Musicology and guitar styles

La mémorisation est et à toujours été un des éléments importants de la réussite d'une perfor-mance musicale voir théâtrale certes, que ce soit en scène ou en studio et elle est aussi la plus difficile à théoriser et à enseigner à des élèves. Cependant il y a quelques astuces comme de bons conseils à garder à l'esprit quand on s'attelle et mémorise une pièce instrumentale comme une chanson voir une pièce instrumentale longue et complexe. Il faut mettre à profit dans son travail pratique, la faculté de mémorisation photographique de notre subconscient , de ce qu'il peut programmer et afficher positivement. 

Le terme de "micro-practicing"  est employé par certains pédagogues et musiciens pour décrire une pratique consistant en travailler de manière répétitive de petites unités motiviques, théma-tiques, rythmiques, stylistiques de stucture musicale (riffs, bridges, thèmes instrumentaux, motifs, ritournelles, mesures etc.). Familiarisez-vous avec chaque note et chaque diagramme d'intervalles de votre instrument qu'il soit harmonique ou mélodique voir les deux, mais dans tous les cas, il est nécessaire de travailler à mémoriser qu'une mesure à la fois d'une pièce, d'un plan etc. C'est seulement après que l'on se sent confortable avec la première mesure que vous pourrez attaquer la suivante et ensuite travailler les deux mesures ensemble, puis les trois etc. Il vous faut mettre en place le travail théorique et pratique de cette manière et ceci jusqu'à la fin du solo, du thème, de la pièce instrumentale. En utilisant cette approche vous découvrirez avec plus de plaisir que vous connaissez la pièce sous tous ces aspects.

Vous distraire tout en apprenant (externe noise)

Bien que cela puisse sembler étrange voir paradoxal, essayez malgré tout de trouver d'autres façons de vous occuper tout en pratiquant un morceau. Cela est un bon outil pour favoriser la mémorisation. Lorsque vous interprétez quelque chose de manière répétivive sur votre instru-ment, cela devient une mémoire musculaire, vos doigts l'apprennent  si bien que vous n'avez plus besoin d'y penser pour l'interpréter.

Quand on apprend, un riff, une chanson ou un solo, il est bénéfique de s'asseoir seul en privé et se concentrer plus particulièrement sur les notes et les harmonies. Quand vous travaillerez à mémoriser un élément d'une pièce de musique, il sera profitable voir utile de focaliser son attention sur la TV ou autre chose pendant que l'on travaillera des petites sections de la pièce ou de la chanson. Cela semblera étrange pour beaucoup de musiciens, mais essayez tout au moins. Quand viendra le temps d'interpréter la pièce en public, vous serez habitué à toutes sortes de distractions et ainsi de pouvoir jouer une pièce par la mémoire intuitive musculaire des doigts et du subconscient.

Les musiciens de cordes ont un sens auquel les autres musiciens n'ont pas accès ; la géométrie. Prettez une attention quotidienne aux formes et aux motifs créés par les mélodies et les accords, car ceci  peut être un excellent outil de mémorisation. Beaucoup de guitaristes ne savent pas lire la musique, mais ils peuvent apprendre des pièces en mémorisant les formes mélodiques et les plans des accords concernant une chanson ou un solo. Pensez aux formes et aux plans que vous créez quand vous passez d'un accord à un autre dans une grille ou d'une note à une autre dans un thème. Finalement faire de la musique et jouer du piano ou de la guitare devient comme un grand jeu, celui de " connect the dots/ relier les points".

Le terme de "substitution" en musicologie englobe différentes notions à la fois théoriques et pratiques liées à la composition, à l'arrangement d'un standard, d'une chanson ou d'une composition qu'elles soient de rock, de blues, de jazz, de folk et de musique classique. Ce terme de vocabulaire musical est surtout en relation avec des notions d'harmonie, donc tout ce touche de loin ou de près à la science des accords d'une pièce de musique. "Substituer" signifie en harmonie musicale, remplacer un accord par un autre, ceci dit cette notion obéit à des règles de grammaire musicale, mais l'oreille et le goût personnel peuvent intervenir également dans les choix des substitutions d'accords.

Les différentes formes de substitution harmonique

Il existe différentes formes de substitution en harmonie musicale. Elles dépendent à la fois des styles mais aussi des contextes dans lesquelles elles opèrent. Des contextes dits tonals ou modals ou encore diatoniques ou non diatoniques.

