Musicology and guitar styles

L'univers musical de la swing era s'est confiné à développer une richesse de styles et de tendances orchestrales, ceci étant du au fait de la mise en avant du métier d'arrangeur pendant cette époque difficile où il fallait se distinguer des autres et plaire à un grand public.

La tendance et le modèle dit "Hendersonien" 

Ce modèle d'arrangement sans contrepoint fut axé sur des orchestrations simples par un dialogue entre les sections "leads et de backup". Les arrangements furent puissants et dynamiques mais de facture assez simples, cohérents pour mettre en relief les mélodies thématiques de base; le chant lead. Aucune section instrumentale ne devait dominer l'autre, mais chacune devait participer à créer une osmose sonore équilibrée de timbres instrumentaux.  C'est le premier modèle de base homophonique d'arrangement d'orchestre de la swing era; les débuts de l'Hendersonisme.

La tendance et le modèle "Lunceford"

Une seule phrase peut résumer cette tendance d'arrangeur; the "rythm is our business". Ce modèle comme ce style orchestral s'est définit autour d'un travail important de la section rythmique pour créer une dimension "bounce swinguante" très syncopée. Les tempos furent souvent medium-lents en 2/4 ou 6/8, ce qu'on appela le tempo swing "lunceford". Le dialogue subtil entre chant et contre-chant des cuivres et des anches fut mis en avant par le talent des solistes, cet élément d'instrumentation fut la signature du modèle d'arrangement orchestral "Lunceford".

Le style et le modèle "Kansas city swing"

Cette ville a produit les archétypes du middle jazz en matière d'orchestration. Ce sont des modèles de formes ternaires AA'BA en anatole ou en forme blues. Les "head arrangement" vont se développer dans le cadre des orchestres de Kansas city. Ils consistèrent en des pièces non écrites où la spontanéité et l'inventivité furent proposées sur le tas par la complicité entre musiciens afin de développer et d'arranger la composition. Le propos fut de raconter une histoire pour créer un climat avec une introduction, un développement et une conclusion. Le "chase" entre solistes sera la signature de ces types d'arrangements également. Le modèle initiateur étant celui de Count Basie et de son style bluesy.

Le modèle Ellingtonien

Les arrangements de Duke Ellington représentèrent la quintessence du jazz "classique" avec ces climats "jungle et mood" tel le classique "mood indigo". Toute la richesse de la swing era créée par ses arrangeurs, vont se retrouver dans le modèle Ellingtonien, il fut le fruit de longues années exploratoires. Son orchestre né en 1923 existait toujours en 2012.

Ce style exprima la maturité harmonique et rythmique du swing par la fusion avec les formes classiques comme la suite et le concerto, ce qui engendra le concerto jazz tels les standards comme Echoes from Harlem ou the clarinet lament et les rythmes latinos tels que Moonlight fiesta et orientaux avec Caravan. Le" Growl", le soufflé-chanté qui exprime le grognement comme la "whawha" de la sourdine furent des éléments techniques innovateurs que les virtuoses tels que Cootie Williams ou Bubber Miley ont apporté aux arrangements et à la sonorité du big-band. Le modèle Ellingtonien a cherché à faire éclater les frontières du jazz classique expressioniste vers un jazz symphonique et esthétique.

Le style orchestral Count Basie(kansas city blues)

Après la mort du band leader Bennie Moten, Count Basie va créer avec certains musiciens de Moten, son big-band pour faire revivre l'esthétique du Kansas-city Stomp blues style à New-York. Le style de Basie fut l'un des plus caractéristiques de la swing era avec celui de Duke Ellington. Les mélodies furent simples, bluesy, swinguantes, dynamiques sans excès de finesse, de plus elles furent interprétées par des solistes virtuoses accomplits comme Lester Young, Dickie Wells et Buck Clayton. Son style orchestral le fera vite découvrir par John Hammond un "jazz aficionado" et il fera enregistrer son premier album en 1937 dans un studio autogéré par des noirs ne voulant pas être lésé par la mafia italienne qui possédait et gérait le music business.

