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1 février 2013 5 01 /02 /février /2013 15:08

Cet article concerne plus précisément la main gauche (fretting hand). L'exercice présenté ici est conçu pour développer la coordination; son propos étant de faire en sorte que les deux mains travaillent avec justesse ensemble. Les quatre premières mesures de cet exercice requièrent l'utilisation de l'index de la main gauche. 

il est important d'être en "pointe", d'utiliser le bout du doigt pour appuyer sur la première touche et d'attaquer chaque note et chaque corde par un mouvement descendant tout en gardant un tempo stable (utiliser un métronome pour vous aider). 

Après chaque "downstroke" (attaque en butée à la main droite) soulevez votre doigt complètement sans vous éloignez des cordes pour appuyer à nouveau sur la touche et la corde en question pour la note suivante. 

On aime à nommer cet exercice "finger walking" (marche du doigt) par le fait que l'index "walk", il fait une progression régulière de la corde grave de E vers la corde aigue de E pour revenir en retour sur la Mi grave.

Pour les quatre mesures suivantes, il faudra utiliser le deuxième doigt (majeur) pour exécuter le même mouvement régulier ascendant et descendant (walk) sur la deuxième case de la touche. Sur les mesures 9 à 16 garder votre main gauche dans la même position, mais utiliser l'annulaire et le petit doigt pour les notes sur les cases 3 et 4. Comme il est dit précédemment il faudra veiller à être continuellement en "pointe" avec le bout des doigts et conserver un tempo stable et régulier, dans ce but utiliser un métronome ou n'hésitez à battre du pied pour vous aider à maintenir un rythme régulier d'un bout à l'autre de l'exercice, tout en variant les tempos au fur à mesure de son accomplissement. C'est un exercice simple mais utile à tout débutant guitariste voir bassiste ou encore mandoliste. Pour rendre l'exercice plus ardu, Il y a des variantes comme celles par exemple; de changer les valeurs rythmiques à chaque passage, commencer en noires, puis en croches et ensuite en triolets de croches pour finir en doubles-croches et vous pouvez également faire un travail inverse ou en retour en arrière par rythme cumulé. Vous pouvez varier les motifs par des sauts entre les cordes, vous pouvez aussi montez avec l'index, descendre avec le majeur, remonter avec l'annulaire et redescendre avec l'auriculaire, etc. et travailler avec des nuances et des articulations comme des coulés et pizzicatos. Soyez imaginatifs et constants. 

Develop-Accuracy-EXCERPT.jpg

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1 février 2013 5 01 /02 /février /2013 13:52

Les "guide tones" en terme de théorie d'harmonie sont des accords dit "de septième ou de sixte" réduis à leurs notes basiques sans la quinte; nous avons donc la fondamentale, la tierce (majeur ou mineure), la septième (majeur, mineur et diminué) ou la sixte (majeur et mineur) pour un accord de sixte. Ce sont des accords d'accompagnement que l'on utilise fréquemment dans de multiples genres et styles de musique comme le blues, le jazz et la bossa nova notamment. 

Ces accords ont été popularisés au départ par des musiciens de la "swing era" tels que les guitaristes Freddie Green, Grant Green et Jim Hall ou encore le pianiste Red Garland. Theolonius Monk a utilisé ces "guide tone voicings" pour notifier et accompagner ses excursions improvisées de pianiste solo pendant sa période féconde be-bop.  

Le phénoménal guitariste bebop Tad Farlow a même utilisé ces accords comme structure de base à ces flamboyants solos de guitare. Pour continuer et dans un but de clarification et d'identification en notation, nous allons appelés les "guide tones" ayant la fondamentale sur la sixième corde (E) "root 6 chords" et ceux avec la fondamentale sur la 5ème corde (A) "root5 chords". 

L'exemple 1 illustre des root6 chords et root5 chords pour des "guide tones" de Maj7 et Min7. 

Remarquez comment les "guide tones" inversent leur structure lorsque, il y a des changements de corde. Ce fait est dépendant d'ou se trouve la fondamentale en fonction de la corde. Comme exemple pour le root5 chord, on place la tierce sur la corde de ré (D)(4 corde) et la 7 ème sur la corde de Sol (G)(3ème corde). Alors que pour un root6 chord, on place ces notes dans le sens contraire. Ce qui est dès plus intéressant avec ces "guide tones" c'est le fait qu'ils soient mobiles et transposables, par conséquent il est important de se familiariser avec les diagrammes présentés dans les exercices 2a et 2b. Exercez-vous à produire des cadences II-V-I et anatoles dans différentes tonalités avec ces schémas de notes afin de pouvoir gérer plus facilement des fills-in, des licks, des grooves et des accompagnements jazzy dans des jams et gigs. Bon courage et bon plaisir surtoût! 