Elle s'applique à l'accord par un enrichissement (tensions 9-11-13) direct harmonique de celui-ci. Il existe certes de multiples formes de substitution directe. Un exemple; dans le cas d'une triade de D majeur, on peut la substituer par un accord de D6 ou DM7 ou encore DM9, DM11 et DM13. Ces notes d'enrichissement peuvent être altérées comme une 9 dièse ou bémol et encore voir plus en les combinant comme 9b et une 13b. 

Pour créer une substitution directe Il suffit donc d'ajouter des notes à l'accord de base (triadeT-3-5)comme une sixte, une septième majeure etc. Ce que l'on nomme des tensions harmoniques ou des enrichissements. Nous pouvons enrichir un accord d'une note, de deux voir trois ou même quatre notes mais toujours sur la même base harmonique.

Dans ce cadre de substitution directe, il est possible de substituer un accord diatonique par un accord dit "suspendu" de seconde ou de quarte; par exemple une triade de C devient Csus2 ou Csus4, on remplace la tierce mi (E)par une seconde ré(D) ou une quarte fa(F), voir aussi les deux ensembles Cs2sus4. Il est aussi possible de rajouter une neuvième ou une onzième(notes au-dessus de l'octave) à l'accord de base (triade) donc l'accord de substitution s'appelera dans ce cas "Cadd9" ou "C add11". Attention; ne pas les confondre avec les accords suspendus!! Ce sont des accords d'ornements non diatoniques. 

Dans une tonalité, les accords sont classés en trois fonctions; tonique, sous-dominante et dominante. Le principe de substitution obéit ici à la règle de substituer un accord d'une fonction par un accord de cette même fonction et non d'une autre fonction. Dans la tonalité de Sol par exemple, les accords de G, Bm et Em sont toniques, les accords de Am et C sont sous-dominants et les accords de D et F#° sont dominants. Dans une progression d'accords comme G-C-F#-Am-G, nous pouvons remplacés G par Bm ou Em ou encore C par Am ou F#° par D ou D7, etc.

 Cette forme est plus complexe car elle impose une connaissance approfondie de l'harmonisation modale et tonale. Un exemple prenons la tonalité de G majeur, elle contient donc 7 accords; G-C-D triades majeurs et Am-Bm-Em triades mineurs et F#° triade diminuée. Si on la compare à la gamme harmonisée parallèle mineure de G on obtient Gm-A°-Bbémol M-Cm-Dm-Ebémol M et FM. Nous pouvons donc substituer des accords de la tonalité de G avec ceux de la tonalité parallèle de Gm et intégrer certains de ces accords dans une grille harmonique en G. Par exemple substituer Am par un A° ou un D par un Dm. Cette forme de substitution fonctionne également dans le rapport avec la gamme relative mineure ici de G majeur soit Em harmonique, naturelle ou mélodique, car la tonalité mineure est une combinaison de 3 modes harmonisés dans l'harmonie moderne. 

Nous pouvons envisager encore d'autres interchangements modaux tels que considérer les modes de G ionien, de G lydien et G myxolidien, de les harmoniser et de substituer certains accords du G myxolydien ou de G Lydien et avec ceux d'une grille en G majeur. Il s'agit ici de notion d'harmonie modale en relation avec de l'harmonie tonale. L'accord de dominante se substitue assez bien, donc Dm pour le D ou le F pour le F#° l'accord de sensible. Donc il s'agit ici de considérer les modes modernes comme des ressources harmoniques modales dans un cadre de musique tonale afin d'enrichir le champ des relations harmoniques dans une composition. Ci-dessous un tableau avec des exemples de substitutions pour un anatole (I-VI-II-V) en C. 

Il s'agit d'une forme de substitution intégrant une relation tritonique (3 tons) entre des accords. Les accords de 7 de dominante possèdent un triton dans leurs structures, ce qui permet un échange harmonique plus aisé entre ceux-ci. Un exemple dans la tonalité de C; l'accord de 7 de dominante est G7, il peut se substituer par une accord de 7 de dominante un triton au-dessous de lui c'est à dire Db7. Nous avons entre G7 et Db7 une relation tritonique. Il existe d'autres accords qui peuvent se substituer de manière tritonique, donc pas uniquement des accords de 7 de dominante, des accords demi-diminués de 7 par exemple F#m7b5 par un accord contenant le même triton d'intervalle. Ci-dessous différentes formes de substitutions tritoniques en C, c'est un domaine complexe et difficile à utiliser sans une grande expérience de la réharmonisation d'une grille, il faut donc en faire encore et encore. 