Ses "head" arrangements furent axés sur le piano et sur une section rythmique incroyable constituée de Freddie Green à la guitare jazz, Walter Page à la contrebasse et Jo Jones aux drums. Eddie Durham et ses techniques d'arrangement vont aussi contribuer au style Basie et son succès sur 5O ans. April in Paris et "one'o clock jump" sont les standards renommés de Basie parmi d'autres. Count Basie et Eddie Durham le guitariste vont créer un style nouveau rythmiquement parlant. Freddie Green va permettre à la guitare rythmique grâce à son habilité et son efficacité toute en légèreté de devenir un instrument accomplit dans le jazz avec son style "pompe" sur des noires, comme le contrebassiste qui va innover avec ses "walking bass" lignes et encore le batteur Jones qui va intégrer des syncopes et des anticipations sur les temps forts et le "cha ba da" de la charleston. Tous ces éléments vont être la signature du style Basie stomp kansas city blues. Les enregistrements étaient souvent fait sur 78 tours mais en concert, les pièces duraient 15 minutes voir plus, son orchestre fut appelé la "machine à swing". Il accompagna de grands chanteurs et divas comme Frank Sinatra et Ella Fitzerald.

Ce qui caractérisa ces orchestres de la swing era fut  le fait que la musique y fut "arrangée" et non improvisée. Count Basie avait plus d'efficacité que les orchestres de Duke et autres maîtres du swing. Il faisait des variations du Blues style en utilisant la polymodalité, la polytonalité et la polyrythmie.

       Count basie orchestra                                                    Freddie Green

Certains orchestres ont utilisé 12 façons de faire du blues et de l'exprimer; de l"expressionisme en dissonances dans l'esprit "jungle" aux ballades romantiques, d'autres vont amalgamer toutes les tendances "latino" de la salsa à la bossa nova en passant par le meringue et le passodoble. Glenn Miller et son big-band vont représenter le jazz de variété de la musique américaine en Europe entre 30 et 45. Il décéda à la guerre 39-45 de façon énigmatique. Beaucoup de solistes blancs vont jouer dans son orchestre, il était un arrangeur et un chef d'orchestre hors pair, mais un soliste sans grand talent.

Il était exigeant et il a stylisé un jeu en "whawha de trombone et le jeu de la trompette avec des gimmicks. Les big-bands vont se mettre à disparaitre car ils étaient coûteux et beaucoup de musiciens vont partir à la grande guerre. Les grèves des professionnels des studio vont précipiter leurs fins.

John Kirby

Il va créer une tendance, un style en jazzifiant les morceaux classiques. Il se produira en sextet et dans des formations plus petites comme en quartet. Benny Goodman aimait également se produire en quartet et en trio ce qui le mettait plus en valeur comme soliste.

John Kirby va être le premier à créer des formations mixtes racialement parlant.  Il a engagé notamment Lionel Hampton et Charlie Christian qui fut le premier guitariste à jouer amplifié. Il associait le vibraphone et la clarinette. Les"pick-ups" bands furent à la mode dans les années 30. C'étaient des formations qui se réunissaient pour une séance d'enregistrement. Teddy Wilson va aussi se préter à ces petites formations.

Le pick-up band de Lionel Hampton enregistra "i am in the mood for swing". Ce morceau fut enregistré avec des musiciens de séance. Un morceau de Mozart jazzifié par John Kirby "Minute waltz" fut enregistré par un pick-up band également. 

       John Kirby contrebassiste

Le theâtre "Apollo" dans le quartier d'Harlem à New-York à été le seul lieu de spectacles bon marché de musique et dance où les noirs pouvaient être engagés. Ce furent des spectacles libres avec des concours de musiciens et de chanteurs ou chanteuses amateurs organisés par Ralph Cooper et dont le prix fut de pouvoir performer et d'enregistrer en studio avec des orchestres renommés du quartier et plus. C'est ainsi que Billie Holiday ayant à peine 15 ans à fait ses débuts dans le monde du Jazz. Beaucoup de musiciens célèbres comme Ella Fitzerald, Sarah Vaughan etc. ont passé par cet endroit avant de ce faire un nom dans le jazz business.

