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7 mars 2013 4 07 /03 /mars /2013 01:12

Comment créer des mélodies originales et accompagner vos chansons avec des plans et des "riffs" mélodiques? Un sujet difficile pour bien des musiciens. Est-ce si compliqué? 

Pour commencer, un exemple ; la chanson "Satellite" du Dave Matthews band débute par une ligne mélodique facilement mémorisable pour l'oreille; C'est le riff et l'accompagnement vocal-il s'agit du fil conducteur qui lie tous les éléments de la chanson. Des riffs mélodiques comme celui-ci sont distincts et accrocheurs, mais ils sont différents de "riffs" harmoniques (en accords), dont j'ai traité le sujet dans un article précédent, parce qu'ils utilisent uniquement des" single-notes"(des notes) pour construire la séquence et souvent l'accompagnement d'une chanson. Quand on entend un passage mélodique comme celui-ci(Satellite), on peut être intimidé par le grand nombre de notes qui le compose; ceci dit comment créez des lignes mélodiques agréables toutefois complexes à partir de rien voir peu d'éléments? La plupart des grands "riffs" mélodiques comme " Day Tripper" "Moby Dick" ou "exodus"ont une idée simple derrière leur conception. Quand on les analyse, on remarque que le compositeur adopte souvent un petit élement musical comme base, puis il le développe en d'autres éléments pour ensuite les mettre en place-on se rend compte ainsi qu'ils deviennent plus faciles à gérer. 

Dans cet article, nous allons créer des riffs à partir de petits éléments rythmiques et mélodiques, comme ceux utilisés par Dave Matthews dans une de ces chansons les plus connues. 

Un "riff" statique pour une mélodie active:

Pour une première approche, nous allons commencer par chercher une petite idée-un fragment court-et l'adapter pour qu'il fonctionne sur une progression harmonique pour ensuite le développer pour qu'il devienne un accompagnement complet pour une chanson. Il n' y a pas besoin de commencer avec une série d'éléments.

Par exemple, venir avec une idée courte comme dans l'exemple1. Nous allons oeuvrer dans la tonalité de Ré (D) dans ces exemples, expérimentons à développer cette courte séquence sur toute une mesure avec de la répétition comme le montre l'exemple2. Cela ne sonne pas encore suffisamment, mais nous avons essen-tiellement construit le "riff" jusqu'ici. Ce qu'il reste à faire, c'est d'appliquer ce motif sur une progression d'accords ou sur une chanson complète.

Travaillons à présent sur une progression harmonique G-D-A-D dans la tonalité de Ré(D). Pour produire un développement satisfaisant sur les changements d'accords, il va falloir ajuster le riff sur la note pivot de celui-ci; le Fa dièse constant sur le 1er, 3ème et 4ème temps. Mais cette note va créer un petit conflit avec les accords de A et de G. Sur l'accord de Sol, il sera nécessaire de passer du Fa dièse au Sol comme le montre l'exemple 3, et sur l'accord de La(A), il sera préférable de descendre du Fa dièse au Mi(E) comme le montre l'exemple 4. Voyez comme chaque fragment du riff se juxtapose mieux par le fait d'avoir substituer une note pivot légère-ment dissonante avec une note de structure harmonique (la fondamentale pour G et la quinte pour A) pour que cela sonne mieux sur la grille harmonique et donner au riff plus de consistance. Une fois que vous enchaînez ces idées ensemble pour qu'elles s'adaptent à la progression d'accords vous obtenez un riff à part entière comme l'expose l'exemple5.

Ce dernier exemple montre le fruit de ce labeur. Si cela sonne familier pour certains, la raison en est que ce riff est très semblable à celui de Dave Matthews sur "Ants Marching". Sachez que tous les riffs n'exigent pas une guitare rythmique, mais celui-ci sonnera de manière plus complète dans ce cas présent. Recrutez un ami pour l'entendre dans tout sa grandeur et efficacité si vous n'êtes pas guitariste rythmique vous-même. Bon travail! 

 

 single-note-riffs.jpg

Voici un autre exemple de riff d'accompagnement élogieux, celui de "Day Tripper" des Beatles composé par Georges Harrison en personne. Voyez la structure du riff construit autour d'une arpège mélodique de E7 avec une blue note sol et la seconde Fa dièse. Tout en efficacité et consistance mélodique et rythmique agrémenté par des anticipations et syncopes. D'autres riffs des Beatles suivent cette construction comme "paperback writer", "baby drive my car" ou "come together", ainsi que "back in URSS" notamment. 