Ainsi donc toute forme d'accord a son homologue, son alter ego relatif qu'il soit mineur ou majeur, triadique ou tétradique (7 ou 6) voir en 9ème, en 11 ème et 13ème. Par exemple Bm7 peut se remplacer par DM7 ou C peut se remplacer par Am ou encore G11 par Em11 etc.

Il s'agit donc ici de substituer un accord dans une grille par son homologue relatif tonal se trouvant un tierce mineur au-dessous de la fondamentale; donc C se substitue par Am une tierce mineure en-dessous, ou encore G par Em, D par Bm, E par C#m etc. Ci-dessous un tableau des enrichissements harmoniques pour des triades de base et les accords de 7ème. Par exemple C devient C6 ou CM7 ou encore CM7 devient CM9 ou CM11 ou encore CM13, donc en ajoutant les tensions harmoniques à l'accord de base, donc des substitutions directes. 

Les accords de 7ème diminués comme les accords augmentés ont des formes de substitution particulière et complexe. Sachant que cette forme d'accord est dite symétrique avec un étagement en tierce mineure similaire pour l'accord 7diminué ou en tierce majeure pour l'accord augmenté, il est possible de substituer un accord 7° par un accord de 7° ayant comme fondamentale les autres notes de l'accord; par exemple C7° est constitué de C-Eb-Gb-A, donc nous pouvons substituer C7° par Eb7° ou Gb7° ou A7° ou substituer Eb7° par C7° ou A7° et Gb7° etc. Sympa et facile non!!.

Il Il peut également être utiliser comme accord de passage chromatique et diatonique, voir se substituer à l'accord de tonique comme montrer ci-dessous.

Cet accord 7diminué peut aussi se substituer par un accord de 7 de dominante altéré, une tierce majeure au-dessus de chaque note de l'accord, par exemple Eb7° peut se substituer par un accord de G7/9b etc. ou encore E° se substitue par un accord de G#7altéré et F#° par A7 altéré, où par un accord 7 de dominante une tierce majeur au-dessous ce qui est plus fréquent par exemple Db°7 se substitue par un A7/9b ou encore Gb°7 par un D7/9b, etc. 

C'est le même principe pour l'accord augmenté de triade, vous pouvez créer des suites en tierce d'accords augmentés par substitution en tierce majeure de ceux-ci. C+ peut se substituer par E+, par G#+, Etc. 

En guise de conclusion, voici un thème jazz "Good bye porky" qui a été parfois réharmonisé et arrangé par des musiciens de rock tel que Jeff Beck notamment.

Essayez de réharmoniser ce standard en utilisant les quelques procédés de substitution de cet article. Bon travail

Ce terme va naître de l'imagination du musicologue Gunther Schuller. Pour lui l'originalité de ce courant fut le fait de fusionner la musique classique, le jazz. L'improvisation qui est étrangère au classique va être l'élément central et vital du "third stream". Cette musique va rester pour ainsi dire une forme musicale de laboratoire d'expérimentation et peu de public vont s'y intéresser. Mais  le bon côté de ce courant fut qu'il va ouvrir les compositeurs classiques et le public toutes classes et races confondues au jazz.

Le Third stream n'est pas du Jazz avec des "cordes"(famille), il n'est pas  du jazz interprété sur et par une instrumentation classique, il n'est pas non plus du classique joué par des musiciens de jazz, il n'est toujours pas du jazz dans une forme "fugale", il n'est pas d'insérer un peu de Schoenberg ou de Ravel dans des plans "Be-Bop", il n'est pas une fugue interprétée par des musiciens de jazz; il est juste une nouvelle option pour des créateurs contemporains. Le "Third stream" doit être aussi à détacher du jazz symphonique par le fait qu'il intégre de l'improvisation.

Georges Handy

Il fut un pianiste mais aussi et surtout un arrangeur de musique orchestrale. Il travailla pour l'armée des USA dans ses orchestres pendant la deuxième guerre mondiale. Il a été par son travail d'arrangeur en jumelage avec le compositeur US Aaron Copland. Il est le plus connu pour ses arrangements be-bop de standards. Il fut un des grands noms du Third Stream pour ses effets de symphonie dans ses arrangements jazzy. Son oeuvre fut celle d'un pionnier d'avant garde, il fut aussi un personnage ironique à l'égard du métier de musicien et du show business. Il n'a pas fait une longue carrière de ce fait, mais il témoigna d'un volonté de fusion des styles et des effets sonores.

