Musicology and guitar styles

Comment entretenir sa guitare

Il est important de garantir une maintance régulière de son instrument afin qu'il sonne juste et soit en parfait état. Le nettoyage de sa guitare est le premier stade d'une maintenance efficace; En premier il faut se débarasser tous les jours des empreintes de doigts, des taches et de la simple saleté sur les cordes comme ailleurs pour éviter que tout cela s'accumule. Un chiffon doux en coton ou en fibres artificielles est la meilleure chose à utiliser pour polir et nettoyer une guitare. De nombreux fabricants d'accessoires d'instruments proposent des chiffons spécialement conçus pour l'entretien sur une guitare acoustique ou électrique. Mais un vieux morçeau d'un tee-shirt en coton tissé peut aussi très bien faire l'affaire surtout s'il a été lavé plusieurs fois ce qu'il lui oté certains résidus encombrants et abrasifs. Il faut se méfier des serviettes en papier car elles peuvent rayer la finition sur une guitare surtout sur un vernis ancien ou artisanal en gomme lacque. 

Pendant que vous nettoyez votre guitare particulièrement le haut et l'arrière, vous remarquerez quelques endroits qui demeurent difficile à nettoyer parfaitement. Les empreintes digitales, les taches comme les salissures peuvent répondre avec aisance à une trace d'humidité. "Huff" un souffle chaud d'humidité de votre bouche comme vous le feriez sur l'intérieur d'un pare-brise d'une voiture afin de le nettoyer. Ce petit souffle de condensation peut être un élément d'humidité suffisant pour nettoyer une zone difficile sur votre guitare. Si vous avez besoin de plus de puissance de nettoyage, essayer d'humidifier le chiffon de nettoyage avec un détergent doux mélangé à de l'eau. Mouiller le chiffon ou le tissu et non la guitare. De cette manière vous serez à même de contrôler la quantité d'eau au contact de la guitare. L'idée est d'utiliser le moins possible d'humidité et de produit, afin qu'elle ne passe pas dans les minuscules vides dans la finition. Suivez de suite le tracé du chiffon humide avec un chiffon sec afin d'éviter de laisser et d'éliminer des traces sur l'instrument. 

Vous pouvez trouver de nombreuses politures et des produits d'entretien pour guitare sur le marché qui sont essentiellement de trois types différents; les produits à base d'eau- ceux crémeux à base d'eau mais avec un fin abrasif et les produits à base d'huile(lin, citron etc;). Les nettoyants à base d'eau qui ont une certaine transparence (demi-transparent) doivent être vaporiser sur le chiffon de nettoyage plutôt que sur l'instrument directementet et ils vont mieux nettoyer les salissures solubles à l'eau. 

Les politures crémeuses ont un léger effet abrasif et de ce fait elles doivent être évitées si vous avez une guitare avec une finition matte( trop de polissage va créer un effet de semi-brillance et laissez des spots aléatoirs de brillance sur la finition d'origine). Les produits à base d'huile vont éliminer les tâches huileuses mais ils n'auront aucun effet sur les salissures solubles dans l'eau. 

Peu de choses dans une journée de musicien guitariste permettent la sensation de jouer sur un instrument neuf et préparé avec soin. Tout soudain ce qui semble aussi dur qu'une hâche devient du beurre, chaque corde va sonner comme une cloche de la première "frette" jusqu'en haut du manche et le plus simple accord de G sonnera comme une symphonie. Vous vous souviendrez pourquoi vous aviez "flashé" sur votre instrument au premier contact avec celui-ci. 

Les guitares sont des instruments ajustables (adaptables et réglables) donc il n'est nul besoin de travailler avec un instrument qui "buzze"(vibre) ou qui est trop dur à jouer. Les ajustements comme les réglages peuvent et doivent être fait régulièrement voir périodiquement en fonction de votre style de jeu et de la tension favorite de vos cordes. Ils devraient être fait également en fonction de la nature changeante du bois naturel et de la réaction d'une guitare à la tension des cordes et des changements climatiques. 