 

Guide-Tone-Voicing-Examples.jpg

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Voici deux exemples de plan d'accompagnement utilisant des guides tones et des lignes de basse en "walking bass". En combinant ces éléments simples, on obtient des motifs jazzy pour le moins complexes. A vous de jouer et bon plaisir!

walking-blues-tones.gif

walkbass wt guide tone

 

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17 janvier 2013 4 17 /01 /janvier /2013 07:08

La célèbre mélodie de"Deck of the Halls" est tirée du répertoire d'un Carol gallois de la Saint Sylvestre nommé "Nos Galan" datant du XVIII siècle. Bien que certaines des paroles en anglais peuvent sembler curieuses -"Troll the ancient Yuletide carol" qui peut se traduire par"vient à l'esprit"-, cette chanson est parfaitement adaptée pour être arrangée dans une fonction instrumentale pour guitare soliste ( soit dit en passant, "Troll" signifie chanter haut et fort). 

L'arrangement instrumentale pour guitare solo dont une partie est analysée ici, est établit dans un accordage standard dans la tonalité de Mi majeur. La forme de cet arrangement est un court et agréable "AABA" dont chaque section est longue de seulement 4 mesures. 

Dans cet extrait ci-dessous (l'ouverture "AAB" du premier passage de la chanson), la mélodie est arrangée contre les cordes à vides de E et de B en notes "bourdon", ce qui crée un climat sonore très celtique. Laissez la mélodie et les notes "bourdon" sonner et durer à leur pleines valeurs rythmiques. Les développements harmoniques sur les accords de E, de B de C dièse mineur comme de Fdièse 7 de dominante sont intéressants car ils harmonisent le thème mélodique sans étouffer son potentiel thématique. 

Deck-the-Halls-8BARS.jpg

nos-galan.jpg deck-the-halls-logo.jpg

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11 janvier 2013 5 11 /01 /janvier /2013 08:32

Cette pièce "Guardame Los Vacas" (gardez les vaches!) provient d'une collection de pièces de musique polyphonique intitulé "Los seys libros del Delphin" écrite par le compositeur et vihueliste hispanique Luis de Narvaez (1500-c.1560). "Guardame los Vacas" est une des premières publications et modèles connus du genre musical "thème et variations". Luis de Narvaez est aussi connu pour avoir été le premier compositeur a adapté le style italien du luth à d'autres instruments à cordes. Ce genre fort estimé des compositeurs (thème et variations)se construit autour d'un thème mélodique rythmique central ou sur une progression harmonique de base et Narvaez présente cette idée musicale sous de multiples variantes suivant des méthodes originales. Les huit premières mesures d'un arrangement instrumental classique sont proposées ci-dessous. Cette pièce fait partie du volume 6 de la collection "Los sey libros", elle se construit autour d'un ostinato harmonique et non par d'un thème mélodique comme on peut le constater dans l'extrait ci-dessous.

Narvaez a donc développé sept manières différentes de construire et de composer des variations autour d' idées contrapuntiques et aussi plus modernes en arpèges sur une grille harmonique répétitive. 

Guardame-8-BARS.jpg

Ci-dessous est une page originale en tablature de la Renaissance d'une des variations de Guardame los Vacas.

narvaez_guardame_las_vacas.gifUne version plus complète est présentée ci-dessous ici en notation moderne avec plusieurs des variations. 

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9 janvier 2013 3 09 /01 /janvier /2013 09:20

Cet accordage alternatif appelé "Drop D tuning" parfois par certains musiciens anglo-saxons est populaire dans la technique guitaristique du basse alternée parce que les trois cordes de basse font partie de l'accord parfait majeur de ré, la fondamentale et la quinte. 

Cela vous permet d'interpréter des mélodies de notes seules sur les cordes aigües, sans vous soucier de savoir où sont et quelles notes de basse à situer harmoniquement. Il s'agit avant tout d'une fréquence rythmique constante sur des noires en alternance voir l'exercice 7. 