Ce fut surement la formation qui a le mieux assimilé les tendances du "Third Stream" et cette voie de créativité. John Lewis, Milt Jackson et Kenny Clarke ont à l'origine joué avec l'orchestre de Dizzy Gillepsie de 1946 à 1950.

John Lewis fut un élément important au groupe par ces connaissances en matière de composition. Ce groupe fut une formation collectivement autogérée sans imprésario, sans agent artistique etc.

Milt Jackson s'occupa des costumes (smoking etc.), John Lewis fut l'arrangeur des compositions, Percy Heath s'occupa des contrats et des concerts et Connie Kay s'occupa lui des réservations, un esprit d'autonomie collective donc pour uen formation d'avant-garde.

Le vibraphone devint sous la conduite de ce quartet un instrument au son léger, très souple, plus chaleureux moins froid. John Lewis a eu une formation musicale classique, Dizzy Gillepsie l'initiera au jazz. Le quartet va essayer d'arranger du Bach au Jazz, et ce fut un succès car la musique de Bach a des accents ternaires mais elle est aussi sans anticipations et de syncopes rythmiques.

Connie Kay fut un batteur minimaliste assez rock et blues avec un sens inné du groove et  de ce fait il fut important pour le groupe. Percy Heath fut un bassiste qui a joué avec les géants du jazz comme Miles Davis, Dizzy Gillepsie et d'autres, il a su apporté son expérience des genres et du métier de musicien professionnel au groupe. 

Ce quartet pouvait jouer aussi bien du blues que des fugues, leur meilleur album fut "Django" qui développa une nouvelle approche très néo-classique de la polyphonie au jazz. 

Georges Russell

Il fut un compositeur important de cette décennie. Il apprit et joua de la batterie aux débuts de sa carrière, mais Max Roach faisait mieux que lui, alors il s'est consacré aux arrangements. Il fut atteint de problèmes de santé, la tuberculose, et durant cette période, pendant sa convales-cence, il a put réfléchir à des concepts harmoniques et mélodiques. Il fut le premier théoricien de musicologie générale formé au jazz. Il a écrit en 1953 un ouvrage de référence "The lydian chromatic concept of tonal organisation". Le mode lydien augmenté figura dans ses compo-sitions comme une modalité originale et étrange. 

Il a joué de la batterie et du piano avec les plus grands musiciens de jazz de son temps tels Charlie Parker, the modern jazz quartet et il composa sa plus célèbre pièce "cubano be, cubano bop" pour Dizzy Gillepsie.

Il fut l'un des meilleurs saxophonistes alto de sa décennie mais il joua aussi de la clarinette et de la flûte traversière. Il a travaillé pendant toute sa carrière avec les meilleurs compositeurs de son temps pour ses albums tels Guiffre, Russel, Farmer et Evans. Il participa aux sessions de John Coltrane et Lee Konitz.

Il fut l'un des compositeurs les plus importants du "third Stream". Il s'acharna à rechercher de nouvelles formes musicales dont certaines furent empruntées au classique comme la sonate ou le concerto. Il a aussi été influencé par les harmonies impressionistes de Debussy, Ravel et Satie dans son jeu pianistique énergique et dynamique.

Il abandonna un jeu en block-chords infuencé par Miles Davis pour une jeu plus proche de Bud Powell, la main gauche faisant des chords légers de" guide tones" et la main droite exprimant plus de lyrisme mélodique.

Il fut victime des vices de la drogue (héroine et cocaine), ceux constitutifs en partie de Miles Davis à l'époque où il jouait dans son quintet, une forme de suicide, d'auto-destruction lente qui l'a conduit à la mort en 1980 à l'âge de 51 ans. Il reçu de son vivant un nombre important de récompenses, de citations, d'honneur pour sa contribution à l'histoire du Jazz et à son évolution.  

Ce style de l'Est des USA; le Hard-bop est né à New-York dans le Harlem renaissant.

Le marasme créatif du modern jazz né de la fin de la guerre et du début des années 50 va lasser le public. La question primordiale pour les musiciens de jazz afro-américains; Comment trouver un public attentif à leur musique expérimentale voir militante. Le Hard-Bop va se donner comme but de rechercher la source et la tradition de la musique noire afro-américaine que furent le blues et le spiritual/gospel. Plusieurs musiciens du be-bop furent à l'origine de cette nouvelle vague du modern jazz, sombre, militante et urbaine.

