Cette pièce "Guardame Los Vacas" (gardez les vaches!) provient d'une collection de pièces de musique polyphonique intitulé "Los seys libros del Delphin" écrite par le compositeur et vihueliste hispanique Luis de Narvaez (1500-c.1560). "Guardame los Vacas" est une des premières publications et modèles connus du genre musical "thème et variations". Luis de Narvaez est aussi connu pour avoir été le premier compositeur a adapté le style italien du luth à d'autres instruments à cordes. Ce genre fort estimé des compositeurs (thème et variations)se construit autour d'un thème mélodique rythmique central ou sur une progression harmonique de base et Narvaez présente cette idée musicale sous de multiples variantes suivant des méthodes originales. Les huit premières mesures d'un arrangement instrumental classique sont proposées ci-dessous. Cette pièce fait partie du volume 6 de la collection "Los sey libros", elle se construit autour d'un ostinato harmonique et non par d'un thème mélodique comme on peut le constater dans l'extrait ci-dessous.
Narvaez a donc développé sept manières différentes de construire et de composer des variations autour d' idées contrapuntiques et aussi plus modernes en arpèges sur une grille harmonique répétitive.
Ci-dessous est une page originale en tablature de la Renaissance d'une des variations de Guardame los Vacas.
Une version plus complète est présentée ci-dessous ici en notation moderne avec plusieurs des variations.
Cet accordage alternatif appelé "Drop D tuning" parfois par certains musiciens anglo-saxons est populaire dans la technique guitaristique du basse alternée parce que les trois cordes de basse font partie de l'accord parfait majeur de ré, la fondamentale et la quinte.
Cela vous permet d'interpréter des mélodies de notes seules sur les cordes aigües, sans vous soucier de savoir où sont et quelles notes de basse à situer harmoniquement. Il s'agit avant tout d'une fréquence rythmique constante sur des noires en alternance voir l'exercice 7.
Ci-dessous, un de mes instrumentaux favoris de Jorma Kaukonen l'ex-guitariste du jefferson airplane et membre de hot tuna, c'est à dire "Embryonic Journey". Il le joue dans la tonalité de ré avec cet accordage en Drop D tuning. Pour la construction de la pièce, il utilise comme point central une cadence plagale D-G en 7ème position avec des coulés ascendants (hammer-on) comme indiqué dans l'exercice 8. C'est ce qui rend cette pièce assez difficile à travailler, mais cela reste certes un modèle du genre. Cette pièce instrumentale fut le premier morçeau de fingerpicking intégré sur un disque de rock dans les sixties, le "surréalistic pillow" sorti en 1967 du Jefferson Airplane, le groupe de rock de San Francisco en Californie.
Ci-dessous voici en plus quelques mesures d'Embryonic Journey" composé par Jorma Kaukonen). Il s'agit du thème principal en Ré sur deux accords. L'arrangement de fingerpicking est en "basse alternée" plus proche du ragtime dans l'esprit, mais moins dans la sonorité bien sûr.
La grande difficulté technique pour cet instrumental reste dans l'exécution des "hammer-on"(coulés) en 7ème position, ce qui est plus hardu que l'on pense à première vue. Pour palier à cette difficulté, il peut s'avérer utile et surtout nécessaire de conserver une pression régulière de l'index en demi-barré sur la 7ème touche tout en produisant les coulés sur deux cordes et sur une corde parfois bien sûr. Il est recomandé pour accéder à bonne maîtrise de cette technique, de faire des exercices d'endurance sur cette position afin d'arriver à produire un son propre et précis. Pratiquez en "micropracticing" cette pièce, tout comme les doigtés, ainsi que la ligne de basse et mélodique, l'interpétation en sera que plus facile par la suite. Soignez également les glissandos en double stops à la 3ème mesure et 7ème mesure de l'extrait ci-dessous.
Alors que la plupart des chansons de Noêl que nous considérons aujourd'hui comme des standards ont été composés dans le dernier demi-siècle, "the Holly and the Ivy est un classique durable du repertoire celtique qui date de plusieurs sièclesm mais d'origine inconnue . Sa belle mélodie succinte mais expressive en fait l'un des favoris saisonniers (noêl)pour les vocalistes voir même pour des instrumentalistes.
