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30 avril 2012 1 30 /04 /avril /2012 23:54

A cause de son amplitude sonore, ceci en rapport aux instruments comme les vents ou les cuivres voir les percussions, la guitare acoustique a souvent dans le passé été à son désavantage en performance avec un orchestre de musiciens, à moins de n'être que des guitaristes.

Les premiers efforts consentis pour rendre la guitare acoustique plus efficace avec des instruments sonores puissants se sont concentrés à produire des guitares ayants des corps et des caisses plus grandes comme les archtops ou les guitares à résonateur.

 Martin D28E  LloydLoar1.jpeg 

Mais avec le développement technique des radios, des microphones, de l'amplification ainsi que des speakers dans la première moitié du XX siècle, les guitaristes ont naturellement commencé à explorer des voies afin de pouvoir utiliser cette technologie pour leurs instruments.

L'idée lumineuse selon certains, de la guitare électrifiée, à émerger dans les années 30 avec des procédés applicables à la guitare nommés pick-ups pour remplacer les microphones externes de prise sonore. Lloyd Loar, un ingenieur (ci-dessus dans son atelier) a developpé l'un des premiers  micros  bobinages (pick-up) électriques alors qu'il travaillait au début des années 20 pour la petite firme en plein essor "Gibson".

Un bref résumé de l'histoire des "bobinages"

L'idée d'amplifier une acoustique" flattop" guitare, tout en essayant de préserver le son naturel acoustique de l'instrument, se developpa pour intéresser plus de sociétés dans les années 50. 

Les premiers essais developpèrent le "J-160E" de chez Gibson, qui combinait un simple bobinage(single coil) magnétique P-90 avec une guitare acoustique "flattop" un systeme qui fut aussi populaire pour les "solidbody et archtops guitares de l'époque. 

A la fin des années 50, la firme Martin commença à produire et offrir un micro rosace nommé le "DeArmond soundhole pickup" et des boutons de contrôle d'effets montés sur la caisse de ses D-18E et D-28E dreadnought modèles comme le montre la photo ci-dessus.

Pendant ce même temps, les sociétés Ovation et Baldwin ont commencé à investir dans d'autres projets mieux adaptés. Baldwin a travaillé dans les années 30 sur un système d'amplification pour le piano acoustique et a produit les premiers pick-ups pour Ovation avant que cette société produise ses propres systèmes d'amplification.

Le système piezzo(pick-up)

Les pick-ups de Balwin et d'Ovation se sont orientés vers un système dit "piezzo" constitués d'éléments fixés sous le chevalet qui enregistrent les changements de pression sur les cordes pendant que la guitare est jouée.

Le piezzo bobinage d'Ovation qui est apparu pour la première fois au début des années 70, offre un contraste sonore notable avec les pick-up magnétiques par le fait qu'il produit pour les musiciens un son plus naturel et acoustique que celui obtenu par les autres types de bobinages qui produisent un son plus électrique. 

Cependant la technologie des pick-ups n'a cessé de progresser, depuis le début des années 80, nous avons 4 types de systèmes d'amplification sonore; les pick-ups magnétiques, les pick-ups piezzo sous le chevalet, les micros rosaces et puis les microphones externes. Il y a encore  tous les micros inventés depuis et plus modernes qui tombent dans ces quatre catégories.

chordsheets

 StimerPickupST48Petit preampli-egaliseur-piezo-guitare-acoustique.jpg

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28 avril 2012 6 28 /04 /avril /2012 23:30

Cette chanson "Whiskey in the jar" raconte une histoire de brigandage et d'une trahison romantique qui a été populaire pendant une période de plus de 200 ans. C'est un sujet et une chanson avec une authentique attitude qui a été reprise par presque tout le monde depuis les "Dubliners" sur le cd "irish drinking songs" jusqu'à Metallica sur le cd Garage, inc" et elle ne montre aucun signe de veillissement ou de déperdition de la scène "pub" traditionnelle. Les huit premières mesures sont présentées ci-dessous. 