Il fut un des personnages centraux du Hard-Bop sur la scène du Birdland. Il a commencé sa carrière avec Billy Eskine, puis avec Henderson, puis enfin avec le combo fondateur du harb-Bop "les jazz messengers". Le Funk fut à l'origine du New-Orleans style et du Hard-Bop ; Le Funk c'est l'amour, c'est la musique qui vient des tripes et de la sueur, du coeur, du feeling.

1955

C'est l'année des premiers enregistrements des jazz messengers avec Kenny Dorham à la trompette, Hank Mobley, Doug Watkins à la contrebasse, Horace Silver au piano et Art Blakey à la batterie. Horace Silver va se détacher des messengers par la suite pour fonder son propre quintet. Horace Silver va à la différence du be-bop mieux définir la pulsion du rythme et l'intégrer par son jeu de piano percussif jazz-funky au son du groupe.

La thématique déployée par Silver et les messengers sera un peu différente de celle du blues traditionnel en mettant sur les chorus d'autres accords à la façon du ragtime ou utiliser les formes "ABCD"; On improvisa sur le B. Art Blakey et ses messengers n'étaient pas des innovateurs et des improvisateurs par contre Max Roach et Clifford Brown le furent. 

Clifford Brown

Il fut un trompettiste influant du be-bop, mais il fut davantage renommé comme un hard-bopper. Il est mort jeune à 26 ans dans un accident de la route. Il fut surnommé "Brownie". Il pouvait interpréter 10 chorus de suite sans qu'aucun de ceux-ci ne soit semblables de par son imagi-nation. Il fut reconnu pour son phrasé d'un grand lyrisme aux longues phrases bluesy et mélodieuses. Son style et son jeu ont influencé de nombreux disciples comme Winton Marsalis et Freddy Hubbart. On peut le considérer comme un des piliers du modern Jazz au sens de la construction et de l'esthétique mélodique jazzy. 

Sonny Rollins

Il fut ce qu'on peut appeller un "giant of jazz. Un saxophoniste ténor qui a composé parmi des plus subtils et uniques standards du jazz; comme Oleo, St-Thomas, Airegin. Il avait un talent hors du commun celui de pouvoir improviser en changeant de style et en variant par toutes sortes d'astuces les interprétations. Comme par exemple créer un passage simple bluesy, puis enchaîner sur une succession de plans inédits chromatiques plus sophistiqués. Il avait une approche très structurée presque architecturale de ses mélodies comme de ses improvisations. Son album "saxophone colossus" fut acclamé comme un album de référence  du style Hard-Bop. 

Ce géant du modern jazz "Miles Davis" fut dans ces années 50 dans une période difficile; celle de l'usage de la drogue, elle va le suivre pendant toute sa vie d'artiste renommé. 

Elle l'usait tout comme son métier de chef d'orchestre. Il va quand même réussir à enregistrer de nombreux disques avec de prestigieux musiciens tels que Max Roach, Sonny Rollins, Art Blakey avec son quintet. Il va affirmer son jeu de trompette, mais il ne pouvait pas égaler Dizzy Gillepsie ou Clifford Brown. Ce qu'il a développé en contre partie fut la souplesse du jeu , le legato des phrasés, des mélodies bien liées et fluides.

Miles Davis fera avec son quintet une première apparition au festival de Newport en 1955. Celui-ci fut composé de Sony Rollins au sax tenor, de Paul Chambers à la double-basse, de Red Garland au piano et Joe Jones à la batterie. Ce sera le come-back de Miles Davis après une période de problèmes.

Red Garland le pianiste va arriver à souder la rythmique dans un esprit funky. Miles Davis va découvrir un talent inné pour l'improvisation ; John Coltrane. Il fut peu connu avant son passage dans le quintet de Miles Davis. 

Miles Davis et John Coltrane s'entendaient bien parce que l'un jouait avec lyrisme et peu de notes et Coltrane lui jouait beaucoup de notes avec puissance et dynamisme. Donc cette synthèse des caractères sera à la fois utile et bénéfique pour le groupe "working progress". Ce quintet deviendra la référence du Hard-bop avec les jazz messengers et l'orchestre de Clifford Brown/Roach. Frank Sinatra sera un influence lyrique pour Davis, de nombreux de ses thèmes seront utilisés par le groupe. Le charisme de Sinatra sera aussi prédominent dans la manière d'arranger et d'orchestrer de Miles Davis.