Dans l'extrait ci-desous d'un arrangement instrumental solo pour guitare, la mélodie (un simple thème de huit mesures) est indiquée et établie dans un mode doux et accessible. Avec une mélodie aussi élégante, il serait malvenu de changer et d'obscurcir quoi que ce soit. La version complète inclut plusieurs passages complémentaires par le biais de la mélodie; tels une brève introduction, un outro et de courts interludes harmoniques entre les tensions et les efforts de doigtés. Les techniques de composition comme celles-ci permettent aux arrangeurs d'ajouter une touche plus personnelle aux chansons et aux pièces mélodiques simples sans pour autant devenir trop répétitif et d'altérer la mélodie de base.
Ci-dessous une version mélodique pour une mandoline voir un bouzouki irlandais accordé dans ce but.
Ce morçeau de musique plutôt swing "the beaumont rag" composé à la base pour violon est l'un des favoris des jams de musiciens aux USA. Il a prit naissance dans le Texas de l'est près d'une ville nommée fort justement "Beaumont" qui a donné son nom à ce Rag. Mais son origine exacte demeure toutefois inconnue. Il a le plus souvent été enregistré par des musiciens "country" que par des ragtimers ou des musiciens de jazz.
Enregistré pour la première fois en 1920 par le " Smith garage fiddle band" et par les "East texas serenaders" puis une dizaine d'années plus tard par les "Bob Wills Texas Playboys", il a été originellement écrit dans la tonalité de Fa majeur. Il est probable que la transposition dans la clé de Do a eu lieu quand Doc Watson le guitariste folk aveugle us a eu une prise sur celui-ci.
Doc Watson a intégrer ce Rag à son répertoire quand il a commencé à tourner dans le circuit folk aux USA dans les années 1962 et son enregistrement live en 1964 avec Clarence White au festival de Newport à consolider cette aprroche d'une tonalité en Do majeur pour ce Beaumont rag à la guitare (on ajoute parfois un capodastre à la deuxième case). Mais certains tradition-nalistes purs et durs insistent encore à l'interpréter en Fa majeur. Si vous rencontrez de ces farceurs puristes, il vous suffit de placer un capodastre en 5ème position et jouez-le avec le sourire. D'autres musiciens ont plus tard transformés ce Rag de ces racines violonistes texanes pour le re-baptiser "Julius Finkbine’s Rag". Il apparaît de cette manière dans l'enregistrement live des "Kentucky Colonels" circulant à la fin des années 60 et au début des années 70. Une performance incroyable de ce Rag peut être entendue sur le live des "Kentucky colonels, living in the past". Ici, cet arrangement ci-dessous, inclut de multiples effets d'ornementation typiquement dans le style country, soyez efficace dans votre interprétation autrement cela sonnera quelconque. Bon plaisir!
Pour conclure une version plus complexe de ce Rag en D. Travaillez-le avec patience mesure par mesure (micropracticing). Cet arrangement en finger picking demande autant de feeling que de virtuosité pour l'interpréter correctement, soignez les ornementations tels que les hammer on et pulling of. Travaillez d'abord la ligne de basse puis la rythmique et les accords et pour terminer l'arrangement complet avec les ornementations quand la mise en place est acquise.
Sur un manche de guitare, un même ton (note) peut être interprété sur plusieurs cordes en différentes positions , ce qui rend la lecture et la transcription souvent difficiles pour un guitariste débutant comme également l'apprentissage pour d'autres instruments à cordes comme la basse, la mandoline, le banjo. En accordage standard, à l'opposé de l'open-tuning, les cordes à vide sont désignées des graves aux aigües par E1, A1; D2,G2, B2; E3 (les chiffres indiquent des sauts d'octaves, donc E3 est deux octaves au-dessus de E1). Pour ces notes, vous aurez souvent le choix suivant les pièces de musique entre le fait de les jouer en corde à vide ou en note dite "frettée"( donc plaquée par un doigt sur la touche).
Observer l'exercice1et on y pratique d'abord des notes sur cordes à vide et ensuite les mêmes mais en étant "frettées" cette fois-ci sur la corde adjacente plus basse que la corde à vide ( ce sont les mêmes repères que lorsque vous accordez votre guitare). De manière logique, il n' y a pas d'équivalent "fretté" à la corde E1 à vide.
La décision de choisir une note à vide ou "frettée" est prise en fonction de plusieurs considé-rations souvent techniques plus qu'esthétiques,voir stylistiques. Une de celles-ci peut être tout simplement l'aspect pratique de facilité pour le doigté, cela répond à la question; est-ce facile à interpréter?