Il est difficile par les paroles de savoir avec précision où le drame a eu lieu. Pendant des années, maintes personnes ont chanté la première ligne en incluant " the far gilgarry mountains" , souvent insconcients d'avoir tronqué le nom de ce lieu en référence à leur jeunesse. Mais il n'y a nul besoin de les blamer sachant qu'il existe beaucoup de versions de cette chanson dans les paroles et les harmonies voir les arrangements. Des lieux tels que "Far famed Kerry mountains" ou bien "Cork and Kerry Mountains" seraient des mots plus précis pour être exact. Et Shame Mc Gowan des Pogues a chanté lui "Kilmagenny Mountains" même si l'endroit le plus proche de ce nom en Irlande est la "Kilmaganny Parish" dans le county de Kilkenny. Donc prenez les paroles de cette chanson dans une forme tolérante et ouverte d'esprit en prenant comme référence les montagnes qui vous semblent les plus appropriées. L'arrangement pour guitare d'accompagnement ici représenté, utilise deux techniques; soit en fingerpicking de basse alternée avec une ligne mélodique assez simple et un plan de "strumming" combinant la basse et des accords pleins, ceci dans la même mesure. Bon travail! 

 

wiskey-in-a-jar.png

 

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  whiskey-in-the-jar-cMetallica-Whiskey-In-The-Ja-498753 

 

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28 avril 2012 6 28 /04 /avril /2012 11:00

Les accords ouverts (dits open tunings) ont été utilisé par plusieurs parmi les plus grands guitaristes de blues et de rock voir encore de metal ou de folk à partir des seventies, tels que Bukka white, Blind Blake, Robert Johnson, Jimmy Page, Duane Allman, David Crosby, Ry Cooder, Rory Gallagher, Jo Satriani etc., soit pour le jeu au "slide" ou soit en "fingerpicking" voir encore pour des compositions originales.

Jetons un regard sur quelques accords de base utilisés en open tuning de Sol (G), l'un des accordages les plus utilisés en blues et en rock tel que par; Robert Johnson, Blind Blake, Ry Cooder, Sonny Laundreth, Jimmy Page et Keith Richard.

L'harmonie en open tuning G

Pour commencer, il faut avant toute chose s'accorder en G (D,G,D,G,B,D) à partir de l'accordage standard en E, A, D, G, B, E (Em11). Il existe différentes possibilités de s'accorder en G suivant les cultures musicales et les instruments. Un adepte du slide en dobro (guitare à résonateur) peut s'accorder différemment comme ainsi en G "bluegrass"; G,B,D,G,B,D. Il y a des différences ici avec le "spanish" tuning vu précédemment; les notes G et B sur les cordes graves. On peut aussi être en G tuning avec des guitares de 7 ou 8 cordes en se basant sur l'accordage de 6 cordes tels; (D)GBDGBDE pour un son swing ou encore celui-ci (D)GBDGBDF pour un son bluesy funky.  Ainsi donc l'accordage en "G tuning" se fait en baissant la corde de Mi grave et aigu en ré, puis la 5ème corde de la en sol. Les cordes de ré, de sol et de si soit les 4ème, la 3ème et la 2ème cordes restent les mêmes qu'en accordage standard.

C'est un aspect important à mettre en évidence et à se souvenir car tous les éléments connus sur ces trois cordes en accordage standard que ce soit les schémas de gammes, les intervalles et les diagrammes d'accords restent utilisables en G tuning.

La cadence basique  I-IV-V ou classique IV-V-I est facile à trouver en open tuning de G (exemple1) en faisant un balayage à vide pour le G (I°) puis de faire un barré en 5ème position pour C(IV) puis en 7ème position pour le D(V), ( le terme "position"désigne l'emplacement du premier doigt dans un diagramme) tout ceci à travailler avec des séquences rythmiques différentes et variées si possible. 

 

open-G-chords.gif

 

Après avoir étudier et travailler ces accords de base pendant une certaine période, il sera bienvenu d'apprendre à jouer d'autres accords. Que ce soit des harmonisations de la gamme de G le long du manche par exemple avec des "voicings" en mineur. Près du sillet, on trouve quelques diagrammes d'accords plutôt intéressants. Si vous placez vos doigts comme un accord de Am7 ou C6 en standard, vous produirez un accord au son puissant et cool et si vous ajoutez la 5ème corde vous aurez un accord de C7 plus bluesy (exemple 2a). Cela place la tierce mineure de la gamme de G (ou la 7m de C7) en basse et donne un timbre chaud et root à l'accord ainsi posé. L'accord de D7 n'est pas aussi efficace pour le son que le C7, car la 7ème mineure se trouve sur la deuxième corde et de ce fait se marie plus globalement à la sonorité de l'accord, par contre la note de ré sur la basse et sur l'aigüe donne un beau son rond à l'accord dans sa diffusion. En enlevant le doigt de la 5ème corde on obtient une triade de D qui sonne agréablement bien dans cet open tuning. Pour vous en convaincre écoutez Led Zeppelin (that the way) et l'Allman Brothers band ou encore Robert Johnson voir Eric Clapton sur Malted milk.