Le riff principal de Paperback writer des Beatles

  

Un riff célèbre de Nirvana! 

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2 mars 2013 6 02 /03 /mars /2013 22:45

Composé à l'origine au XIX siècle par le Colonel Sanford C. Sandy Faulkner, ce classique du répertoire traditionnel US "Arkansas Traveler" a connu bien des vies.  Adopté comme chanson hymne historique par l'Etat de l'Arkansas en 1987, Il lui a été donné de nouvelles paroles en 1947 par le comité musical administratif de l'Arkansas( " for the wonder state we will shout hurrah/ and praise the opportunities we found in Arkansas"). Ceci peut-être pour contrer l'impression laissée par le vaudeville routinier qui l'accompagnait habituellement( un citadin snob voyageur disant à un violoniste d'arkansas assis sur un porche; Hey Stranger, lived here all your life?" Fiddler" Not yet".).

Cette mémorable mélodie a été enregistrée pour la première fois en 1922 par le violoniste Eck Robertson et elle a été reproduite et développée de nombreuse fois depuis lors. Plus particulièrement pour et par des guitaristes dans des enregistrements en homestudio notamment par le pionnier du flatpicking Clarence White en 1962, également par Norman Blake sur son album d'influence de 1976 " whiskey for Breakfeast", comme titre phare de l'album de 1991 de Michelle Shocked et aussi par Jerry Garcia et David Grisman sur le titre "Not for kids only. 

Habituellement interprété dans la tonalité de Ré (D), ce morçeau peut être arrangé avec des accords de la tonalité de Do(C) mais avec un capodastre en 2ème position ou plus simplement avec les accords de la tonalité de Ré(D) sans capodastre. Nous avons dans l'extrait de huit mesures ci-dessous, un arrangement de la pièce en Do(C) avec des arpèges rajoutées à la mélodie de base de la partie A. Il est bien sûr possible de trouver d'autres arrangements intéressants de cette mélodie pour la guitare, comme celui qui est proposé plus bas avec une explication plus détaillée de la forme globale de la chanson "Arkansas Traveler" en AA-BB de 32 mesures.

Arkansas-Traveler-Excerpt.jpg

Arkansas Traveler A

Arkansas-Traveler-B.GIF

 

chordsheets Currier-ives-arkansas-traveller.jpg

 

 

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28 février 2013 4 28 /02 /février /2013 01:27

Un des aspects que tout musicien de "bottleneck"(slide) apprécie au sujet de l'open tuning, c'est la facilité qu'il procure pour interpréter des "licks" succulents quelque soit la tonalité de l'accord sur lequel on les joue. Dans l'open tuning de Sol par exemple, les trois cordes aigûes sont la structure d'un accord parfait majeur de G,ce qui signifie que ces notes sonneront toujours justes avec une basse de G sur les cordes graves, mais que se passe-t-il si on désire aller sur un autre accord ou tonalité? Eh bien il vous est facile lorsqu'on se sert d'un "slide" en open tuning de transposer les "licks" dans une autre position. 

Essayons cet exercice de transposition avec des exemples, examinons cela en pratique. Lorsqu'on joue les trois aigües à la douzième position, on obtient les notes de l'accord de Sol(G) ou la tonique de la tonalité de Sol (G).

Si l'on désire impliquer ou jouer l'accord de Ré (D) ou en analyse harmonique le Vème degré (l'accord de dominante) de la tonalité de Sol (G), tout ce qu'il faut faire est de bouger le "slide" de cinq cases en 7ème position et d'appliquer le même "lick" sur les trois cordes aigües.  Les trois notes de base en G de l'exem-ple1a deviennent les trois notes en VII position de l'exemple1b. Par conséquent le motif (lick) situé en XII position dans l'exemple 2a devient le motif transposé en VII position de l'exemple 2b. Rien de plus simple non! Si l'on désire transposer ce motif en Do (C), il faudra bouger le "slide" en V position et répéter ou transformer un peu le motif (lick) et ainsi de suite pour d'autres accords.  Pour monter en difficulté, Il est possible d'utiliser d'autres exemples notamment ceux de 1 à 7 ci-dessous ou encore de vous exercer sur vos propres idées et exemples de motifs comme dans l'exemple 8.