Une autre de ces considérations est celle du contrôle de la durée d'une note donc c'est un choix calculé ; donc rythmique. Est-ce que la note doit terminer avant que la suivante commence ou peuvent-elles se chevaucher ? Nous connaissons déjà la possibilité de contrôler cette durée avec la main droite et la main gauche par des effets de blindage, de blocage (muting) sur les cordes. Ainsi donc, observons comment ces deux considérations peuvent-elles être employées et affecter le choix d'un corde à vide ou "frettée' dans un phrasé mélodique.
Le choix esthétique ou rythmique
Beaucoup de notes dans l'exercice2 sont interprétées en corde à vide par convénience, par esprit pratique; cela donne moins de travail et de tension à la main gauche et donc cela favorise la vélocité dans le jeu. Pour la main droite; les notes tombent plus facilement et confortablement sous le doigté.
En jouant complétement l'exercice2, on remarque que les cordes à vide sonnent pleinement et que cela donne un son plus plaisant, plus limpide. Toutefois, si la nature d'une pièce musicale demande à ce que des noires durent précisemment de manière rigoureuse, il faudra que la main droite stoppe la durée des notes par une technique dit d'étouffement/blocage"(muting) des doigts attaquant les cordes juste après l'attaque par pincement ou en buté. Suivant cette idée, interpréter l'exercice2 une deuxième fois plus lentement en s'employant à libérer les notes attaquées d'après leur valeur rythmique écrite pour ensuite bloquer les cordes à vide avec le doigt qui l'a attaquée pendant que l'on prépare la note suivante. Cela rend le passage beaucoup plus difficile. Bon travail pour la suite sur d'autres exemples et pièces de musique.
Julian Arcas né en Andalousie (1832-1882), fut certainement le plus important guitariste espagnol classique de son temps au XIXème siècle. Il fut un compositeur-interprète, mais il fut surtout connu pour avoir été le maître virtuose de Francisco Tarrega, qui l'entendit jouer en concert en 1860 dans la ville De la Planà.
L'amitié qui lia Julian Arcas au luthier et compatriote d'Almeria Antonio Torres fut à l'origine de la naissance d'un design de guitare classique nommée Torres, qui incarna un jalon important comme un bond considérable dans l'histoire de la lutherie de la guitare latine et sa qualité sonore. Ce fut Arcas qui après avoir été impressionné par les améliorations au niveau du volume et du timbre du design Torres, encouragea le concepteur à continuer à travailler dessus.
La production musicale d'Arcas comprenait des thèmes originaux, des arrangements et des mélodies inspirées du folklore andalou. Ayant grandit dans la région du Sud de l'Andalousie, dans le coeur même du style flamenco qui devenait de plus en plus populaire en ce temps là. De ce fait, il n'est pas étonnant que ce contexte culturel particulier ait influencé les compositions originales d'Arcas. Le très vivant et dynamique "Boléro" en 3/4 est représentatif des racines culturels ibériques de Julian Arcas. Les 4 première mesures de la pièce sont présentées ci-dessous. Le travail du jeu guitaristique combine des arpèges ascendantes en plan rythmique de doubles croches et croches, suivit de parties harmoniques en pincé Am et E7 un cliché traditionnel de flamenco.
Les éléments rythmiques et techniques du style romantique espagnol comme les doigtés d'arpèges et l'alternance entre basses et accords, sont identifiables dans ces quatre mesures. Observez bien les signes pour la main gauche et la main droite. La grille est en La mineur un autre aspect typique andalou comme la cadence I-V7-I. Mais nous n'avons pas ici des rythmiques en sextolets comme elles apparaissent dans le Boléro de Ravel, ce sont des compas(plans) rythmiques plus typiques du Fandango et de la Buléria. Bon courage!
A partir de la troisième position et plus haut, il devient possible de combiner des notes frettées et à vide afin de produire des intervalles ascendants et descendants sur des plans de cordes non séquentiels.
Cette technique de jeu guitaristique est appellée "cross-strings" picking. A titre de comparaison, commencer par jouer la gamme mineure en Sol de l'exercice 3 à la troisième position qui utilise que des notes "frettées".
Ensuite travailler la même gamme mineure en Sol mais en "cross-strings" de l'exercice 4. Les dix premières notes de ce plan alternent en aller et retour de manière ascendante et descendante sur les cordes pour terminer seulement dans un mouvement descendant.
Le fait de comprendre et de visualiser la tablature est un bon moyen pour mémoriser la technique de "cross-strings" picking. Une fois que le Si bémol est joué sur la troisième corde, le reste des notes de la gamme progresse logiquement des cordes graves vers les aigûes, ceci à cause du fait que les notes B et E en tant que cordes à vide ne font pas partie de la gamme mineure de Sol , donc il n'est pas possible d'utiliser la technique de cross-strings dans ce passage du plan. Pour correspondre davantage à la texture "legato" de la technique "cross-strings", il est nécessaire d'utiliser les coulés (hammer et pulling-of) pour lier les notes de l'exercice 4. Soyez attentif aux doigtés en picada ( alternance index-majeur) et en pulgar(pouce) et picada (i et m) de l'exercice 4.