 

chordsheets

 

podcast--51.jpg

Le box pattern en open tuning de G

Il existe également des plans de gammes à étudier en open tuning de G. Celui que préfère une multitude de musiciens rock et blues dont Duane Allman ou Ry Cooder est le Box Pattern ouvert ou fermé. Voici ci-dessous ces diagrammes. Etudiez-les dans diverses tonalités le long du manche. Le plan fermé est transposable, il est ici présenté en Sol en 12ème position, en 10ème position il sera transposé en Fa, en 9ème position il sera en Mi, en 7ème position, il sera transposé en Ré, etc.

L'open tuning chez les Rollings Stones

Keith Richard, le guitariste rythmique bien connu des" Rolling Stones" a eu le plaisir d'apprendre la technique de l'open tuning sous différents types d'accordage par le musicien us Ry Cooder. De ce fait l'open tuning est devenu un élément important et distinctif du son de ce guitariste dans ses compositions et ses riffs percussifs rythmiques. Voici des petits exemples; "you cant always get what you want" ou "Brown sugar". Keith Richard utilise des petits enrichissements des accords (note suspendue de quarte et add 9); ce qui les rend plus intéressants. 

 

cant always get

Ci-dessous le tube "Brown Sugar" des Rolling Stones. Observez la cadence plagale G-C et C-F dans l'introduction. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

L'open G tuning dans le blues    

L'open tuning est un élément essentiel du développement du blues aux USA, parce qu'il a été original dans la manière de l'utiliser par les musiciens noirs autodidactiques qui ont construit une culture musicale de manière empirique, en tâtonnant et en cherchant des accordages qui leur permettaient de jouer facilement. En exemple ci-dessous, le style de Willie Brown en open G tuning est à la fois simple, dynamique et efficace. Essayer de travailler ce blues pour vous en convaincre! Bon courage! soyez constant et méthodique dans l'apprentissage d'un morceau; commencer par travailler la ligne de basse et la ligne mélodique ensuite individuellement, puis combinez-les ensemble lentement mesure par mesure. 

 

Willie-BROWN.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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20 avril 2012 5 20 /04 /avril /2012 12:29

Dans cet article, nous allons étudier le jeu guitaristique en "slide" dans un accordage fréquent dans la country, le blues, le rock voir la musique hawaienne, car il est utilisé également par de nombreux musiciens sur ces îles du pacifique. Ainsi donc des graves aux aigües, nous avons en G tuning comme notes ; D-G-D-G-B-D  .

Pour commencer il serait intéressant de travailler le slide en G tuning par des plans sur les trois cordes aigües en parcourant la touche jusqu'à la 12ème case, ce qui sonne de la même manière que les cordes à vide mais une octave au-dessus. Cette approche du jeu au slide est nommée en "position fermée" parce qu'il n'y a pas de notes à vide intégrées, et ainsi chaque note est jouée au slide.

 

slide in G

 

Du fait que nous devons utiliser plusieurs cordes dans l'exercice1 pour placer la mélodie, il vous sera nécessaire d'appliquer un doigté précis pour chaque corde, par exemple l'index pour la corde de Sol ("G"); le majeur pour la corde de SI ("B") et l'annulaire pour la corde de Mi aigüe ("E") ou vous pouvez aussi utiliser que 2 doigts l'index et le majeur. L'exemple1 au-dessus est un bon exercice pour mettre en place et travailler ce doigté comme la technique en slide bien sûr.

 

slide-in-G-2.png

 

Le fait de situer un plan sur plusieurs cordes, rend possible l'habilité à pouvoir jouer en slide sur une corde, pour ensuite plus rapidement pincer et attaquer une corde adjacente. Pourquoi vouloir faire cela me diriez-vous? Simplement parce que c'est intéressant et créatif comme vous vous en rendrez compte avec les exemples 2 et 3 ci-dessus.

L'exemple 4 est un mouvement un peu plus complexe avec deux parties en slide sur la même corde dont une pour conclure. Bon plaisir pour la suite !!