Billie Holiday fut une des plus admirées des chanteuses de Jazz. Elle connut une enfance qui plus est une jeunesse très difficile et instable, mais son désir de devenir une chanteuse eu raison de ses malheurs. Ses problèmes liés à l'héroine et l'alcool ont gaché sa carrière et sa voix. Le chant vocal qu'il soit jazz ou de variété fut à cette époque une question de timbre et d'émotion dans sa valeur plus que sur le texte ou aussi l'opposé certes dans certains cas.

Billie Holiday mélangeait les deux, elle avait le talent de pouvoir improviser mélodiquement sur des standards. Son génie était bien situé aux niveaux des textes, mais elle développait du feeling, de l'expressivité dans son interprétation des chansons malgré son peu d'éducation. Beaucoup de chanteuses de jazz ne s'occupait pas des textes, mais elles étaient des virtuoses dans l'art vocal. Elle avait du tempérament, ce qui était difficile dans ce monde d'hommes. John Hammond la découvrit et la fit travailler avec des orchestres très différents, mais beaucoup vont vouloir l'accompagner, ce qui va la rendre célèbre dans le monde entier, mais les problèmes raciaux vont lui donner des soucis. Billie Holiday et Lester Young se comprenaient très bien, il était mal adapté à la société, un marginal. On les considérait comme Roméo et Juliette. Elle rendait les textes suggestifs et charnels.

Billie Holiday travailla pendant toute sa carrière avec les plus grands maîtres du jazz, tels Louis Amstrong et Teddy Wilson tout comme Lester Young. Elle avait un rendu rythmique difficile, très peu de notes sur les temps. Elle demeura une Diva du jazz qui reçu beaucoup de récompenses à titre postume.

Body and Soul

Ce fut l'une des plus belles improvisations du jazz au saxophone alto par Coleman Hawkins en 1939 sur deux chorus qui prennent toute la plage du disque. Beaucoup de grands musiciens vont enregistrer ce standard dont  Billie Holiday, Frank Sinatra, Ella Fitzegald. On lui demandait souvent de jouer ce morceau de musique, mais Coleman Hawkins était un créatif qui aimait l'improvisation et il ne pouvait que jouer qu'une partie de son solo et la coda finale. Il va encourager de nouveaux musiciens comme Monk et Charlie Parker dans un courant innovateur le Be-bop. Il fera même du free-jazz en 1960.

On peut constater trois tendances qui se formèrent dans le jazz du aux musiciens blancs.

La tendance "classic sound"

Bix Beiderbecke fut dans la première de ces tendances de jazz "blanc". Il était cornettiste, un musicien romantique mais une victime de ces vices qui décimèrent le jazz; tels l'alcool, la drogue, les voyages incessants. Il se démarquait des autres cornets tous influencés par Louis Amstrong, Il ne jouait pas en violence et en puissance, mais en finesse et en douceur de climat. Il fut un duo de solistes réputés avec Franky Trumbauer un spécialiste du sax tenor en ut aujourd'hui disparu, ils furent aussi de grands amis qui ont créé un son, une tendance musicale dans le jazz. Ce saxophoniste musicien de route va influencé plus tard Lester Young qui influencera lui aussi Charlie Parker. Ils ont eu la chance de pouvoir enregistrer des standards et des albums pendant les années 20-30, leurs enregistrements furent commerciaux. "Swinging the blues" dans ce titre, Trumbauer introduit et expose le thème, Beiderbecke lui se charge du travail d'improvisation. La guitare fut dans cet album présente, ce qui fut en soit une originalité surtout une nouveauté, car le banjo a été abandonné dans les orchestres de jazz comme instrument rythmique.