Rien ne peut battre un "flatpick" quand il s'agit d'interpréter des mélodies précises, des riffs percutants comme des solos rapides et fluides. Mais apprendre à manier un plectre peut être difficile voir épineux, surtout quand il s'agit de cibler des cordes individuellement, à l'opposé de simplement "balayer" des accords.
Dans cet article, nous allons explorer quelques techniques essentiels en "flatpicking" afin d'aquérir des compétences et de la confiance pour passer du stade de doux "gratteur" à celui de véloce "picker".
Le picking dit simple ( aller par downstroke)
Produire des notes avec des attaques descendantes donne un gros son plein avec un volume maximal et de la projection. Pour acquérir le "feeling", et la manière pour cette technique, essayer l'exercice 1 ci-dessous, inspiré du célèbre riff "Pretty woman" de Roy Orbison. Après avoir pincer ou attaquer la corde de la note avec votre plectre, ôter celui-ci de la corde pour la laisser vibrer librement. Mais n'éloigner pas votre main et votre plectre trop loin de la corde, car il est important de demeurer près de celle-ci afin de pouvoir attaquer rapidement la note et la corde suivante.
Le "picking" dit alterné (aller et retour mouvement deux directions)
Il y a certes une limite à la vitesse et la fluidité à laquelle peut accéder un adepte le plus confirmé du "downstroke".
Le secret de la vélocité réside plutôt dans la patience, un travail progressif en tempo et dans la combinaison d'attaques montantes et descendantes avec le plectre. La manière la plus simple de commencer avec cette technique est d'alterner avec rigueur les deux mouvements; chaque attaque descendante doit être suivie d'une attaque dans le sens opposé quelque soit la corde sur laquelle on joue ou la séquence rythmique imposée par des exercices et vos besoins de progression dans le savoir pratique instrumental. Donner la priorité au mouvement de votre poignet, celui-ci doit être souple et précis dans les attaques des cordes, privilégier la tenue du plectre avec peu de surface d'attaque plutôt que le contraire. Cela donnera plus de consistence à votre jeu en flatpicking et de plaisir.
Ensuite rien de tel que de mettre en pratique ces techniques de "Flatpicking" sur un petit instrumental celtique traditionnel irish The Boys of Bluehill. Il s'agit d'un Hornpipe en D majeur plutôt simple sur trois accords majeurs D,G et A. Un Hornpipe est donc une dance ancienne et traditionnelle en binaire avec un tempo rapide dans la musique celtique et aussi un instrument à vent. Vous constaterez que le jeu en "flatpicking" est plus mélodique qu'harmonique dans la musique "bluegrass" et country en tout cas et bien sûr d'autres musiques traditionnelles. Ici il faut privilégier le picking alterné sur les croches et le picking simple sur les accords en noire. Il faut travailler d'abord lentement et augmente le tempo au fur à mesure. Bon courage
L'accordage de base en Em11 de la guitare n'est pas la seule possibilité de sonorité qui s'offre aux guitaristes à la recherche d'expérimentation. Il existe d'autres possibilités d'accordage de la guitare tel l'accord ouvert (open tuning) qui consiste à accorder les 6 cordes d'après les notes d'une triade (3 notes) ou tétrade (4 notes) comme celui ici en ré majeur (D-A-D-F#-A-D).
Cet "open tuning" a été et est toujours populaire chez bien des musiciens, qu'ils soient des vocalistes, des joueurs de "slide" et des instrumentalistes de tous niveaux et de toutes cultures musicales. Les exemples célèbres et non moins tels; les "yellow taxi" de Joni Mitchell, ou "Handsome Johnny" de Ritchie Havens ou encore "le Vigilante Man" de Ry Cooder et le fabuleux "Little Martha" de Duane Allman" sont parmi d'autres de ces exemples pratiques en D tuning.
Utilisation de l'open tuning
Cet accordage dit "ouvert" pour les francophones, met en évidence la tonalité de Ré mais il est non moins possible de s'en servir pour expérimenter d'autres tonalités avec un peu d'effort et de créativité. Bien des musiciens de slide blues, rock ou folk changent pour s'accorder un ton plus haut en E(Mi) (E-B-E-G#-B-E) ce qui tend davantage les cordes et donne une sonorité plus brillante aux accords, mais attention cela produit davantage de tensions sur le manche et le chevalet, donc choissisez cette option avec une dobro ou une national steel. Ce sont les mêmes diagrammes d'accords que vous pourrez utiliser avec une transposition un ton au-dessus.