 Ahmad Jamal Band

Ce trio dirigé par le pianiste Jamal était organisé et arrangé de façon intelligente et de manière variable. Miles Davis sera influencé par ce trio. Il demandera à sa section de s'approcher de ce style. Jamal jouait d'habitude avec un bassiste et un batteur et parfois avec un percussionniste également. Il a aussi enregistré avec le saxophoniste Georges Coleman sur le disque "The Essence" et le vibrationiste Gary Burton. Il a enregistré sur de nombreux différents labels dont Epic, Atlantic, Parrot, Okeh.

Il a enregistré ses premiers disques à partir de l'âge de 30 ans dans les années 50. Il a travaillé avec ses frères bassiste et pianiste. Ils avaient une nombreuse famille, beaucoup d'enfants, il travaillait la journée et la nuit dans les boîtes de nuit de jazz. Il s'épanouira davantage dans le jazz en trio, par la suite il enregistra avec des grands orchestres. L'orgue hammond va devenir un instrument populaire dans les années 60. Fats Waller avait déjà rendu populaire cet instrument plus tôt dans les années 20 qui se jouait avec les pieds pour les basses.  Wes Montgomery se produisait souvent dans cette formation; guitare, contrebasse, orgue et batterie. Son style et son jeu étaient originaux, il travailla et développpa une technique de jeu avec le pouce en butée et par le développement des thèmes en accords et en octaves. Son style a marqué toute une génération de musiciens jusqu'à aujourd'hui encore, il est respecté. Il est mort subitement un matin d'un crise cardiaque à l'âge de 40 ans.

"Trane" était le surnom de ce saxophoniste et compositeur de jazz.. Malgré le fait d'avoir été un musicien de be-bop et de hard-bop à ces débuts, il a aidé à developper l'utilisation des modes dans le jazz moderne (modal jazz et free jazz).

Il a été prolifique, il a organisé plus de 50 enregistrements d'albums de jazz en temps que leader et a aussi participé en temps que side-man a de multiples enregistrements. Plus sa vie et sa carrière musicale évoluaient et plus sa musique prenait une dimension spirituelle. John Coltrane a souvent cherché dans divers orientations philosphiques et spirituelles, une réponse et un remède à ces problèmes existentiels.

John Coltrane a souvent influencé beaucoup de musiciens de Jazz voir dans d'autres genres musicaux et il demeure une des grandes personnalités du Jazz. Il a reçu à titre posthume bien des témoignages comme des récompenses pour son oeuvre artistique dont une spéciale citation du prix pulitzer au sujet de sa personnalité emblématique dans l'histoire du Jazz.

Les années 50 furent des temps difficiles pour le jazz, comme pour les musiciens et artistes en général. L'art musical comme le jazz devient en ces années d'expérimentation, une musique complexe, intellectuelle, militante, souvent réservée à un public d'initiés et de mélomanes sectaires. Les critiques du jazz ont publié beaucoup d'articles parfois controversés et désabusés dans les revues spécialisées sur cette époque d'après-guerre. Et pourtant l'Amérique à peine sortie de la deuxième guerre mondiale connait des problèmes avec sa politique extérieure militaire en Corée. Le public américain de ce fait préfèra entendre et suggéré une musique douce, planante; ce fut les débuts de la Hi-FI.

Sarah Vaughan

Dans cette période difficile de crise et de renouveau, Dizzy Gillepsie va abandonner son big-band, pour former un sextet, un orchestre de 6 musiciens afin d'explorer divers styles ; de la variété (scat avec Sarah Vaughan) à l'expérimental be-bop jusqu'à l'afro-cuban jazz, tout comme Duke Ellington qui étant compositeur se devait d'assurer une production musicale pour ses besoins, d'autres vont édulcorer et innover à leurs risques et périls. Charlie Parker resta fidèle à lui-même, mais se pretta à une musique plus commerciale. Il joua et s'exprima dans ses dernières années toujours avec le même génie mais en simplifiant la reprise de ses thèmes. Le romantisme passé fut vite abandonné au bénéfice d'une musique plus douce, édulcorée et planante. Charlie Parker alla jusqu'à s'entourer de formations à cordes symphoniques dans un but plus ou moins vague d'auto-critique. Sarah Vaughan devint la nouvelle diva du modern jazz suite à la disparition de Billie Holliday. Elle va faire ses succès comme Ethel Waters en enregistrant dans tous les styles du jazz expérimental à la variété. Le "scat" vocal fut mis à toutes les sauces.

Les années 50

Il se propagea dans les fifties, deux zones et deux tendances distinctes dans le jazz US, ce fut une période de renouveau militant. 