Il existe des slides de différentes grandeurs et matériaux, soyez attentifs à choisir le bon outil suivant le type de cordes et de guitare sur lesquelles vous allez vous exercer à cette technique. Pour un jeu en acoustique beau-coup de guitaristes préfèrent un slide en acier chromé, voir en cuivre ou en alliage de métaux, pour l'électrique le choix se porte souvent sur un slide en verre ou en terre cuite mais plus rarement.

 

slides

 

Les exemples suivants vont vous permettre d'enrichir votre partition intérieure avec quelques plans courts, mais utiles, ceci afin de développer des improvisations et composer des mélodies en G dans un accordage autre que le standard.

L'exemple 8 combine plusieurs idées de motifs afin de créer un petit solo de 8 mesures. Soyez expressif et lyrique. Ne cherchez pas à battre des records de vitesse, mais travaillez l'amplitude et le feeling dans les mouvements du slide. Bon travail ! 

 

OpenGSlide_Ex1-8_AG227.jpg

 

generate scales in open G.php

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20 avril 2012 5 20 /04 /avril /2012 11:36

L'air "Star of the county down" est une des plus belles balades de la culture celtique irlandaise. Pour votre plaisir auditif et le rendu vocal, on ne trouve pas meilleure version que celle de John Mc Cormack que l'on peut trouver sur le CD en trois sets "Legendary irish tenor". La culture traditionnelle irlandaise a produit des centaines de titres et d'airs faisant référence et prétendant que les filles et femmes d'un certain county ou d'un village soient les plus belles du pays, voir du monde entier. Que soit vrai ou non, celui qui a écrit cette douce ballade était certes épris d'une fille nommée Rose.

La pièce est ordonnée dans une métrique binaire continue en 3/4 typique des airs irlandais, ce qui donne plus d'espace aux paroles. La tonalité est à la mesure des airs celtiques soit en mi mineur eolien modal.  Il s'agit ici de ne pas l'interpréter dans une tempo trop rapide, cet air demande du lyrisme et de la légéreté dans son interprétation.

Un verset en 16 mesures est présenté ci-dessous. L'accompagnement combinant des basses sur les fondamentales et les accords dans les aigus, concentre l'attention sur la mélodie vocale tout en conservant un style propre à la musique celtique. La progression harmonique est ici originale; T-bVI-V-bVII-T-V-T-bVI-V-bVII-T-bVI-T mais comme beaucoup d'airs elle commence et finit sur la tonique de la tonalité.

 

0418-starofthecounty.gif

 

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18 avril 2012 3 18 /04 /avril /2012 17:51

L'"open tuning" comme anglicisme (accord ouvert en français), se définit comme une manière alternative d'accorder une guitare, une basse, une mandoline ou un violon(ceci en opposition et en relation avec le standard en Em11) et donc d'appréhender différemment les diagrammes d'accords et les gammes sur le manche de l'instrument mais non dans leurs constructions théoriques. On retrouve cette manière d'aborder la technique guitaristique et sa sonorité chez les premiers "bluesmen" noirs du Mississipi voir chez les musiciens hawaïens également et orientaux. Cependant ce principe et les techniques qui en découlent ont déjà été utilisés sous d'autres formes et genres chez les violonistes, harpistes, luthistes et les guitaristes de la Renaissance et du Baroque. Les "Bluesmen" afro-américains et autres "countrymen" l'ont développées, dans la mesure où ils ont souvent été autodidactes, afin de faciliter le jeu et la sonorité harmonique de la guitare lorsqu'on combine le "bottleneck" et un jeu en fingerpicking. Ce qui évite aussi parfois du fait cette sonorité globale des cordes, certaines fausses notes par la combinaison de la mélodie et des accords sonnant de manière sympatique comme une sitar.

 

Open-D1.jpg

 

Un exercice harmonique en open D avec d'intéressants "voicings" (diagrammes) dans le style de Bob Dylan. Observez l'utilisation des cordes à vides pour enrichir la sonorité harmonique. 

Slide et open-tuning

Le jeu au "slide ou bottleneck" devient plus aisé dans sa sonorité en accords grâce aux "open tunings"(accords ouverts). Ce fut l'une des raisons de son emploi par les musiciens ayant adopté la technique du slide dans leur carrière artistique, tels que Robert Johnson, Blind Blake, Tampa Red, Keb Mo, Ben Harper, Ry Cooder, Chris Rea, Rory Gallagher, Duane Allman etc.