Le style de "Chicago"

Une deuxième tendance de ce jazz "blanc" fut le style chicago(chicagoons). Il se définit comme une forme de dixieland évolué, le thème était joué collectivement avec des solos qui se suivaient pour finir sur une improvisation collective. Le jazz de cette époque était soit maudit, donc marginalisé ou soit commercialement romantique. Le musicien de jazz ne vivait pas vieux, ils étaient souvent sujets à l'alcoolisme ou des héroinomanes, donc ils mourraient jeunes de ces substituts à leurs problèmes. Comme le monde musical était dirigé par des gangsters, ils possédaient les maisons de disques, les studios et surtout les boîtes de nuit, certains musiciens disaient qu'ils valaient mieux mourir de la drogue ou de l'alcool que d'une balle d'Al Capone et ses sbires.

La basse et la guitare ont prit le relai du tuba et du banjo, le saxophone devient un instrument soliste central du style de chicago. Ce style fut marqué par la proéminence des solos individuels de musiciens qui se firent des duels sur scène. Ce style fut influencé par le romantisme du XIXème siècle. Gene Krupa et Milton Messrow furent des figures types du mode de vie et du style chicago dans le jazz "blanc", un jeu énergique et flamboyant de batteur et d'improvisateur pour Krupa, et un style électique et raffiné au saxophone pour Messrow, mais il furent aussi reconnus comme des fumeurs et dealers de "pot".

Les musiciens de Chicago ne vivaient que pour le jazz et pour vivre intensement l'existence, le présent sans référence au passé et au futur. Ce furent des rebelles et des gens de mauvaise réputation, ainsi donc une image de mauvais garçons.

Le style de New-York

Les musiciens de New-York vont chercher un peu partout de nouvelles idées et influences culturelles. Red Nichols qui était compositeur, arrangeur et cornettiste fut le type même de ce style très varié et diversifié, il a enregistré quelques 4000 titres pendant sa courte carrière. Il avait une grande sureté instrumentale dans ses improvisations. Comme il était un bon lecteur et un bon soliste, il en profita pour travailler en studio. Il jouait pour plusieurs compagnies et maisons de disques, car à cette époque il fallait beaucoup enregistrer pour s"en sortir. Il ne touchait pas de royalties et de droit d'auteur sur son travail de compositeur.

Il va former un quintet expérimental "The five pennies" afin de développer son propre style "jazzy" par des formules expérimentales d'arrangement et d'orchestration, comme notamment des timbales pour les bases rythmiques. Il va s'associer à un tromboniste (Mole) pour se démarquer du style de la Nouvelle Orléans. Il utilisait peu de glissandos, mais de grands intervalles. comme des quartes et des quintes, ce qui était peu fréquent à cette époque. L'orchestre de Red Nichols eut comme membres; Miff Mole(trombone), Jimmy Dorsey (saxophone), Eddie Lang (guitar/banjo), Vic Berton (drums) et red Nichols (cornet). On nota aussi un pianiste parfois tel Arthur Schutt.

Miff Mole

Ce tromboniste, grand ami de Red Nichols, utilisait des intervalles et des accords augmentés. Il a créé un style de jeu de solo pour le trombone considéré comme une référence importante du jazz swing. Il intégra dans son orchestre des solos de guitare (eddie lang) et de cuivre, ce qui le différencia du dixieland primitif pour accéder au jazz classique.

Les années 30 et 40

Le jazz classique se développa autour du travail des arrangeurs et du rôle du soliste qui va sortir de la masse collective de la notion d'improvisation et le blues devint populaire. La crise économique va faire des dégats dans le monde des musiciens et du jazz, il va se produire un marasme de la production musicale noire. Le travail de studio va devenir la seule source de revenu pour beaucoup de musiciens. La radio va aussi produire des concerts en live dans ses studios qui vont devenir populaires pendant ces années de crise économique.