La définition d'un réglage(set-up) peut tout englober d'un changement de cordes et son ajustement de tension à un travail plus global afin de corriger l'intonation, l'angle du manche, la hauteur du sillet, du cordier et des micros et plus encore.  Si vous êtes à l'aise pour changer vos cordes et faire des réparations mineures, vous devriez l'être également pour faire certains ajustements de base par vous-même. 

Alors que vous devez investir dans certains outils simples pour travailler, vous ferez des économies sur le long terme en faisant certains réglages par vous-même au lieu de devoir payer un luthier pour le faire. Mieux encore vous allez comprendre les facteurs qui font qu'une guitare va sonner et se jouer comme le désirez suivant vos idées et votre style de jeu. 

La maintenance  de la touche 

Parce que la touche d'une guitare acoustique ou électrique n'a en général pas de finition qui lui est appliquée en usine ou en atelier, elle devra être nettoyée et entretenue avec une méthode différente de celle qui s'applique pour le corps (table d'harmonie, éclisses et fond). Quelques compagnies manufacturent des produits uniquement et spécialement conçus dans ce but tel que le "dunlop's fingerboard cleaner" et le "Dean Markley's love potion" en sont deux exemples. Et vous pouvez aussi utiliser un peu de fine laine d'acier(0000-grade)afin d'éliminer certains dépôts sur la touche après avoir ôter les cordes bien sûr. La laine d'acier fonctionne particulièrement bien sur des touches sérieusement dégradées et cradingues et vous pouvez aussi l'utiliser pour polir vos barettes. 

Assurez-vous de déplacer votre laine d'acier de manière parrallele au grain et veinages du bois afin de minimiser les égratinures. Si vos barrettes semblent toujours ternies après le passage de la laine d'acier, vous pouvez utiliser éventuellement le "Planet waves Fret polishing system" qui se compose de cinq feuilles de papier de polissage et des gabarits de protection pour éviter que la touche soit rayée par le frottement. 

Afin de compléter le nettoyage et l'entretien de la touche de votre guitare, appliquer une goutte ou deux d'extrait de citron ou de l'huile minérale de Lin ou encore un des quelconque conditionneurs dont le but est de nourrir le bois. Parsemez-en sur un chiffon et frottez la touche afin de le faire pénétrer le bois. La plupart des fabricants de produits d'entretien pour guitare offrent un composé d'huile de citron à cet effet. N'en abusez pas, car le trop plein mettra du temps à sécher et rendra vos efforts d'entretien caduque en attirant la saleté et la poussière sur votre touche fraîchement nettoyée. Vous n'avez pas besoin de le faire souvent une à deux fois par année est largement suffisant, certains musiciens attendent plusieurs années pour le faire. 

Les réglages du Truss Rod (tige d'acier de réglage dans le manche)

Quand une guitare de qualité quitte l'usine et ses ateliers, la barre de tension(tendeur tirant) en métal du manche est réglée suivant les spécificités et le goût de la manufacture. Cependant un changement dans la tension(gauge) des cordes tout comme les conditions climatiques particulièrement un changement du taux d'humidité et tout simplement votre goût de guitariste peuvent imposer de nouveaux réglages, même sur un instrument neuf.

Si vous avez eu au départ une guitare sonnant avec justesse, mais qui a developpé avec le temps une action dure et raide, il devient nécessaire pour vous d'apprendre comment régler le manche et sa "truss rod" afin de conserver à votre instrument cette justesse de ses débuts.

Cette barre de réglage est une fine tige de métal d'alliage intégrée dans une section du manche perçée à cet effet. Une des extrêmités est filetée afin de recevoir un écrou ajustable qui est accessible soit depuis la rosace ou soit depuis la tête avec une clé imbus ou allen. L'autre extrêmité est ancrée de manière à donner à une des extrémités un moyen d'ajuster de la tension par une action de serrage ou de relâchement.