L'exercice ci-dessous vous montre quelques accords de base en open D tuning. Travaillez-les en différentes cadences harmoniques tels que I-IV-V-I ou I-II-V-I ou I-VI-V-IV-I et ceci dans d'autres tonalités. Expérimentez vos propres séquences harmoniques et rythmiques avec de courts plans mélodiques et combinaisons de cordes et de notes s'intégrant dans les enchaînements harmoniques.
Le Box Pattern en Open D et E
Il existe des plans de gammes à étudier également en open tuning. En voici un de particulier, le Box Pattern blues utiliser par de multiples musiciens dont Duane Allman de son temps. Ce diagramme est transposable le long du manche, il est ici en 9ème position en Mi, en 7ème position il sera en Ré, en 5ème position en Do, etc. C'est un plan fermé et mobile, le plan ouvert avec cordes à vide existe aussi en bas du manche.
Voici quelque uns de mes diagrammes d'accords favoris en open tuning de Ré ou de Mi si l'on monte toutes les cordes d'un ton. Il s'agit d'une harmonisation de la gamme de D en triade et par l'utilisation de cordes à vides pour enrichir l'harmonie en accords de 7. Donc l'harmonisation diatonique donne; D-Em7-F#m7-G-A-Bm-C#m7b5. Un mélange de triades et tétrades. On peut évidement se contenter des triades ou des tétrades en changeant certains diagrammes et en omettant certaines cordes.
et une pièce intéressante en open D "Lakes of Pontchartrain"utilisant les diagrammes d'accords sus-nommés et le bottleneck. Bon plaisir
Pour conclure un extrait de Little Martha arrangé par Léo Kottke en open de D mais vous pouvez aussi le travailler en open tuning de E. La seule différence sera la tessiture et en D tuning votre manche sera moins sous tension tout comme le chevalet, l'open de E est préférable avec une Dobro ou une national steel,car le chevalet et le manche sont plus adaptés à cet accordage.
Alors que le conducteur machiniste John Henry fut un personnage légendaire mis en scène dans une chanson du même nom, "Morris Slater" (dit Railroad Bill) fut lui de chair et de sang. Il fut un homme noir d'Alabama qui de son vivant a assassiné plusieurs shérifs en 1895 qui lui cherchaient des noises et pendant toute l'année qui suivit, avant d'être abattu par des chasseurs de primes et échappant à bien des pièges pour le capturer, il commit plusieurs hold-ups audacieux et spectaculaires de trains. Cette chanson traditionnelle du repertoire américain en fait l'écho et a été arrangée en folk et en blues de bien des manières par des musiciens connus comme Bob Dylan et Woody Guttrie ou encore Lomax et Will Bennett.
Arrangement en slide G tuning
Cette chanson qui est avant tout un traditionnel pour le banjo à 5 cordes, peut très bien s'interpréter en "slide" guitare en open tuning de G. Commençant par une tierce en liaison jouée au slide en combinaison avec des basses à vide sur les cordes graves, l'arrangement mélodique ici inclut également des accords au bottle-neck sur 5 cordes aux mesures 7 et 8. Ce style en basse alternée et "bottleneck" demande un bonne synchronisation entre la mélodie au slide et l'accompagnement de "fingerpicking" en basses alternées. Travaillez lentement avec précision et méthode de division des ligne basse et mélodique si cela est nécessaire.
Exercez-vous à bouger votre "slide" latéralement tout en laissant la 5ème corde sonner à vide pour un temps de croche sur le 3ème temps en croche de la mesure 7, ceci tout en maintenant le plan de basse alternée avec le pouce. Cet arrangement avec ces cordes à vide rend l'interprétation plus facile en apparence car il faut arriver à donner du feeling et du dynamisme à la ligne de basse tout en plaçant la ligne mélodique en "slide". Pour son apprentissage et la mémorisation, n'hésitez pas à diviser votre travail mesure par mesure, en jouant d'abord la mélodie puis la ligne de basse et enfin de combiner les deux pour votre plus grand plaisir je l'espère en tout cas. Patience, constance et persévérance sont les mots clés pour progresser.
Une version plus complète est présentée ci-dessous ici en notation moderne avec plusieurs des variations. 
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