de guitare

 

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22 juin 2013 6 22 /06 /juin /2013 10:39

Lorsque vous avez la certitude d'avoir capturé un son adéquat, vous êtes prêt pour l'enregistrer. Il y a plusieurs manières d'aborder l'enregistrement proprement dit, ceci en fonction du type de musique. Si vous êtes en "overdubbing'(superposition de pistes) ou en "click track"(jouer sur une piste en fonction), il vous faudra un casque ou des "headphones"(oeillères audio). Expérimenter avec différents niveaux sonores jusqu'à ce que vous vous sentiez confortable et que vous pouvez entendre le"click" ou les pistes que vous êtes en train d"overdubbing" ainsi que votre guitare ou votre basse si vous êtes multi-instrumentiste. Assurez-vous que vos écouteurs ne sont pas trop forts afin qu'ils ne débordent pas sur l'enregistrement par du feeback ou d'autres bruits parasites sur les microphones. Tout musicien et compositeur voudrait pouvoir enregistrer un morçeau en une seule prise, cependant la plupart des enregistrements incluent plusieurs essais dont certaines parties sont souvent combinées et modifiées pour corriger des erreurs.

Cela permet d'avoir une ou des stratégies pour faciliter l'édition. Voici quelques approches!!

Sauvegarder et essayer à nouveau:

si vous ne jouez pas en synchronisation avec les autres instruments. Une manière de gérer les erreurs est d'arrêter l'enregistrement, de sauvegarder les mesures satisfaisantes et de continuer l'enregistrement. Une fois que vous êtes arrivé à la fin du morçeau, vous pouvez utiliser votre programme d'édition musicale pour supprimer les sections inadéquates ou insatisfaisantes. La plupart des programmes actuels d'édition peuvent automatiquement "crossfade"(fondre) les bonnes parties, créant un joint transparent que personne ne remarquera. Cela prend du temps pour apprendre à éditer convenablement-car chaque programme d'édition est différent-mais le processus devient plus facile avec la pratique et l'expérience que l'on acquiert. Avec cette approche vous devez être capable d'arrêter et de reprendre l'enregistrement avec le même volume comme le même tempo et feeling. Et essayer d'éviter de changer ou de déplacer votre position par rapport aux micros d'enregistrement, car même une légère différence peut créer des signes révelateurs au point de montage et d'édition. 

Composer et mixer avec de multiples prises: une autre approche consiste à enregistrer la totalité du morçeau plusieurs fois et de monter ensemble les meilleures sections de chaque performance. Avec cette approche vous pouvez continuer d'interpréter votre performance même s'il y a des erreurs. Une fois votre prise finie, enregistrer à nouveau sur une nouvelle piste, repéter vos prises jusqu'à ce que vous pensez avoir enregistrer chaque section de manière correcte quelque part dans au moins une prise. 

Différents programmes d'édition permettent ce processus dans une variété de possibilités et de façons. Presque tous ces programmes vont vous permettre de couper des sections de prises et coller celles-ci dans une section de montage. Certains de ces "softwares" ont des fonctions plus sophistiquées comme celles vous permettant de sélectionner des sections de prises et d'automatiquement les réunir dans une seule performance audio. 

Il faut du temps et de l'expérience pour trouver le juste équilibre entre la fixation obsessionnelle pour des détails dans l'édition et de laisser de petits inconvenients passer. Si vous trouvez utile à passer du temps à faire beaucoup de montages pour arriver à un enregistrement acceptable, vous devriez plutôt passer du temps à pratiquer votre composition ou votre morçeau, ce temps sera plus utile que de le dépenser à enregistrer trop de prises pour rien. La beauté du "home recording" est que vous n'êtes pas une "horloge" donc il vous est possible de faire autant de prises que vous voulez sans en payer les frais en studio professionnel ou prendre une pause s'il le faut pour reprendre ce travail un autre jour quand votre humeur et feeling seront au rendez-vous!!! bon plaisir. Comme programme d'édition, essayez le cubase pro 4 ou music creator 3!!

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