Il y a deux types de "truss rod" ajustables; un avec une simple action dans un sens et un autre avec une action double dans les deux sens. Le simple redresse le manche contre la tension des cordes et la courbure du manche, le double peut non seulement redresser le manche en cas de besoin, mais cela peut permettre de donner à un manche de guitare endommagé une configuration d'inclinaison soit droite ou courbée. Ainsi donc la tige de tension doit être ajustée quand le manche présente des courbures inapropriées soit concaves ou convexes. Une guitare classique ou latino n'a pas besoin de "truss rod" du fait de la tension moins importante des cordes en nylon sur le manche, on renforce en général le manche avec des bois durs, ce qui nécessite malgré tout avec le temps des réglages sur le manche. 

Serrer ou desserer la "truss rod" ajoute ou diminue de la tension dans le manche et sur la tige d'acier. De manière générale serrer l'écrou va éloigner les cordes de la touche et relacher de la courbure(upbow). Desserer l'écrou va au contraire relacher de la tension sur les cordes et créer de la courbure du manche. Une courbure contrôlée est connu pour donner du relief. Cependant avec un simple "truss rod", si le manche se déforme par la tension des cordes aucun relachement dans l'écrou va permettre d'obtenir un manche droit, car la tige fonctionne que sur la tension des cordes. C'est pour cette raison que les tiges doubles ont fait leur apparition dans les eighties et à être utilisée plus globalement pour les guitares.

Il y a deux signes primaires qui sont observables quand le "truss rod" demande un réglage. 

1- Quand il y a un changement visible de tension et d'action des cordes; la hauteur des cordes devient trop haute ou trop basse sur la touche, le scénario le plus usuel est le fait que les cordes changent de tension alors que le manche devient convexe ou concave de courbure. 

2- Certaines cordes se mettent à "buzzer" contre les barrettes entre le sillet de tête et la cinquième case. Cela indique que le manche est soit trop droit ou que la tension de la tige est devenue plus lâche avec le temps ce qui rend le manche plus concave ou convexe en rapport à la courbure adéquate. 

Ajuster votre chevalet et l'action sur le "saddle"(sillet de chevalet)

Si votre jeu vous sonne faux et que votre manche a été proprement ajusté et réglé, il est temps de s'occuper de votre chevalet et de son "saddle" (sillet)la pièce blanche en synthétique ou en os sur laquelle reposent les cordes. Pour baisser de la hauteur et l'action des cordes, il vous faudra limer votre "saddle" pour ôter de la matière sur celui-ci. Pour augmenter l'action des cordes, il vous faudra installer un autre "saddle" plus grand ou rajouter une cale sous l'ancien "saddle" pour l'élever. Si certaines cordes sont à la bonne hauteur et d'autres sont trop hautes ou trop basses, il vous faudra réadapter le haut du "saddle". Sinon, il sera plus simple et plus prudent de le faire sur le dessous du "saddle". 

Pour augmenter l'action sur les cordes, je recommende de choisir un "saddle"(sillet) neuf et adapté à votre chevalet de préférence en os, bien que vous pouviez en obtenir de nouveaux en matière synthétique. Ce n'est pas toujours la meilleure solution de faire un "saddle" soi-même ou de le transformer afin qui s'ajuste. Si vous ne pouvez en trouver un, à ce moment calez-le pour l'ajuster. Du placage en bois dur est un bon choix et facilement disponible. Le placage a habituellement une épaisseur de 0.32 inch. Il peut être poncer s'il vous faut une épaisseur moindre ou se superposer pour obtenir une plus grande épaisseur. Il faut qu'au moins que la moitié du "saddle" soit intégrée dans la rainure autrement il risque de s'incliner en avant ou de casser la pointe et le devant du chevalet. Faites très attention si vous avez un micro piezzo sous le chevalet car changez le "saddle" peut altérer la balance acoustique entre les cordes. Si vous devez baisser la hauteur du "saddle", du papier de poncage fixe sur une surface plate fera très bien l'affaire. Faites simplement glisser le "saddle" en avant et en arrière sur la surface du papier de verre, attention à garder le bas du "saddle" bien plat. Il peut être utile de marquer avec un crayon la limite à poncer sur le "saddle" afin de ne pas ôter trop de matière.