Benny Goodman a fait beaucoup de travail de studio à ses débuts dans sa carrière. Cela a contribué à créer un style de musique très commerciale par le développement de la voix (les crooners) tel Bing Crosby. Il va débuter dans l'orchestre de Paul Witheman comme chanteur soliste avec micro. Il sera le premier blanc à chanter un peu jazzy avec de l'improvisation dans le chant. il avait un style peu classique. Le Paul Witheman big band était l'orchestre blanc le plus connu pendant cette crise. il faisait de la musique de dance et très commerciale pour la radio, car il fallait survivre plutôt que d'innover pendant cette époque.

Le jazz dit "blanc" va faire partie de la culture américaine grâce à ces standards. Bing Crosby était l'archétype de l'américain moyen qui partant de rien va faire fortune.

paul witheman orchestra

Le premier disque dit de jazz "Livery stable blues " fut enregistré en 1917 par une formation de musiciens blancs "l'original dixieland jazz band" et publié quelques semaines plus tard par la première maison de disque du jazz aux usa, la Viktor Takling machine compagny. Le dixieland est né à la Nouvelle Orléans,  un grand port de pêche et une ville du plaisir aux innombrables maisons closes. C'est aussi la plus grande ville et lieu d"expression des débuts du jazz.

Storyville, fut et est toujours un vaste quartier de la Nouvelle Orléans avec près de 400 lieux de prostitution à l'époque mais il fut aussi le contexte culturel où le jazz serait né. Les pianistes d'ambiance tel que Jelly Roll Morton y jouaient dans les bars et les maisons closes etc. mais le jazz s'est développé à la Nouvelle Orleans même.

Les musiciens comme les orchestres jouaient dans la rue et dans les hôtels, mais cette ville de vices et de débauche est aussi celle de l'opéra et d'autres musiques que le jazz.. Des musiques qui se diffusent depuis le XVIII siècle au sens rythmique particulier (créole, salsa, hispanique), celles des îles. On y conçoit et développe l'utilisation d'un contrepoint moderne conceptuel comme le fait d'utiliser un mot et ses lettre pour les notes de musique comme C.A.G.E ou faire en sorte que les notes fassent un mot ou des mots et développer le mot par des techniques de composition; utiliser un mot comme un motif de développement mélodique motivique à l'image de Bach aux XVIII siècle en Europe. Le jazz dixieland conçoit des formes blues atypiques en 16 ou 8 mesures. Comme développer un A en 12 mesures et un B en anatole de 8 mesures. Les harmonies furent diatoniques.

Freddy Keppard était très superstitieux et il a raté l'occasion de pouvoir être le premier musicien de jazz à enregistrer un disque. Le dixieland par ses débuts marque la fin du ragtime dans les esprits. Le mot dixieland a des origines politiques et militaires. La Nouvelle Orléans était une colonie française pendant de longues années, les billets de dix dollars étaient particuliers, la conséquence de la guerre de sécession, donc par cette situation politique, le nom des billets était resté "dixie" tout comme l'hymne sudiste dont le nom est dixie également. Le jazz de la Nouvelle Orléans fut appellé Dixieland pour ces raisons. 

Les orchestres vont changer le nom ragbands pour celui de jazz bands. Les musiciens noirs étaient considérés comme satanistes par les blancs, donc le jazz fut considéré comme une musique du diable. Le dixieland sera marqué par le principe de l'improvisation libre collective, par un contrepoint libre conceptuel à trois voix. Ce style musical se distingue par son esprit festif de musique de fanfare, car on trouve toujours une occasion, une fête ou un enterrement  pour jouer et faire de la musique.