Pour illustrer l'open tuning en D voici un standard de Blind Blake qui a été repris par plusieurs musiciens dont Eric Clapton, Jorma Kaukonen, Keb Mo et ici Ry Cooder. 

Ce morceau est arrangé en finger picking blues de basse alternée. Je vous recommande de travailler celui-ci mesure par mesure pour mieux appréhender sa mémorisation et toutes les  difficultés techniques apparaissant dans ses plans.

Prenez votre temps pour maitriser les plans de la ligne de basse et la ligne mélodique, si cela vous est difficile au début, n'hésitez pas à les travailler de manière autonome en "micro-practicing". C'est à dire en divisant le travail pratique en commencant et en identifiant la ligne de basse, pour ensuite y rajouter la ligne mélodique, puis les deux lignes ensemble mesure par mesure avec patience. Vous devrez utiliser les effets de jeu par la suite dans l'interprétation. Voilà bon courage !!. Le plan du finger-picking ci-dessous est le même pour chaque couplet plus ou moins avec des petites variations. 

La version de Jorma Kaukonen sur le disque Quah es intéressante. Le tempo est rapide donc travaillez-le d'abord lentement pour ensuite augmenter la cadence, mais Blind Blake le jouait plus lentement. ici ce blues est transposé en open tuning de E, mais cela est jouable en D comme le jouait Blind Blake. Ci-dessous quelques exercices en open de G et de D en style de basse monocorde. 

 
Ci-dessous est représenté un break comme le joue Jorma kaukonen sur son 
disque "Quah", cela est similaire à celui de Blind Blake, il y a plusieurs breaks dans le morceau, ici est représenté que le 3ème qui est le plus intéressant. 

 

policeB3.gif

polic-edog-blues-lyricks.jpg
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12 avril 2012 4 12 /04 /avril /2012 00:29

Le picking en basse monotonique ou monocorde est un style comme une technique de jeu instrumental en "fingerstyle picking" que l'on trouve dans le blues du Mississipi. C'est un style rythmique assez répandu chez les guitaristes du Texas tel que Lightnin Hopkins ou Mance Lipscomb, mais certes on le retrouve chez d'autres musiciens notamment de la Nouvelle Orleans tel que Lonnie Johnson. En combinant une ligne de basse régulière avec votre pouce et quelques plans mélodiques libres et improvisés avec vos doigts, vous pouvez organisez vos chaudes jams de blues toute la nuit sans jamais vous lever de votre divan. Ce style de jeu guitaristique se retrouve dans d'autres genres de musique aussi bien en Jazz, en classique qu'en musique folk celtique voir latine ou africaine. 

Le terme monotonique se définit en découpant le mot en deux parties ainsi; mono signifiant seul ou unique comme dans les mots monopoly ou monopole et tonique signifiant ici note, ainsi donc le jeu monotonique veut dire un style avec une basse unique répétitive. Les bluesmen du Texas comme Lightnin Hopkins et Mance Lipscom ont été deux des musiciens les plus représentatifs de ce style de jeu à la guitare dans le blues, mais si vous êtes prêt à passer un peu de votre temps à mettre en place ce groove particulier, vous pouvez en être aussi quel que soit l'endroit où vous vous trouvez et le style adopté. Ce type de basse produit un jeu comme un accompagnement puissant et "musclé" dans le sens d'une présence rythmique accentuée. 

Pratiquez la ligne de basse

Assez logiquement, il est nécessaire de commencer par maîtriser en premier lieu la ligne de basse qui demande une régularité métrique dans son application. Pour ces exercices, nous allons nous accorder en drop D cela veut dire de baisser la corde de Mi d'un ton. Le but sera de produire une ligne de basse stable en noires sur une note grave en D (ré) (exemple1). Pour amener donc une combinaison avec une ligne mélodique comme dans l'exercice 2

 

monotonic-picking.png

 

Ex1-bass-only.jpg

Techniques particulières

Vous pouvez également si vous le désirez, étouffez légèrement les cordes basses avec la paume de votre main droite, pour produire un son plus lourd et percussif dans le style de Lightnin Hopkins. 

Comme aucun groove rythmique, ni aucun plan mélodique ne sont en violation avec un code intergalactique de musicien, nous pouvons y ajouter et pratiquer la ligne mélodique. Tout d'abord placez une gamme descendante blues en ré avec vos doigts pendant que le pouce produit une ligne de basse stable et régulière comme il est montré dans l'exercice2 .