Ajuster le sillet de tête

Un sillet de tête ou "Nut" a plusieurs fonctions importantes sur des instruments à cordes comme la guitare. Situer à la fin de la touche là où la tête joint le manche, le "Nut" sillet sert à donner un espacement adéquat entre les cordes et d'ajuster l'action de celles-ci dans les bas-registres de la touche. Différents matériaux vont influencer la sonorité d'un instrument comme la guitare et un sillet de tête mal ajusté va aussi grandement influencé le jeu du musicien. Pour une raison parmi d'autres (fentes usées, un changement dans la tension des cordes, une cassure complète, le besoin d'un espacement différent entre les cordes) le sillet de tête (Nut) a besoin d'être remplacé et ceci peut être fait par soi-même par tout guitariste débutant ou confirmé. 

Cette opération se classe parmi les réparations les plus routinières, mais utiliser votre propre jugement pour y procéder. Si vous n'êtes pas attentif, il est possible de tout rater, donc procéder lentement et avec précision.

Les Sillets de tête(Nuts) sont fait de différentes matières; le plastique et ses dérivés sont communs et souvent ils sont légers et mous, ils absorbent le son, le bruit. Remplacer des sillets par du matériel plus rigide peut donner à une guitare une sonorité plus réceptive et gaie. 

D'autres matériaux synthétiques incluent un polymer spécial (graph tech's tusq) qui essentiellement filtre certains lubrifiants et du Slip-Stone qui est fait d'un auto-lubrifiant appelé Delrin. Ces produits donnent une densité plus constante que les matériaux naturels et de plus ils peuvent améliorer l'accordage par leur texture 

glissante. Les guitaristes qui préfèrent un son brillant ou qui veulent rendre un instrument peu expressif plus brillant peuvent choisir un matériel très rigide comme de l'ivoire fossile ou du nacre qui donne souvent une sonorité plus nette et concentrée. 

Un des matériaux le splus communs pour les sillets de tête (Nuts comme pour les saddles) est de l'os de vache écru. Cette matière est facile à mettre en forme et incise des fentes avec précision, elle donne un beau polissage et sonne bien. Bien qu'il soit possible de se procurer des sillets de tête déjà façonnés, je préfère travailler avec du matériel brut parce qu'il n'est pas limité par la dimension et l'espacement des cordes. Le matériel vierge sont de l'os généralement de forme rectangulaire mais qui est plus large que les sillets de tête finis et il peut s'adapter à toute forme d'instrument. 

Comment réparer les bruits parasites (buzz,rattles)    

Lorsqu'on joue sur une guitare, celle-ci vibre, la table d'harmonie plus particulièrement, mais le manche et la tête sont affectées par l'énergie de la vibration des cordes. Toute partie lâche ou desserrée de la guitare peut bourdonner (buzz) ou cliqueter(rattle) de façon audible, parfois quand seulement quelques notes sont jouées.

Certains éléments bourdonnent sans être visiblement lâches à l'oeil nu et cela peut être un gros travail de recherche que de repèrer où et quoi bourdonne. Souvent une partie lâche peut être localisée en frappant avec l'articulation du doigt en divers endroits sur la guitare. Par exemple si vous frappez sur le corps et qu'un bruit parasite semble venir du manche, eh bien cela voudrait signifier qu'un élément serait lâche dans la tête ou le manche. Si un bruit apparaît quand vous frappez sur le dos, cela voudrait dire qu'une entretoise serait décollée en partie à l'intérieur de la caisse. 