Bon travail! N'oubliez pas que pour obtenir un son adéquat au slide, il est nécessaire d'être précis sur sa position de départ et surtout d'arrivée sur la position suivante de transposition, en maintenant le slide sur la barrette et non à côté sur la case. De plus il est utile de soigner l'amplitude du mouvement, évitez les hésitations et les accrots cela n'engendre que des déceptions techniques. 

 

open-G-licks.jpg

OpenGSlide_Ex1-8_AG227-copie-1.jpg

chordsheets   slides

 

 

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26 février 2013 2 26 /02 /février /2013 02:56

Dans la ville de Grenade au sud de l'Espagne, se trouve un magnifique château connu sous le nom de l'Alhambra. Ce monument représentatif du pouvoir des Maures sur la péninsule Ibérique il y a des siècles a inspiré de nombreux artistes dont une des plus belles pièces de la guitare classique espagnole, "Recuerdos de la Alhambra" de Francisco Tarregas. Cette pièce qui capture toute la beauté et la poésie de l'Alhambra est célèbre dans le répertoire de la guitare classique. Ce qui rend "Recuerdos" si difficile (mais aussi très beau) est la technique spécifique qui est nécessaire pour l'interpréter "le Tremolo"; la répétition rapide à la double croche d'une note unique sur plusieurs doigts.

Les mandolistes peuvent arriver à produire cet effet de jeu au plectre avec un picking rapide alterné, les violonistes par contre avec des mouvements rapides ascendants et descendants de l'archet. Mais les guitaristes classiques, comme les "fingerpickers", sans plectre et archet, doivent pincer la bonne note avec tous les doigts de la main droite dans un mouvement rapide. Il ne s'agit pas ici d'apprendre à maitriser cette pièce (recuerdos), mais à étudier des exercices et des plans pour arriver à maîtriser et éprouver la technique complexe du tremolo. 

Il y a trois aspects importants à considérer dans la technique du "tremolo" ; la précision, la vélocité et la consistance. Ces trois éléments sont interdépendants. Comme exemple, si on l'est précis, on produira plus facilement un son consistant, par contre si l'on cherche à jouer à toute vitesse en négligeant la précision, la consistance du trémolo en sera marquée. Interpréter avec précision, consistance et vélocité une pièce en trémolo peut être un challenge important. 

Tous les problèmes techniques que vous pourriez avoir tels que des excès de tension, des positions inappropriées des doigts, des ongles trop longs, crochus seront amplifiés par le tremolo. Si vous rencontrez des difficultés, ne vous découragez pas, soyez patients, si certains problèmes techniques ne peuvent être résolus consultez un professeur de guitare et prenez une approche équilibrée voir méthodique dans votre pratique de cette technique.

Plans de Tremolo:

Si vous arrivez à jouer des arpèges, vous arriverez aussi à produire du trémolo, parce que cette technique demande les mêmes doigtés et mécanismes de la main droite que des arpèges requièrent. L'exemple1 est un plan d'arpège similaire dans le doigté à celui d'un plan de trémolo classique. Exercez-vous sur celui-ci avant de passer aux plans de tremolo. Dans la notation classique, on utilise des lettres minuscules (p pour le pouce ,i pour l'index,m pour le majeur,a pour l'annulaire) pour représenter le doigté utilisé à la main droite. Certains disent qu'elles proviennent de la langue espagnole ; pulgar, indice, médio et anular. Pour la guitare classique, la technique du trémolo utilise un plan répétitif de quatre notes similaires sur le doigté p,i,m et a (comme dans le plan d'arpège de l'exemple1). Le pouce produit une  basse sur le 1er temps et les doigts remplissent le reste de la pulsation en double croches sur les cordes aigües. Travailler l'exemple2 et les deux suivants lentement et avec un "pizzicato"( la vélocité et la vitesse seront un challenge pour plus tard). 

tremolo1

l'exemple3 est un plan typique de trémolo utilisé par les guitaristes de flamenco. Le plan se construit autour d'une séquence rythmique en quintolet avec un doigté particulier (p,i,m,a,i) à la différence du plan classique sur quatre notes. 