    Freddy Keppard et Louis Nelson              Jerry Roll Morton

Il fut un pionnier, plus encore le premier contrebassiste à introduire la technique du slapping ou du tiré dans le jeu technique du jazz. Mais il enregistra tardivement des disques. Le dixieland ici se distingue par une musique sans fantaisies d'interprétations, par des formes bien définies structurées, par une orchestration à l'unisson. La musique de la Nouvelle Orléans était plus exotique et vivante qu'ailleurs, le banjo était aussi très présent par des anticipations et syncopes rythmiques, plus de variations et d'improvisations libres, avec plus de combinaisons en question et réponse des instruments solistes avec plus de fantaisies techniques.

    the buddy bolden band en 1895                                  William Bill Johnson           

Ce fut la première mecque du Jazz pendant les années 2O après la guerre. On y enregistra toutes sortes de musiques commerciales; de la chanson, de la country pop, de la polka ou des marches tout ce qui se diffèrencie de ce que l'on nomma "jazz". King Oliver y enregistra le premier disque marquant du jazz suivant les caractéristiques de ce style, sur lequel on peut entendre une ébauche, un forme reconnaissable d'improvisation instrumentale. Chicago attire beaucoup d'immigrés noirs du sud, donc une forte population de couleur s'y installa. Le jazz évolue dans son discours mélodique par l'utilisation d'effets techniques comme les sourdines, les mutes etc. Le "piper mouth blues" fut créé dans cet esprit avec des solos figés par des plans et clichés sans nouveautés.

Louis Amstrong devient le cornet et le second, l'alter-ego de King Oliver, ils vont composés les trente premiers chef-d'oeuvres du Jazz. King Oliver fut le premier king of jazz. Il fut le cornet dans le hot peppers de Jerry Roll Morton. 

King Oliver                             Louis Amstrong

Jelly Roll Morton et King Oliver

Ils furent des personnages importants pour le développement du jazz à la Nouvelle Orléans et à Chicago également puis ailleurs sur la West Coast. Jelly Roll Morton était un pianiste chevronné très complet et un aventurier. Il a beaucoup fait et donné pour le jazz, car il en avait une idée bien définie. Il fut un arrangeur, un compositeur et un enseignant du jazz parce qu'il eut une formation appropriée de musicien. Il a enregistré beaucoup de disques, ses compositions sont structurées avec des parties écrites et d'autres improvisées. Il a concut une première forme de world musique, car il puisait son inspiration dans différents styles de musique; du classique, du latino à la musique créole, il intégra ce que l'on appelle aujourd'hui des "breaks", la signature du compositeur.                                                                                                               

Ses premiers disques démontrent une grande variéte d'interprétation du jazz. Par des orchestrations riches et variées, avec 4 mesures avec des instruments, 4 mesures avec des plans rythmiques variés, des changements de tempo, de métriques, de styles, par des combinaisons binaires et ternaires, par une bonne utilisation du banjo et de la guitare, avec une utilisation intelligente des idiomes instrumentaux, par des parties écrites et d'autres improvisées. Il fut aussi un historien et un parolier.

The king oliver creole band

Dans les années trente, New York et son Harlem, parsemés de boites de nuit devient aussi une mecque du Jazz. Le "Stride", un style dérivé du ragtime et du novelty, y fit son apparition, il signifie "marcher à grands pas" donc faire des mouvements larges des doigts sur le clavier. Harlem fut et est un quartier de style de vie et de population exclusivement black. Les "rent partys" étaient des fêtes où se produisaient des musiciens de jazz (stride)à New-York. Ce sont des joutes musicales où de nombreux compositeurs vinrent se faire connaître dont James P. Johnson qui fut le premier compositeur reconnu de "stride", "Charleston" fut son plus célèbre titre. On y intégra plus de dextérité, plus de recherche rythmique et de rapidité d'interprétation. La main gauche faisait tantôt des basses, tantôt des accords et la main droite le thème. 