Quand vous essayez de localiser un cliquetis ou un buzz, la tête est un endroit évident pour commencer à chercher car beaucoup d'éléments y sont vissés. Presque chaque partie de l'accordeur a le potentiel d'avoir une pièce lâche ou dessérée et de commencer à bruiter. Les écrous qui tiennent en place les chevilles et les mécaniques ou d'autres pièces de lutherie ont des rondelles dessous pour protéger le bois de la tête. Ces écrous de mécaniques sont bien serrés en usine, mais avec le temps ils peuvent devenir lâches ceci à cause du travail du bois ou du métal. Donc après plusieurs mois, il serait utile de resserer ces écrous pour éviter des buzzs lorsqu'on joue.

Un autre endroit à vérifier pour des bruitages divers est la protection du "Truss Rod", une plaque en matériaux divers qui peut s'ôter pour atteindre le boulon de réglage. Cet élément comme la rondelle dessous peuvent aussi être lâches et procurer des bruitages désagréables lors de la pratique. Même si l'angle de votre manche est optimal, c'est généralement une bonne idée de serrer le boulon du "truss Rod juste assez pour qu'il ne se desserre pas et permette pas à la rondelle dessous d'être nuisible par un bruitage. Le "Truss Rod" lui-même peut érafler ou éraser les parois de son logement dans le manche et se mettre à faire certains bruitages quand on plaque même avec douceur certains accords ou notes. Si l'on change l'ajustage de la tige juste un poil, cela peut suffire à arrêter les "rattlings" bruitages qu'il provoque. 

De notre temps, les pré-amplis électroniques intégrés dans la caisse de guitare acoustique sont devenus usuels.

Cependant ajouter un "pick-up" peut signifier ajouter des éléments lourds qui peuvent vibrer et faire des buzzings, particulièrement avec le temps lorsqu'ils deviennent fébriles par les vibrations des cordes à l'intérieur du corps. En considérant comment tous ces fils se baladent dans un corps de guitare, on peut être surpris qu'ils ne vibrent et cliquetiquent pas plus souvent. Si des fils sont trop baladeurs et bruyants, gardez-les silencieux en simplement les retenant dans certaines positions avec un adhésif adapté. 

La composition musicale n'est pas simplement un "art", mais c'est un don qui plus est une habilité qu'il faut développer par la pratique en appliquant des techniques qui ont fait leurs preuves. Afin de surmonter cette page blanche tant redoutée à l'écriture d'un "bridge"(pont) de maîtrise, nous allons analyser dans cet article comment utiliser votre guitare pour écrire une nouvelle ou votre première pièce musicale. 

Plusieurs des meilleurs "licks" et riffs" d'artistes célèbres comme les Beatles, Led Zeppelin, Neil Young, AC-DC, Tool, Mountain etc. sont construits à partir de fragments de diagrammes d'accords simples. Vous pouvez utilisez ces mêmes diagrammes d'accords pour composer des riffs qui en étonneront plus d'un pour vos propres chansons et pièces instrumentales. 

Lorsque l'on observe une triade, un accord de trois notes(T-3-5), un musicien débutant n'est pas conscient du potentiel harmonique pour la composition qui se cache derrière un diagramme basique en position serrée. De multiples artistes tels que Jimmy Page, Georges Harrison, Neil Young, Jony Mitchell, Peter Toshwend etc. ont su exploré ce potentiel. Prenez votre temps pour observer des riffs efficaces construits autour d'un développement d'une triade comme ci-dessous, l'introduction de "Thank You" du II opus de Led Zeppelin. 

Gardez à l'esprit cette forme harmonique triadique en "triangle" lorsque vous explorez l'exercice1. En premier lieu, nous avons une triade de Ré en seconde position serrée, ensuite il est suivit d'accords d'ornement "suspendu" de quarte et de seconde, d'un accord de sixte, d'un 1er renversement, d'un accord enrichi d'une 7ème majeur en basse et d'une sixte en basse. Tout un processus de développement harmo-mélodique afin de créer un riff dynamique enrichi. 

Ces développements harmoniques sont obtenus en bougeant un doigt ou deux de la position de base en triade.