Ce plan est intéressant à plus d'un titre parce qu'il n'a pas de subdivision rythmique égale que l'auditeur puisse percevoir (l'oreille ne peut aisemment diviser en cinq qu'en quatre temps). Il y a un troisième plan de trémolo possible sur une séquence en sextolet comme dans l'exemple4. Travaillez-le dans un mouvement d'aller et retour sur le doigté;p,i,m,a,m et i avec toujours un effet staccato sur chaque note (le point au-dessus).

tremolo2.png

Il y a un certain nombre d'excellents exercices pour vous aider à développer la technique du trémolo. Nous allons nous focaliser sur deux de ceux-ci; son développement par des accélérations et diminutions de la vitesse et la pratique rythmique en note pointée. Mais avant toute chose, il faut se familiariser avec un outil utile ; le métronome. 

tremolo3

Trouver vos repères, votre référence de base:

Le métronome est un outil vital pour travailler votre technique-le trémolo en particulier et la musique en général.

Le métronome existe dans bien des formes et des tailles, allant de l'outil internet gratuit à télécharger ou le software PDA numérique jusqu'à des appareils multifonctions plus élaborés qui ne font pas que marquer le temps, mais ils indiquent aussi les accentuations, les métriques composées, génèrent des tons d'accordage, donnent l'heure, la date et l'humidité ambiante, avertissent par des petites lumières du temps fort, et ils pourraient jouer de la guitare pour vous (très drole). Tous les exemples présentés ici seront plus efficaces avec un métronome. Pour augmenter votre tempo, votre vélocité, il est possible d'utiliser le métronome pour situer une base de repères. Chercher un tempo sur lequel vous pouvez exercer l'exemple 5 sans trop de difficulté. Commencer par le travailler à un tempo lent de 70 noires par minute ou encore moins s'il le faut. Pendant que vous jouez quatre notes par temps, écoutez attentivement afin que chaque note sonne de manière claire et égale, avec la même attaque, volume et qualité de sonorité. La sonorité de votre pouce peut se faire remarquer comme celle d'un pouce endolori, mais essayer de le rendre égal aux autres doigts. Cela aide d'avoir une attention donnée aux bouts des doigts de la main droite quand ils sont au contact des cordes. Lorsque que vous vous sentez confortable avec le tempo initial de 70 noires par minute, augmentez-le un peu de quelques pulsations.

Essayez le plan de trémolo à nouveau en étant attentif au confort de jeu et à la consistance du son. Sont-ils semblables à ce que vous avez obtenu avant? Si c'est le cas augmentez encore un peu le tempo et refaites les exemples vus. Recommencez l'opération jusqu'à ce que la sonorité commence à être imparfaite et inégale. Observez le tempo; il sera votre ligne de repères. Voyez-le comme une limite temporaire sur laquelle travailler et à dépasser pour progresser. Pour la suite, examinons deux puissants outils pratiques pour vous permettre de faire progresser votre technique. 

Exercices de trémolo

Pratiquer des changements de vitesse et des accélerations peut être un moyen efficace pour améliorer la vélocité du Trémolo. Ce principe s'explique comme une alternance entre des groupes de 4 notes joués à des tempos lents puis suivis ou précédés par des tempos plus rapides. 

tremolo4.png

Travaillez les exemples 6 et 7 en pizzicato ou staccato en commencant à un tempo lent et tranquille. Ces exemples sont deux bons exercices basiques d'alternance de vitesse. Si vous en cherchez d'autres, il existe des recueils de musiciens sur le sujet, comme celui d'un certain Scott Tennant" pumping nylon" dont un chapitre important est consacré à la technique du trémolo. 

tremolo5.png

L'exercice suivant consiste à travailler des plans de trémolo sur des points extrêmes de rythme et de volume, ce que certains musiciens nomment comme "dotted-rythm practice", des plans rythmiques en notes pointées.

A la place de pratiquer les notes de manière égale, il faut au contraire pratiquer le trémolo par un mode rythmique "court -long" ou long-court". ( Dites humpty dumpty de manière répétitive, c'est le rythme en question). Commencez l'exemple8 de manière fortissimo, ensuite recommencez l'exemple à un autre extrême très doucement. Il est crucial que vous vous fassiez violence pour le pratiquer aussi lentement que possible afin de le faire correctement. Ensuite inversez le plan rythmique en "court-long" comme dans l'exemple9. Commencez fortissimo à nouveau pour ensuite travaillez très doucement comme précedemment. Après avoir travaillez les plans aux deux extrêmes, retournez aux rythmes et tempos "normaux" et re-travaillez votre trémolo. Est-ce que vous ne remarquez pas quelque chose? on devrait observer que les plans se jouent plus facilement et que la sonorité obtenue soit plus consistante. 