Ce fut l'évolution, une extension du be-bop vers un jazz plus militant, plus sombre et proche du blues, du gospel (soul) plus funky et plus âpre. L'esprit soul de la culture afro-américaine se mit en veine de chercher des éléments de musique sacrée et spiritualiste (amen chords et la cadence plagale) et la présence d'harmonies plus simples (triades) en lieu d'accords de 7.

Les "Jazz Messengers", le quartet d'Horace Silver le pianiste et d'Art Blakey le batteur, sont à l'origine de cette tendance du Hard-Bop. Cette tendance culturelle et artistique fut le reflet d'un environnement urbain difficile, violent et révolté, d'une ambiance afro-américaine revisitée. Elle fut mise en relation avec les mouvements de revendication des noirs. Elle fut une opposition à l'autre tendance géographique; le cool jazz. John Coltrane fut le musicien le plus emblématique de ce style de jazz tout comme Donald Byrd, Bud Powell, Monk, Clifford Brown, Max Roach etc. Les instruments du hard-bop furent le piano, la contrebasse, le saxophone ténor.

La zone ouest et le style west coast(cool jazz)

Ce style fut à l'opposé de la musique sombre, intérieure et afro-américaine du hard-bop. C'est la volonté de rechercher un style de musique plus ensoleillé, plus décontracté, plus planant, un art positif et ouvert à d'autres influences. Les tempos furent plus lents que ceux du be-bop et le son plus light. Stan Kenton, Miles Davis, Stan Getz, Chet Baker, Zoot Sims, Gerry Mulligan furent les musiciens les plus représentatifs de ce style. Les instruments du Cool Jazz furent la trompette, le trombone, le saxophone, la contrebasse, la batterie. Le cool jazz écrit et structura la musique sur d'autres formes que le blues, tel la musique classique. Ce fut et c'est encore une musique bien plus arrangée, écrite davantage qu' improvisée dans un deuxième plan. Le disque "birth of the cool" de Miles Davis publié en 1948 représenta le signe précurseur du Cool Jazz.

Woody Herman

Il fut un saxophoniste et clarinettiste réputé. Il créa un jeu d'ensemble experimental très percutant entre le swing et le be-bop à ces débuts. Plus tard il va engager les "4 brothers" tous des saxophonistes; Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn et le saxo barython Serge Chaloff. Ils furent influencé par Lester Young. Il va permettre à Stan Getz de commencer jeune une carrière de musicien. A 19 ans, il était déjà un musicien expérimenté;  de plus un excellent lecteur à vue avec une mémoire fantastique et l'oreille absolue, donc tout pour bien faire de plus avec un sens mélodique au-dessus du lot.

    Woody Herman                                                                       Stan Getz

L'apogée du Cool Jazz

La Californie n'avait pas marqué grandement l'histoire du Jazz jusque là, en tout cas moins que d'autres villes des USA tels Chicago, la Nouvelle- Orléans, New-York ou Kansas city.

Certains musiciens réputés ont néanmoins commencé leur carrière en Californie, comme Art Farmer le cornetiste et Dizzy Gillepsie sans compter Jelly Roll Morton. Une cause de certains problèmes sociaux fut que les studios d'enregistrement étaient réservé aux blancs, ce furent les syndicats de musiciens qui furent à l'origine de ce fait. Donc ce qui va attirer les musiciens en Californie à cette époque, ce fut l'opportunité de pouvoir composer des musiques de films et le travail de musicien de studio. Certains vont s'y établir et gagner de l'argent mais difficilement neanmoins à cause de la concurrence.

Ce fut un restaurant et une boîte de nuit, le lieu de maintes jams sessions comme le rendez-vous de fans de jazz. On pouvait y observer certaines similitudes entre les arrangeurs et les musiciens. Une poignée de musiciens confirmés vont monopoliser le travail et la scène californienne, ce furent les musiciens de Stan Kenton avec son jazz progressiste. Il va arrêter sa carrière de musicien dans les années 60, mais le démon du jazz va le reprendre pour former un combo encore plus important avec des hauboits et des cors. Stan Kenton fut un pionnier aussi pour la pédagogie dans les écoles comme le Berklee college of music et les universités. Il va créer les premiers "work shops" les ateliers de pratique en orchestre. Il fut l'un des promoteurs de la "west coast jazz" music et de son style comme de son timbre sonore. Il donna la possibilité aux musiciens d'arranger et de donner leurs noms aux morceaux composés en live. Art Pepper fut un de ceux-ci et ce quelqu'un eut l'idée d'enregistrer en live les concerts du "Lighthouse".