Ci-dessous, un de mes instrumentaux favoris de Jorma Kaukonen l'ex-guitariste du jefferson airplane et membre de hot tuna, c'est à dire "Embryonic Journey". Il  le joue dans la tonalité de ré avec cet accordage en Drop D tuning. Pour la construction de la pièce, il utilise comme point central une cadence plagale D-G en 7ème position avec des coulés ascendants (hammer-on) comme indiqué dans l'exercice 8. C'est ce qui rend cette pièce assez difficile à travailler, mais cela reste certes un modèle du genre. Cette pièce instrumentale fut le premier morçeau de fingerpicking intégré sur un disque de rock dans les sixties, le "surréalistic pillow" sorti en 1967 du Jefferson Airplane, le groupe de rock de San Francisco en Californie. 

 

 Drop-D-Alt-Bass-EXAMPLES-7-8.jpg

Ci-dessous voici en plus quelques mesures d'Embryonic Journey" composé par Jorma Kaukonen). Il s'agit du thème principal en Ré sur deux accords. L'arrangement de fingerpicking est en "basse alternée" plus proche du ragtime dans l'esprit, mais moins dans la sonorité bien sûr. 

La grande difficulté technique pour cet instrumental reste dans l'exécution des "hammer-on"(coulés) en 7ème position, ce qui est plus hardu que l'on pense à première vue. Pour palier à cette difficulté, il peut s'avérer utile et surtout nécessaire de conserver une pression régulière de l'index en demi-barré sur la 7ème touche tout en produisant les coulés sur deux cordes et sur une corde parfois bien sûr. Il est recomandé pour accéder à bonne maîtrise de cette technique, de faire des exercices d'endurance sur cette position afin d'arriver à produire un son propre et précis. Pratiquez en "micropracticing" cette pièce, tout comme les doigtés, ainsi que la ligne de basse et mélodique, l'interpétation en sera que plus facile par la suite. Soignez également les glissandos en double stops à la 3ème mesure et 7ème mesure de l'extrait ci-dessous. 

embryonic-journey-tab-copie-2.jpeg

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 jefferson-airplane.jpg

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9 janvier 2013 3 09 /01 /janvier /2013 08:16

Alors que la plupart des chansons de Noêl que nous considérons aujourd'hui comme des standards ont été composés dans le dernier demi-siècle, "the Holly and the Ivy est un classique durable du repertoire celtique qui date de plusieurs sièclesm mais d'origine inconnue . Sa belle mélodie succinte mais expressive en fait l'un des favoris saisonniers (noêl)pour les vocalistes voir même pour des instrumentalistes.

Dans l'extrait ci-desous d'un arrangement instrumental solo pour guitare, la mélodie (un simple thème de huit mesures) est indiquée et établie dans un mode doux et accessible. Avec une mélodie aussi élégante, il serait malvenu de changer et d'obscurcir quoi que ce soit. La version complète inclut plusieurs passages complémentaires par le biais de la mélodie; tels une brève introduction, un outro et de courts interludes harmoniques entre les tensions et les efforts de doigtés. Les techniques de composition comme celles-ci permettent aux arrangeurs d'ajouter une touche plus personnelle aux chansons et aux pièces mélodiques simples sans pour autant devenir trop répétitif et d'altérer la mélodie de base. 

The-Holly-and-the-Ivy-8-BARS

holyivycard  Holly And The Ivy 15a

 

Ci-dessous une version mélodique pour une mandoline voir un bouzouki irlandais accordé dans ce but.    

the_holly_and_the_ivy.png

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9 janvier 2013 3 09 /01 /janvier /2013 07:04

Ce morçeau de musique plutôt swing "the beaumont rag" composé à la base pour violon est l'un des favoris des jams de musiciens aux USA. Il a prit naissance dans le Texas de l'est près d'une ville nommée fort justement "Beaumont" qui a donné son nom à ce Rag. Mais son origine exacte demeure toutefois inconnue. Il a le plus souvent été enregistré par des musiciens "country" que par des ragtimers ou des musiciens de jazz. 

Enregistré pour la première fois en 1920 par le " Smith garage fiddle band" et par les "East texas serenaders" puis une dizaine d'années plus tard par les "Bob Wills Texas Playboys", il a été originellement écrit dans la tonalité de Fa majeur. Il est probable que la transposition dans la clé de Do a eu lieu quand Doc Watson le guitariste folk aveugle us a eu une prise sur celui-ci. 