 

tremolo6

Pratiquer lentement vers la vélocité:

Souvenez-vous de la fable le lièvre et la tortue! Cette comptine fort philosophique met l'emphase sur la valeur de la patience et de la perséverance, sur un progrès progressif et méthodique particulièrement dans le cas de l'apprentissage du trémolo. C'est une technique exigeante, il n' y a pas de doute la-dessus. Comme il n'y a pas de substitut aux conseils d'un bon professeur, pratiquer des exercices tels que des rythmiques en note pointées, et des changements de vitesse (accélération et diminution) est utile pour progresser sur le long terme sur votre technique du trémolo. Jusqu'à quelle vitesse doit-on aller? Il sera utile de se donner une limite de vitesse environ jusqu'à 120 bpm. Si vous vous attaquez à "recuerdos de la Alhambra" ou choississez d'incorporez le trémolo dans votre bagage technique et vos compositions, souvenez-vous de ces trois principes; la précision, la consistance et la vélocité. Soyez patient et appréciez les découvertes que vous ferez par sa pratique. Bon courage et plaisir!

 

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francisco-tarregas-recuerdos.jpg  tarrega-francisco.jpg

 

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24 février 2013 7 24 /02 /février /2013 04:29

Cette pièce a été imprimée et publiée à l'origine dans le "american songbag" de Carl Sandburg en 1927 sous le titre de " Dis mornin and dis evenin so soon". Cette chanson est un bon exemple du genre folk blues, je veux dire d'une chanson dans le sens des sujets bluesy abordés par les paroles ( comme le souligne Sandburg lui-même, l'ambiance est sombre avec une fin malheureuse) mais la forme et le développement harmonique penchent davantage vers la musique traditionnelle folklorique américaine. 

L'enchaînement harmonique E-C"m7 n'est pas typique du blues, donc il s'agit d'une structure harmonique plus atypique, comme l'utilisation d'intervalles de 10 ème majeur et mineur au mesures 4 et 10 qui sont des éléments plus classiques de composition. Par contre le style de jeu en fingerpicking par basse alternée et par des chromatismes (blue-notes)sont le reflet d'un esprit "bluesy" en matière de style musical. Nous avons là un arrangement qui veut mettre en évidence la mélodie, mais cette pièce reste difficile à mettre en place, il faut être patient et travailler en "micropracticing" donc mesure par mesure voir temps par temps quand il le faut. 

Carl Sandburg l' a décrite comme  “a monotone of life in songtones of dusk colors and rhythms that emerge from the shadows.” Les tons musicaux ont des couleurs de crépuscule et les rythmes émergent de l'ombre. 

Cette pièce a été enregistrée de nombreuse fois dans les sixties par des musiciens comme le Kingston Trio, Judith Collins, Sam Hinton, Bob Dylan, Eric Gibb et Dave Von Ronk. 

 

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  chordsheetstell-old-bill2.jpg tell-old-bill.jpg

 

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24 février 2013 7 24 /02 /février /2013 03:22

"Careless Love" est une pièce classique du début du XX siècle du répertoire jazz de la Nouvelle Orléans. Ce traditionnel renommé suscite également des origines obscures pour tout musicologue. L'orchestre de Buddy Bolden, l'un des groupes pionniers du style musical dixieland, fut connu pour avoir arrangé une version de cette chanson. Ce standard a été depuis enregistré par beaucoup de musiciens allant de Pete Seeger à Elvis Presley jusqu'à Bob Dylan. La mélodie de cette chanson a souvent été un thème, un véhicule pour de nombreuses paroles, dont les sujets tournant autour de l'amour, la trahison comme le meurtre furent pertinents pour la musique populaire et traditionnelle aussi bien aux USA qu'ailleurs dans le monde. 

Comme beaucoup d'airs traditionnels, "Careless Love" fut arrangé dans divers et différents genres musicaux penchant la majeure partie du temps vers le blues et le jazz, mais il a survécu à d'autres traitements dans la country, le folk et la pop musique. S'inspirant de la version de Lonnie Johnson de l'enregistrement de 1965 "Unsung blues legend: the living room sessions, voici une interprétation blues ballade. L'enregistrement de Lonnie Johnson crée un climat détendu mais lugubre qui est poursuivit également ici dans cet arrangement plutôt que par des traits guitaristiques particuliers. Cet arrangement pour guitare est écrit dans la tonalité de Mi majeur, qui est souvent une tonalité préférée pour des solos comme pour des parties vocales.