A chaque fois que vous pincez la corde basse avec votre pouce, vous devez en même temps pincez une corde aigüe avec un de vos doigts soit l'index ou le majeur. Ce type de mouvement instrumental est appelé une pincée (a pinch). L'exemple 2 est une série de notes de ce mouvement particulier interprétées dans une pulsion rythmique similaire et régulière.

N'hésitez pas à chercher d'autres exemples dans des partitions de musiciens roots du Texas et du Missisipi comme également celles de  musiciens comme Eric Clapton ou Kep Mo voir Ben Harper. Bon travail!!.

Blues traditionnel en monotonique picking

Voici un exemple de blues traditionnel en picking monocorde dans la tonalité de Mi. Il est dès plus simple mais son efficacité réside dans l'astuce de garder un groove soutenu et régulier dans la ligne basse sur la 6ème corde. Toute l'interprétation et le feeling blues sont dans le rythme "shuffle" ternaire qu'il vous faut conserver tout le long du morceau avec puissance et stabilité dans la coordination entre basse et mélodie. Et remarquez le turnaround typique en sixte. 

 

M03S04 monotonic e

Picking traditionnel gypsy et celtique 

Ce jeu particulier de picking se retrouve dans divers styles de musique comme ci-dessous en musique dite gypsy(balkan) et celtique dans un accordage modal en Dsus4 (D-A-D-G-A-D) typique de cette musique. 

Un autre exemple plus complexe et contemporain mais celtique malgré tout

   

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5 avril 2012 4 05 /04 /avril /2012 11:31

La coordination entre la main gauche (fretting hand) et la main droite (picking hand) est essentiel pour produire des notes jouées proprement avec la bonne intonation. L'exemple 1 est un plan de gammes chromatiques qui couvre toutes les notes pouvant être jouées en 1ère position. Travailler cette gamme lentement, se concentrer à soulever et à placer doucement et équitablement  les doigts de la main gauche sur la touche et soyez attentif à ne pas soulever le doigt avant que la note ait sonné de sa complète durée de noire et que la note suivante soit jouée. Tels sont les paramètres à adopter lors du travail de synchronisation des deux mains, il y en a d'autres tel que la précision, la consistance, la régularité, la fluidité du jeu mélodique, etc.

 

picking-coordination.jpg

Eviter les bruits parasites

Pour éviter des sons non désirés et désagréables, la main droite (picking) doit pincer ou frotter la corde au même moment où la main gauche presse sur la corde dans une case (avec le temps, vous apprendrez d'autres techniques pour passer proprement d'une note à une autre). Quand une note plaquée sur la touche est suivie par une note sur une autre corde comme le G dièse au début de la 2ème mesure, le doigt doit se soulever juste assez pour que la corde soit au-dessus de la touche, mais le doigt doit garder un léger contact momentané avec la corde avant de la relâcher complètement. Cette action amortit la corde, prévenant toutes sortes de sons désagréables de se produire après que la corde soit relâchée. Il y a trois points essentiels à conserver à l'esprit  en ce qui concerne la main gauche (fretting hand), le placement des doigts sur la touche et dans les cases, l'orientation des doigts lors du placement des doigts et la pression à adopter pour obtenir un son propre sans effets parasites, ces trois points sont l'essentiel sur lesquels travailler pour éviter les problèmes de bruitage intempestifs. 

chordsheets

 

explanation

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4 avril 2012 3 04 /04 /avril /2012 15:58

Les propos que l'on entend le plus souvent dans des "jams" de blues à travers le monde, ce sont ceux-ci ; "faisons un shuffle en E". Le rythme shuffle crée un type de climat "swing" qui fait toujours son effet sur des danceurs et permet à une fête ou un concert de bien débuter. Il y a plusieurs manières d'aborder et d'interpréter ce "beat" (tempo).

Voici le style shuffle de Chicago rendu célèbre par Jimmy Reed avec des chansons comme" you have got me runnin" ou "take some insurance on me baby".

 

shuffle-in-e.jpg

 

L'exemple1 est composé juste sur deux cordes basses. Noter que la première note du plan est la fondamentale de l'accord en question "E" et qu'elle commence en levée sur la dernière croche (pick-up) du quatrième temps de la mesure d'introduction. Travailler cet exemple en mouvement alternatif "aller et retour' pour le mouvement de la main droite voir en mouvement "aller" (dowstroke)  pour les guitaristes débutants et soyez attentif à utiliser des effets de blocage(mute) à chaque changement de corde. 