      The lighthouse                                                                 Stan Kenton

Le style West Coast

Ce furent de très bons lecteurs aussi bien des arrangeurs hors pairs, influencés par Count Basie et Lester Young. Les musiciens du cool jazz orchestrèrent et arrangèrent eux-mêmes leur compositions. Ils ont innové dans l'instrumentation avec le hautbois, le cor, la flûte, la guitare électrique. Le dodécaphonisme va les intéresser et comme le fait d'incorporer de nouvelles formes musicales. Ce fut un style à la fois restraint et étendu dans d'autres domaines, il allia la subtilité et le sens de la découverte, de l'aventure musicale. Elle fut considérée comme une musique sans âme par les hard-boppers de New-York. L'anatole fut un cliché harmonique du style west-coast pour une musique facile et feutrée.

B. L'innovation

Elle fut l'oeuvre de mains musiciens, citons trois musiciens phares ; le batteur Shelly Manne, le trompettiste Shorty Rogers et le saxophoniste Jimmy Giuffre; ils vont expérimenter le sérialisme et le dodécaphonisme pour composer en contrepoint des pièces jazzy, ceci sous l'influence de Schoenberg qui s'était installé en Californie.

C. Le cinéma

La musique de film fut représentative du style west coast, le jazz ayant souvent été un support important au cinéma que ce soit pour le cinéma muet et parlant. Cependant il était seulement présent que pour de courtes séquences. A partir des années 50, le jazz devient un support dramatique à certains films; exemple Louis Malle et son film "l'ascenseur pour l'echafaud", le score a été écrit par Miles Davis ou encore l'homme aux bras d'or.

Gerry Mulligan

Il fut un des "sax baryton" les plus influants du Jazz. Il a commencé sa carrière musicale en 1947. Il est devenu musicien suite à son refus de faire carrière dans l'armée. Il a commencé comme arrangeur pour Gene Krupa, par la suite il fut intégré au nonette de Miles Davis. En 1950, il décida de partir en Californie et il y rencontra Chet Baker le trompettiste. Ils formèrent ensemble un quartet original sans instrument harmonique (piano ou guitare). Il composa la plupart des pièces pour le groupe. Ce fut une formation très mélodique et individualiste dans le rôle de chacun. Il va faire du sax baryton souvent peu utilisé dans le jazz, un instrument aussi populaire que les saxophones alto et ténor. Il va incarner le son "cool jazz" et pourtant pendant longtemps il vécut à New-York. Il a visité tous les styles de musique; le be-bop, le classique, la variété et le cool jazz.

A cette époque le jazz va rencontrer la contre-culture que ce soit celle des black panthers et de la Beat Generation. Jack Kerouack en fut le chef de file par son ouvrage "On the road" où il traduit l'esprit du be-bop en poésie et en littérature. Le jazz sera le porte-parole de la révolte des jeunes américains contre les bourgeois, le système, la guerre et l'"american way of life". Ken Nordine fut un "american voiceover", il fit des "wordsjazz albums" en mélangeant le jazz et la poésie.

              Gerry Mulligan

Chico Hamilton

Ce batteur fut un des rares musiciens noirs ayant eu du succès en Californie pendant ces décenies. Le Cello et la flûte traversière sont devenus des instruments populaires dans le jazz west coast et le cool jazz. En 1955, il fonda un quintet original composé d'un flutiste, d'un violoncelliste, d'un guitariste, d'un contrebassiste et d'une batterie.

Cet orchestre fut l'un des plus innovateurs de la West Coast. Jim Hall le guitariste du groupe va influencer toute une génération de guitaristes de jazz tels Pat Metheny et Mike Stern. Chico Hamilton explora toutes sortes de musique pendant sa carrière et chercha des formes originales pour ses compositions dont celles de la musique classique européenne. Le contrepoint moderne fut abondamment utilisé comme toutes sortes d'effets sonores et d'idiomes techniques ou rythmiques comme également différentes manières de faire sonner un morceau de modern jazz. 

Chico Hamilton fut aussi un découvreur de nouveaux talents et de nombreux jeunes musiciens vont faire leurs premières armes dans son combo expérimental. Il a eu une longue carrière musicale, faisant du funk, du rythm and blues, de la musique brésilienne également. Le rock va faire son apparition dans les années 50 et certains musiciens de Jazz vont se mettre à intégrer des rythmes et des idiomes rock dans leurs compositions.