Vous remarquerez que malgré les variations des motifs d'accompagnements guitaristiques qui composent l'arrangement global, on se doit de ne pas perdre la pulsation; un groove relaxant et détendu. Ceci est plus important que toutes les notes et figures rythmiques qui constituent cet arrangement. les doigtés sont difficiles à mettre en place, donc soyez patient et persévérant. Bon travail

carelessLove1 LG

carelessLove2 LG

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ray-charles-careless-love-abc-paramount

 

 

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1 février 2013 5 01 /02 /février /2013 15:08

Cet article concerne plus précisément la main gauche (fretting hand). L'exercice présenté ici est conçu pour développer la coordination; son propos étant de faire en sorte que les deux mains travaillent avec justesse ensemble. Les quatre premières mesures de cet exercice requièrent l'utilisation de l'index de la main gauche. 

il est important d'être en "pointe", d'utiliser le bout du doigt pour appuyer sur la première touche et d'attaquer chaque note et chaque corde par un mouvement descendant tout en gardant un tempo stable (utiliser un métronome pour vous aider). 

Après chaque "downstroke" (attaque en butée à la main droite) soulevez votre doigt complètement sans vous éloignez des cordes pour appuyer à nouveau sur la touche et la corde en question pour la note suivante. 

On aime à nommer cet exercice "finger walking" (marche du doigt) par le fait que l'index "walk", il fait une progression régulière de la corde grave de E vers la corde aigue de E pour revenir en retour sur la Mi grave.

Pour les quatre mesures suivantes, il faudra utiliser le deuxième doigt (majeur) pour exécuter le même mouvement régulier ascendant et descendant (walk) sur la deuxième case de la touche. Sur les mesures 9 à 16 garder votre main gauche dans la même position, mais utiliser l'annulaire et le petit doigt pour les notes sur les cases 3 et 4. Comme il est dit précédemment il faudra veiller à être continuellement en "pointe" avec le bout des doigts et conserver un tempo stable et régulier, dans ce but utiliser un métronome ou n'hésitez à battre du pied pour vous aider à maintenir un rythme régulier d'un bout à l'autre de l'exercice, tout en variant les tempos au fur à mesure de son accomplissement. C'est un exercice simple mais utile à tout débutant guitariste voir bassiste ou encore mandoliste. Pour rendre l'exercice plus ardu, Il y a des variantes comme celles par exemple; de changer les valeurs rythmiques à chaque passage, commencer en noires, puis en croches et ensuite en triolets de croches pour finir en doubles-croches et vous pouvez également faire un travail inverse ou en retour en arrière par rythme cumulé. Vous pouvez varier les motifs par des sauts entre les cordes, vous pouvez aussi montez avec l'index, descendre avec le majeur, remonter avec l'annulaire et redescendre avec l'auriculaire, etc. et travailler avec des nuances et des articulations comme des coulés et pizzicatos. Soyez imaginatifs et constants. 

Develop-Accuracy-EXCERPT.jpg

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1 février 2013 5 01 /02 /février /2013 13:52

Les "guide tones" en terme de théorie d'harmonie sont des accords dit "de septième ou de sixte" réduis à leurs notes basiques sans la quinte; nous avons donc la fondamentale, la tierce (majeur ou mineure), la septième (majeur, mineur et diminué) ou la sixte (majeur et mineur) pour un accord de sixte. Ce sont des accords d'accompagnement que l'on utilise fréquemment dans de multiples genres et styles de musique comme le blues, le jazz et la bossa nova notamment. 

Ces accords ont été popularisés au départ par des musiciens de la "swing era" tels que les guitaristes Freddie Green, Grant Green et Jim Hall ou encore le pianiste Red Garland. Theolonius Monk a utilisé ces "guide tone voicings" pour notifier et accompagner ses excursions improvisées de pianiste solo pendant sa période féconde be-bop.  

Le phénoménal guitariste bebop Tad Farlow a même utilisé ces accords comme structure de base à ces flamboyants solos de guitare. Pour continuer et dans un but de clarification et d'identification en notation, nous allons appelés les "guide tones" ayant la fondamentale sur la sixième corde (E) "root 6 chords" et ceux avec la fondamentale sur la 5ème corde (A) "root5 chords". 