Ce qui nous intéresse davantage ici est la technique d'enrichissement d'une progression harmonique autour d'un même accord plus que l'étude des noms de ces accords qui restent nécessaire à connaître pour les identifier.

Travaillez le doigté pour chaque accord avec un simple balayage et progressivement travaillez la coordination et les enchaînements avec plusieurs accords comme l'expose l'exemple1 sans créer un plan rythmique sur ceux-ci, ce qui ce fera par la suite. Une fois que vos doigts sont à l'aise avec les doigtés, les diagrammes et les enchaînements, vous pouvez les utiliser pour créer des mélodies harmonisées. L'exercice2 expose pour commencer une mélodie simple rythmiquement qui se focalise sur une monodie. La clé maintenant pour faire sonner l'exercice3 comme cette mélodie de l'exemple2 et non comme une simple grille d'accords est de faire ressortir ces notes par une harmonisation adaptée. Observez également que le balayage se situe sur 4 cordes dans la première et deuxième mesures, mais celui-ci change pour se situer sur deux et trois cordes sur la troisième et quatrième mesures. Ceci devant être fait avec précision parce qu'il est important donc de mettre en relief la mélodie sur les deuxième et la troisième cordes. 

Retravailler une chanson existante

La page blanche et une guitare silencieuse sont fort intimidants aussi bien pour un guitariste débutant que pour un auteur-compositeur chevronné. Composer exige un acte de foi que vos émotions et vos idées soient considérées comme valides et valent le besoin d'expression peu importe de ce que votre critique intérieure ait à dire. Tout auteur-compositeur apprend par la pratique, et de ce fait il n' y a pas de savoir et d'apprentissage efficace sans le savoir-faire. Il est dit que le meilleur moyen de commencer à écrire des chansons et d'éviter le syndrome de la page blanche est de créer et bricoler avec une musique ou une chanson existante. 

Comme par exemple de créer de nouvelles paroles sur une simple mélodie connue ou non, greffer les paroles d'une chanson sur une mélodie différente ou encore d'improviser des couplets dans la structure de chansonnettes et de comptines. Oublier le fait d'être intelligent ou signicatif, ce qui importe est de raconter votre routine quotidienne, jouer avec les sons, tout ce qui peut et doit permettre aux mots et aux notes d'être fluides, de couler. 

Certaines formes musicales sont tellement ancrées dans notre ADN qu'elles forment une rampe de lancement adéquate pour un(e) auteur-compositeur débutant(e). Par exemple essayer d'écrire vos propres formes "blues" en 12 mesures, tout ce dont vous avez besoin c'est d'un certain nombre de séquences et phrases musicales répétitives. Le "groove" primal de Bo Diddley est lui aussi idéal pour improviser des rhymes. Plus encore les structures harmoniques de base de standards comme " Will The circle be broken" ou "stand by me" ou encore "Good night Irene" peuvent accueillir une nombre important de nouvelles chansons. A vous d'expérimenter!

Ecrire un pont (Bridge de transition) 

Qu'est ce qui fait une composition intéressante? Une mélodie accrocheuse? Des paroles mémorables? Tout ce qui précède? Une belle composition peut être simple ou complexe, mais il y a une chose que toutes les chansons (bonnes ou mauvaises) ont en commun c'est un genre de forme (structure). Si vous êtes intéressé à écrire vos propres compositions (chansons, instrumentaux,solos, thèmes), ce serait une bonne idée de se familiariser avec les sections comme les éléments traditionnels sur lesquels se fonde une composition. 

Un de ces éléments de structure est le "Bridge"(pont). C'est souvent une section qui focalise moins d'attention que des "verse"(couplet) et "chorus"(refrain), mais qui peut néanmoins rendre une composition vraiment unique et originale. 