James P.Johnson

Fats Waller

Il fut un élève de James Johnson, un chanteur conteur, un humouriste et un clown. Les duos entre Fats Waller et James Johnson sont connus pour leur organisation en voix grave et aigüe. Harlem devient un lieu où l'on enregistra beaucoup de blues devenu commercial. Mamie Smith fut une des premières chanteuses noires enregistrée de blues accompagnée par des pianistes de stride tel Willie the lion Smith. Il fut le pianiste sur le premier disque de blues enregistré en 1920 "crazy blues" sur lequel chante "Mamie Smith" qui fut la première chanteuse afro-américaine de blues connue. Ce disque fut très populaire dans les quartiers noirs, le blues urbain fut très important dans ces années de crise économique générale.

Bessie smith enregistra 250 faces de disques environ, elle fut très populaire, car elle suscitait de l'émotion par sa voix sans autre pareil. Elle fut une grande tragédienne, elle fut accompagnée par les meilleurs musiciens de l'époque. Les thèmes du blues sont la faim, la pauvreté, les gangsters, l'amour, le sexe, les problèmes d'argent? Ces textes ont souvent un double langage d'homosexualité féminine. Bessie Smith fut-elle bisexuelle? de 1920 à 1930 le blues urbain fut très populaire, les groupes de ces années comptent 5 à 6 musiciens. Les arrangements étaient relativement simples pour être applicable à ces orchestres de musiciens autodidactes en sextet et quintet.

  Fats Waller                               mamie smith                     Bessie Smith

Qu’est que L’harmonie ? Est-elle importante à la compréhension de l’univers musical ? D’où nous vient ce concept en musique? Son évolution historique dans le langage musical est en rapport avec le besoin d’être à la recherche de nouvelles sonorités et de couleurs dans la créativité musicale.

 L’Antiquité : la civilisation Helléniste

Quelques auteurs de référence:

1. Eléments de l’harmonie d’Aristoxène : selon lui la musique est sensation et mémoire, le musicien est un photographe des éléments naturels. Il exposa et arrangea la théorie musicale antique dans la période féconde de l'Héllenisme. Selon lui, c'est une théorie de l’âme apprêtée aux perceptions sonores musicales. L’âme est au corps ce que l’harmonie est à l’instrument de musique.

2. Introduction à l’harmonie d‘Euclide et de Gaudence : l’arrangement des sons considéré suivant un rapport arithmétique et mélodique d’acuité. La division du canon, une recherche sur les proportions musicales.

3. Manuel d’harmonie de Nicomaque de Gérase : Il fut un pythagoricien, la science des sons est réglée par les nombres. Comment furent découverts les rapports numériques aux sons.

La division du diapason (l’octave) dans la conscience diatonique. Sur l’accord des sons dans un rapport numérique de division des sons, il y a trois genres. La représentation numérique de la distance entre les cordes et les sons de quinte, de quarte répondant aux termes comme « hypate pour le son 6, mèse pour le son 8, paramèse pour le son 9 et nète pour le son 12».

4. Harmoniques de Ptolémée : Il appela harmonie, l’ordre pythagorien selon lequel l’harmonie est la science des astres et des sons qu’il découvrit dans les mouvements des astres et dans la nature (le vent, les chants d’animaux, le son des marteaux). L’harmonie est un géocentrisme.

Dans cette science grecque antique de la musique, la notion d’arrangement vertical de sons simultanés n’existait pas encore au sens moderne et polyphonique que l' on l’a défini plus tard au XVIII et XIX siècle.

Les Philosophes :

Aristote : Il a pensé  que l’antiphonie est la consonance de l’octave, à quoi il ajouta qu’elle résulte de deux mélanges de la voix de jeunes enfants avec celle des hommes faits, lesquelles voix sont entres elles à même distance, pour le ton, que la corde la plus haute du double tétracorde  ou de l’octocorde l’est par rapport à la basse. L’antiphonie est plus agréable que l’homophonie. Dans l’antiphonie, les voix se font  entendre plus distinctement que dans la diaphonie.