L'exemple 1 illustre des root6 chords et root5 chords pour des "guide tones" de Maj7 et Min7. 

Remarquez comment les "guide tones" inversent leur structure lorsque, il y a des changements de corde. Ce fait est dépendant d'ou se trouve la fondamentale en fonction de la corde. Comme exemple pour le root5 chord, on place la tierce sur la corde de ré (D)(4 corde) et la 7 ème sur la corde de Sol (G)(3ème corde). Alors que pour un root6 chord, on place ces notes dans le sens contraire. Ce qui est dès plus intéressant avec ces "guide tones" c'est le fait qu'ils soient mobiles et transposables, par conséquent il est important de se familiariser avec les diagrammes présentés dans les exercices 2a et 2b. Exercez-vous à produire des cadences II-V-I et anatoles dans différentes tonalités avec ces schémas de notes afin de pouvoir gérer plus facilement des fills-in, des licks, des grooves et des accompagnements jazzy dans des jams et gigs. Bon courage et bon plaisir surtoût! 

 

Guide-Tone-Voicing-Examples.jpg

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Voici deux exemples de plan d'accompagnement utilisant des guides tones et des lignes de basse en "walking bass". En combinant ces éléments simples, on obtient des motifs jazzy pour le moins complexes. A vous de jouer et bon plaisir!

walking-blues-tones.gif

walkbass wt guide tone

 

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17 janvier 2013 4 17 /01 /janvier /2013 07:08

La célèbre mélodie de"Deck of the Halls" est tirée du répertoire d'un Carol gallois de la Saint Sylvestre nommé "Nos Galan" datant du XVIII siècle. Bien que certaines des paroles en anglais peuvent sembler curieuses -"Troll the ancient Yuletide carol" qui peut se traduire par"vient à l'esprit"-, cette chanson est parfaitement adaptée pour être arrangée dans une fonction instrumentale pour guitare soliste ( soit dit en passant, "Troll" signifie chanter haut et fort). 

L'arrangement instrumentale pour guitare solo dont une partie est analysée ici, est établit dans un accordage standard dans la tonalité de Mi majeur. La forme de cet arrangement est un court et agréable "AABA" dont chaque section est longue de seulement 4 mesures. 

Dans cet extrait ci-dessous (l'ouverture "AAB" du premier passage de la chanson), la mélodie est arrangée contre les cordes à vides de E et de B en notes "bourdon", ce qui crée un climat sonore très celtique. Laissez la mélodie et les notes "bourdon" sonner et durer à leur pleines valeurs rythmiques. Les développements harmoniques sur les accords de E, de B de C dièse mineur comme de Fdièse 7 de dominante sont intéressants car ils harmonisent le thème mélodique sans étouffer son potentiel thématique. 

Deck-the-Halls-8BARS.jpg

nos-galan.jpg deck-the-halls-logo.jpg

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11 janvier 2013 5 11 /01 /janvier /2013 08:32

Cette pièce "Guardame Los Vacas" (gardez les vaches!) provient d'une collection de pièces de musique polyphonique intitulé "Los seys libros del Delphin" écrite par le compositeur et vihueliste hispanique Luis de Narvaez (1500-c.1560). "Guardame los Vacas" est une des premières publications et modèles connus du genre musical "thème et variations". Luis de Narvaez est aussi connu pour avoir été le premier compositeur a adapté le style italien du luth à d'autres instruments à cordes. Ce genre fort estimé des compositeurs (thème et variations)se construit autour d'un thème mélodique rythmique central ou sur une progression harmonique de base et Narvaez présente cette idée musicale sous de multiples variantes suivant des méthodes originales. Les huit premières mesures d'un arrangement instrumental classique sont proposées ci-dessous. Cette pièce fait partie du volume 6 de la collection "Los sey libros", elle se construit autour d'un ostinato harmonique et non par d'un thème mélodique comme on peut le constater dans l'extrait ci-dessous.

Narvaez a donc développé sept manières différentes de construire et de composer des variations autour d' idées contrapuntiques et aussi plus modernes en arpèges sur une grille harmonique répétitive. 

Guardame-8-BARS.jpg

Ci-dessous est une page originale en tablature de la Renaissance d'une des variations de Guardame los Vacas.

narvaez_guardame_las_vacas.gifUne version plus complète est présentée ci-dessous ici en notation moderne avec plusieurs des variations. 

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