Les compositeurs une fois qu'ils ont structuré des combinaisons de cycles de "verse et chorus" peuvent y intégrer des 'bridges" de transition afin d'orienter leurs compositions vers de nouvelles directions (pour ensuite revenir sur le verse et chorus pour une conclusion). Les "bridges" (ponts) apparaissent en général après une succession de "verses et chorus" tel que -ABABCB- ou encore -ABABCAB (le A étant le verse, le B le chorus et le C étant le bridge). Un bon exemple est le "With a little help from my friends" des Beatles, dont la forme se construit par un verse-chorus-verse-chorus avant l'apparition du premier "bridge"(la structure complète est ABABCABCB).

Expérimenter avec le son

Ainsi donc vous avez composé une belle mélodie et des paroles qui décoiffent, mais les harmonies sonnent barbantes et ennuyeuses. Comment développer et secouer tout cela? Voici quelques conseils de compositeurs expérimentés. 

-Tune down(baisser l'accordage). Vous pouvez baisser le timbre des cordes d'un demi-ton ou d'un ton afin de se trouver dans une tessiture plus familière tout en étant capable de placer des doigtés habituels. Quand j'étais un musicien débutant essayant d'apprendre "Yesterday" des beatles, j'aurais voulu savoir que Paul McCarthey s'accordait en standard mais un ton au-dessous de la fréquence normale. Au lieu de se battre avec des diagrammes de F et Bb en barrés comme d'autres dont moi, il utilisait les accords de la tonalité de Sol qui sonnait comme ceux de la tonalité de Fa. Malin ce Paul mcCartney!!

Depuis lors j'ai été surpris d'apprendre combien de chansons ont été composée dans des accordages abaissés depuis les tubes de John Forgety tel que (Proud Mary, Bad Moon rising et Fortunate son) jusqu'à aujourdhui avec des pistes de Ben Harper ou Keller Williams. 

-Ajuster et modifier les accords. "C'est incroyable le fait que cela sonne "cool" si l'on modifie une note dans un accord" Sean Watkins l'a dit un jour dans une conversation avec des collègues de son groupe en tournée.

Ses parties de guitare utilisent souvent des accords modaux (sans tierce) et des suspensions harmoniques (seconde et quarte) qui ajoutent de l'ouverture au son global. Découvrez les différences entre les exemples 1a et 1b puis entre les exemples 2a et 2b pour entendre combien le fait de changer un doigt à un diagramme peut avoir un impact sur le son global d'un accord.

Utiliser des extensions harmoniques

Beaucoup de guitaristes qu'ils soient auteurs-compositeurs ou non, utilisent souvent le même set d'accords lorsqu'ils prennent leurs guitares. Alors qu'il peut être difficile de sortir de vieilles habitudes tenaces, une façon pour y remedier sera de varier vos progressions harmoniques et dans ce but de consulter une page du "jazz cats' book". En Jazz il est commun d'employer de simples substitutions directes d'accords;  C6 pour C ou DM7 pour D. Une substitution d'accord est exactement à quoi elle doit ressembler; dans une progression harmonique vous analysez et remplacez un accord par une autre forme d'accord. 

Une des façons la plus simple de faire cela est d'utiliser une extension harmonique en lieu et place d'une simple triade ayant la même lettre d'identification. Commencons avec l'anatole C-Am-Dm-G (I-VI-II-V), une progression que l'on retrouve dans bien des compositions classiques au jazz en passant par la pop(exemple1). Vous pouvez donner à cette grille un autre feeling en substituant ces accords triadiques avec des accords de quatre sons de 7 de même lettre de notation (exemple2). Comme les accords de 7 de dominante et majeur 7 ont une tierce majeure dans leur structure comme l'accord parfait de base, chacun de ceux-ci peut servir de substitu-tion à un accord majeur de base, mais le choix final dépend du contexte de la composition (du style et genre). Par exemple un accord majeur7 ou 7 de dominante marche bien comme substitution pour un accord de Do(C), mais la relation Cmaj7 à Dm7 est préférable du point de vue auditif. Cependant l'accord de G7 est souhaitable pour conclure et revenir sur la tonique C à la fin de la deuxième mesure. Il y a de multiples raisons à cela, la plus simple est le fait que cela sonne mieux!!