Doc Watson a intégrer ce Rag à son répertoire quand il a commencé à tourner dans le circuit folk aux USA dans les années 1962 et son enregistrement live en 1964 avec Clarence White au festival de Newport à consolider cette aprroche d'une tonalité en Do majeur pour ce Beaumont rag à la guitare (on ajoute parfois un capodastre à la deuxième case). Mais certains tradition-nalistes purs et durs insistent encore à l'interpréter en Fa majeur. Si vous rencontrez de ces farceurs puristes, il vous suffit de placer un capodastre en 5ème position et jouez-le avec le sourire. D'autres musiciens ont plus tard transformés ce Rag de ces racines violonistes texanes pour le re-baptiser "Julius Finkbine’s Rag". Il apparaît de cette manière dans l'enregistrement live des "Kentucky Colonels" circulant à la fin des années 60 et au début des années 70.  Une performance incroyable de ce Rag peut être entendue sur le live des "Kentucky colonels, living in the past". Ici, cet arrangement ci-dessous, inclut de multiples effets d'ornementation typiquement dans le style country, soyez efficace dans votre interprétation autrement cela sonnera quelconque. Bon plaisir! 

Beaumont-Rag-10-bars.jpg

Pour conclure une version plus complexe de ce Rag en D. Travaillez-le avec patience mesure par mesure (micropracticing). Cet arrangement en finger picking demande autant de feeling que de virtuosité pour l'interpréter correctement, soignez les ornementations tels que les hammer on et pulling of. Travaillez d'abord la ligne de basse puis la rythmique et les accords et pour terminer l'arrangement complet avec les ornementations quand la mise en place est acquise. 

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9 janvier 2013 3 09 /01 /janvier /2013 05:27

Sur un manche de guitare, un même ton (note) peut être interprété sur plusieurs cordes en différentes positions , ce qui rend la lecture et la transcription souvent difficiles pour un guitariste débutant comme également l'apprentissage pour d'autres instruments à cordes comme la basse, la mandoline, le banjo. En accordage standard, à l'opposé de l'open-tuning, les cordes à vide sont désignées des graves aux aigües par E1, A1; D2,G2, B2; E3 (les chiffres indiquent des sauts d'octaves, donc E3 est deux octaves au-dessus de E1). Pour ces notes, vous aurez souvent le choix suivant les pièces de musique entre le fait de les jouer en corde à vide ou en note dite "frettée"( donc plaquée par un doigt sur la touche). 

open-strings.jpg

Observer l'exercice1 et on y pratique d'abord des notes sur cordes à vide et ensuite les mêmes mais en étant "frettées" cette fois-ci sur la corde adjacente plus basse que la corde à vide ( ce sont les mêmes repères que lorsque vous accordez votre guitare). De manière logique, il n' y a pas d'équivalent "fretté" à la corde E1 à vide. 

La décision de choisir une note à vide ou "frettée" est prise en fonction de plusieurs considé-rations souvent techniques plus qu'esthétiques,voir stylistiques. Une de celles-ci peut être tout simplement l'aspect pratique de facilité pour le doigté, cela répond à la question; est-ce facile à interpréter?

Une autre de ces considérations est celle du contrôle de la durée d'une note donc c'est un choix calculé ; donc rythmique. Est-ce que la note doit terminer avant que la suivante commence ou peuvent-elles se chevaucher ? Nous connaissons déjà la possibilité de contrôler cette durée avec la main droite et la main gauche par des effets de blindage, de blocage (muting) sur les cordes. Ainsi donc, observons comment ces deux considérations peuvent-elles être employées et affecter le choix d'un corde à vide ou "frettée' dans un phrasé mélodique. 

fretted-notes-vs.jpg

Le choix esthétique ou rythmique

Beaucoup de notes dans l'exercice2 sont interprétées en corde à vide par convénience, par esprit pratique; cela donne moins de travail et de tension à la main gauche et donc cela favorise la vélocité dans le jeu.  Pour la main droite; les notes tombent plus facilement et confortablement sous le doigté. 