Si vous n'êtes pas familier avec cet effet de jeu, sachez que cela signifie simplement que votre main gauche (tranche de la main) va temporairement étouffer, voir bloquer la 5ème corde juste après que vous ayez attaqué la 6ème corde comme dans l'exemple1.

La technique dit de "rest stroke" en vocabulaire us donne de la puissance à votre jeu et aide pour la mise en place et le feeling métrique. Alors quand vous faites ce "roulement de pouce" (rest stroke) sur la corde attaquée, cela donne à la note une durée complète avant d'attaquer la suivante. Ceci est crucial pour être dans le bon "groove shuffle". Il est important de garder une régularité dans le rythme, donc Il faut éviter de ralentir ou accélerer le tempo car cela va altérer le feeling bluesy de ces gimmicks. Le but du rythme "shuffle" est d'être comme on dit là-bas "in the pocket" et cela veut dire aussi de donner à chaque note sa bonne durée dans l'espace rythmique.

 chordsheets

 shuffle in A

 shuffle

   Un plan shuffle en basse doublée agrementé de séquences en triolets avec une blue note (tierce mineure) notamment ici le do. 

blues-shuffle-with-triplets

Pour terminer un "gimmick" complet pour un Blues shuffle en E7 bluesy. il combine un esprit walking boogie avec un beat shuffle de chicago relativement modéré à 120 noire par minute. Utiliser le même plan de picking et de doigté tout le temps. 

blues_rock_etude_-_rhythm_part.jpg

Quelques plans divers en basse doublée pour développer des gimmick shuffle de Chicago Blues soit en A, en D,en C, en B mais avec des variantes intéressantes. 

OpenShufflePossibilities.jpg

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30 mars 2012 5 30 /03 /mars /2012 23:07

Jouer de la guitare n'est pas un sport, mais cela est malgré tout une activité qui demande certains efforts de notre corps donc quelque chose de relativement astreignant pour les muscles de nos bras, de nos mains et du haut du corps. Il est important de prêter une attention à des points précis comme la posture et la position qui auront des effets sur votre confort de jeu comme sur le succès de votre pratique de la guitare.

Tout est dans les poignets

Que l'on joue avec un plectre/ médiator ou aux doigts, il est important de travailler dans un positionnement avec le côté supérieur (l'opposé de la paume) de votre main droite(main de picking) aussi plat que possible.

 

main gauche 

 

Lorsque la position est adéquate, le haut du poignet et l'avant-bras doivent former une ligne droite. Mais le poignet doit permettre aux doigts de se positionner de manière perpendiculaire aux cordes afin d'avoir un angle d'attaque de celles-ci adéquat. Afin d'assurer une position confortable et sans tension, il faut toujours être aussi détendu que possible lorsque nous jouons sur l'instrument. Les bénéfices de ces pratiques sont les mêmes pour des guitaristes que pour des athlètes; c'est à dire améliorer l'endurance, la force, la souplesse et la vitesse de jeu.

Garder la main gauche détendue est tout aussi important.

Cela permettra d'augmenter la portée de votre main et vos doigts, le long du manche ainsi que de pouvoir délier vos doigts sur la touche. Vous aurez aussi une plus grande facilité à choisir des positions les plus atypiques dont vous rêvez pour votre jeu.

Détendre les épaules

Vous devez aussi parvenir à rendre les épaules aussi détendues que possible. Lorsque nous nous concentrons sur quelque chose de nouveau, nous produisons de la tension dans le haut du corps, sans nous en rendre compte. C'est assez commun chez tous les guitaristes débutants. Vous pouvez détendre vos épaules simple-ment en prenant une grande inspiration d'air et en expirant lentement; une technique propre à la sophrologie également pour faciliter la gestion du stress lors de performances en public. 

Si vous avez un miroir à la maison, utilisez-le pour vérifier la position de vos épaules et également de vos mains et poignets quand vous jouez de la guitare. Elles doivent pendre naturellement comme si vous étiez dans une position verticale, donc debout. Il important de pouvoir se remettre en question dans son positionnement des mains et la posture du corps. Ce sont des bases de travail importantes donc pensez-y afin de ne pas prendre de mauvaises habitudes car elles seront plus difficiles à gommer avec le temps. Bon travail 

 

chordsheets

 

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