Aristide Quintillien : Il est l’auteur grec qui le plus d’importance, car il démontra que rien n’indique dans les traités de grecs anciens, la présence d’une science relative à des accords. « Toute la science harmonique, dit-il se divise en 7 parties :

1. la première traite des sons   

2. la deuxième traite des intervalles

3. la troisième, des systèmes

4. la quatrième, des genres

5. la cinquième,  des tons

6. la sixième, des mutations

7. la septième, de la mélopée

Platon : « on appelle cadence, l’ordre ou la suite du mouvement ; on appelle harmonie l’ordre ou la suite du chant, de l’aigu et du grave, diversement combinés et entre-mêlés.

L’harmonie n’avait pas chez les anciens penseurs grecs la signification restrictive qu’elle a aujourd’hui. Pour une mélodie chantée à plusieurs voix, ces voix étaient de même timbre ou de timbres différents. Pour le 1^er, on chantait à l’unisson et ça s’appelait « homophonie » ; pour le second .on chantait à l’octave ,et ça s’appelait « antiphonie ». L’arrangement ou l’enchaînement de sons considérés sous le rapport mélodique de leur acuité ou gravité. La symphonie de quartes et quintes se nommait « paraphonie » mais il a été relativement restreint dans la musique instrumentale et vocale, l’échelle tonale de leur musique n’étant pas favorable à une harmonie continue.

Les médias dans nos sociétés contemporaines jouent un rôle important de diffuseurs d'informations entre un émetteur (journal de presse écrite, radio, télévision, internet, etc., et un récepteur (des publics de lecteurs). Ainsi pour s'informer sur des programmations de concerts, le moyen le plus efficace, voir logique serait de lire des journaux, d'écouter la radio, de discuter avec ses proches et de surfer sur internet.

Quelques conseils pratiques

Tous les événements culturels musicaux programmés dans une ville, dans une salle, dans une institution culturelle, dans des bars font l'objet à notre époque d'une certaine opération médiatique. En vous promenant dans les rues de vos cités, dans les métros, ainsi que sur les tableaux d'affichage de différents lieux publics, vous pourrez y lire et vous informer sur des concerts de musique classique, festivals, happenings et des fêtes diverses comme la fête de la musique, etc. Les moyens d'informer sont multiples et parfois sujets à caution, de la simple distribution de "flyers" à l'affichage sauvage, tout est bon pour informer.

Comme l'écrit Jean-Noel Kapferer dans son ouvrage "rumeurs", le bouche-à-oreille est le plus vieux média du monde et bien des informations se diffusent toujours de cette manière. Ainsi donc, discuter, écouter, font partie des activités quotidiennes pour évaluer et connaître ce qui se passe dans le monde social et culturel. Mais méfiez-vous des rumeurs sur des événements, rien de plus insidieux et destructeur qu'une fausse information.

Les adresses de médias et sites

Est-il possible de s'informer sur des concerts programmés sur Internet ? Il existe de grandes possibilités de s'informer sur la programmation de concerts sur Internet.

La grande majorité des artistes et des formations musicales que ce soit dans le rock, le métal, la pop musique, le classique, le blues, le jazz ont leurs propres sites. Et ceux-ci sont bien fournis sur les dates de leurs concerts à venir.

Visitez les sites de groupes rock. Le site du groupe coldplay : Coldplay.com/, vous y trouverez des informations de concerts live à venir.

Le site d'Avril Lavigne : Avrillavigne.com/. Elle sera en tournée en Europe en septembre.

Les concerts 2011 des RHCP : Songkick.com/

Pour s'informer sur les sorties de chanteurs ou chanteuses pop essayez celui-ci Musique.fr/.

Toutes les grandes villes ont un service internet d'informations sur les activités culturelles programmées, par exemple :

• à Paris : Infoconcert.com/ ou

• à Genève : Geneva-arena.ch/

Il y a une quantité importante d'informations qui circulent en permanence sur le Web, certaines peuvent être tronquées, d'autres sont de la sur-information, d'autres enfin sont véridiques. Soyez cools et sortez écoutez et vivez la vie culturelle de votre ville.