En jouant complétement l'exercice2, on remarque que les cordes à vide sonnent pleinement et que cela donne un son plus plaisant, plus limpide. Toutefois, si la nature d'une pièce musicale demande à ce que des noires durent précisemment de manière rigoureuse, il faudra que la main droite stoppe la durée des notes par une technique dit d'étouffement/blocage"(muting) des doigts attaquant les cordes juste après l'attaque par pincement ou en buté. Suivant cette idée, interpréter l'exercice2 une deuxième fois plus lentement en s'employant à libérer les notes attaquées d'après leur valeur rythmique écrite pour ensuite bloquer les cordes à vide avec le doigt qui l'a attaquée pendant que l'on prépare la note suivante. Cela rend le passage beaucoup plus difficile. Bon travail pour la suite sur d'autres exemples et pièces  de musique.

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26 octobre 2012 5 26 /10 /octobre /2012 10:30

Julian Arcas né en Andalousie (1832-1882), fut certainement le plus important guitariste espagnol classique de son temps au XIXème siècle. Il fut un compositeur-interprète, mais il fut surtout connu pour avoir été le maître virtuose de Francisco Tarrega, qui l'entendit jouer en concert en 1860 dans la ville De la Planà.

L'amitié qui lia Julian Arcas au luthier et compatriote d'Almeria Antonio Torres fut à l'origine de la naissance d'un design de guitare classique nommée Torres, qui incarna un jalon important comme un bond considérable dans l'histoire de la lutherie de la guitare latine et sa qualité sonore. Ce fut Arcas qui après avoir été impressionné par les améliorations au niveau du volume et du timbre du design Torres, encouragea le concepteur à continuer à travailler dessus.

La production musicale d'Arcas comprenait des thèmes originaux, des arrangements et des mélodies inspirées du folklore andalou. Ayant grandit dans la région du Sud de l'Andalousie, dans le coeur même du style flamenco qui devenait de plus en plus populaire en ce temps là. De ce fait, il n'est pas étonnant que ce contexte culturel particulier ait influencé les compositions originales d'Arcas. Le très vivant et dynamique "Boléro" en 3/4 est représentatif des racines culturels ibériques de Julian Arcas. Les 4 première mesures de la pièce sont présentées ci-dessous. Le travail du jeu guitaristique combine des arpèges ascendantes en plan rythmique de doubles croches et croches, suivit de parties harmoniques en pincé Am et E7 un cliché traditionnel de flamenco. 

 

Bolero-Music-Excerpt.jpg

 

Les éléments rythmiques et techniques du style romantique espagnol comme les doigtés d'arpèges et l'alternance entre basses et accords, sont identifiables dans ces quatre mesures.  Observez bien les signes pour la main gauche et la main droite. La grille est en La mineur un autre aspect typique andalou comme la cadence I-V7-I. Mais nous n'avons pas ici des rythmiques en sextolets comme elles apparaissent dans le Boléro de Ravel, ce sont des compas(plans) rythmiques plus typiques du Fandango et de la Buléria. Bon courage!

 

bolero-Arcas.png

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Arcas-julian.JPG      arcas-1.jpg

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10 octobre 2012 3 10 /10 /octobre /2012 22:17

A partir de la troisième position et plus haut, il devient possible de combiner des notes frettées et à vide afin de produire des intervalles ascendants et descendants sur des plans de cordes non séquentiels.

Cette technique de jeu guitaristique est appellée "cross-strings" picking. A titre de comparaison, commencer par jouer la gamme mineure en Sol de l'exercice 3 à la troisième position qui utilise que des notes "frettées".

Ensuite travailler la même gamme mineure en Sol mais en "cross-strings" de l'exercice 4. Les dix premières notes de ce plan alternent en aller et retour de manière ascendante et descendante sur les cordes pour terminer seulement dans un mouvement descendant.

Le fait de comprendre et de visualiser la tablature est un bon moyen pour mémoriser la technique de "cross-strings" picking. Une fois que le Si bémol est joué sur la troisième corde, le reste des notes de la gamme progresse logiquement des cordes graves vers les aigûes, ceci à cause du fait que les notes B et E en tant que cordes à vide ne font pas partie de la gamme mineure de Sol , donc il n'est pas possible d'utiliser la technique de cross-strings dans ce passage du plan. Pour correspondre davantage à la texture "legato" de la technique "cross-strings", il est nécessaire d'utiliser les coulés (hammer et pulling-of) pour lier les notes de l'exercice 4. Soyez attentif aux doigtés en picada ( alternance index-majeur) et en pulgar(pouce) et picada (i et m) de l'exercice 4. 

Cross-String-EX3_4.jpg

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