Lorsque l'on substitue des triades majeurs ou mineurs par des accords de 7, une bonne règle de base est de suivre votre oreille. Si cela sonne bien pour vous, cela sonnera bien aussi pour d'autres qui vous écouteront. En principe donc!! 

L'exemple2 n'utilise que des accords de 7 ce qui sonne Jazzy, mais pour créer un son plus folk contemporain, vous pouvez utiliser presque toute forme d'accord enrichi ou d'extension de 9 ou de 11 ou encore de 13. Attention à ne pas confondre une extension "add9" d'une triade avec un enrichissement harmonique de 9 qui inclut la 7.

L'exemple3 utilise un enrichissement harmonique de Dm9 pour la triade de Dm et de G13 pour la triade de G.

Toute extension harmonique ne fonctionne pas pour chaque contexte musical, il est nécessaire d'expérimenter diverses substitutions pour connaître celles qui vont bien fonctionner pour vos compositions. Bon travail!!

La plupart des guitaristes commencent à jouer" lead" (thème mélodique et improvisation) en apprenant quelques gammes, ce qui est en soit une bonne approche pour débuter, mais cela n'est pas la seule possibilité pour construire et développer des lignes mélodiques. Il en existe d'autres que je vais un peu aborder ici dans cet article.

Les gammes progressent note par note dans un schéma structuré comme dans la situation de monter et de descendre des escaliers une marche à la fois, cependant improviser avec ses gammes demandent des techniques de développement autre que ceux d'une montée d'escalier et d'une lecture à vue d'une mélodie classique, populaire ou jazz. Faire ses gammes en montant et descendant par échelle progressive, cela fonctionne bien sûr jusqu'à un certain point mais il peut être plus intéressant par exemple de sauter par intervalles et donc plutôt que de travailler "pas par pas". Une manière d'aborder les gammes en sautant des tons est celle de les travailler en arpèges (harmonies linéaires). Penser à la mélodie décolorée et anthémique "d'Hotel California" des Eagles ou encore le point culminant du thème de "Moonflower" de Carlos Santana ou encore le thème mélodique de "Jessica" de l'Allman Brothers band; ce sont des mélodies construites sur des arpèges. 

Moonflower ; extrait du thème

Lorsque vous développez un accord au travers de ces degrés mais individuellement note après note en ligne, vous élaborez une arpège mélodique, donc une "harmo-mélodie". Prenez un accord en première position de Mi(E) et décomposer l'accord en notes individuelles de la sixième corde de E à la première corde de E deux octaves plus haut et vice-versa comme présenté dans l'exemple1. Par cette technique, vous arpegez de manière mélodique l'accord de Mi triade. Le fait de développer des accords en harmo-mélodie marche très bien comme alternative à un plan d'accompagnement en "strumming"(balayage). 

Essayez ce plan la prochaine fois que vous devez faire une rythmique, surtout s'il y a plusieurs guitares jouant les accords, comme dans une jam, un gig entre amis dans un pub ou en répétition. 

Dans l'exemple1, chaque degré de la triade de Mi est joué en séquence, mais il est possible de briser cet ordre séquentiel par des sauts d'intervalles comme dans l'exemple2. On peut harmo-arpeger des plans sur six cordes de cette manière, mais pour intégrer toutes les notes possibles d'harmonie, il faudra ajouter d'autres degrés, parce que ce diagramme de triade en première position n'inclut pas toutes les possibilités de notes tel que la fondamentale, tierce et quinte juste; les degrés qui construisent un accord parfait majeur de Mi(E). 

L'exemple3 vous montre toutes les possibilités de degrés en première position pour la triade de Mi(E) en arpège mélodique. Si vous désirez poussez plus loin votre étude, ces plans d'harmo-mélodie peuvent être développés en acccord de 6, de 7 et qui plus est en accords enrichis de neuvième, onzième, treizième et altérés, donc les possibilités de plans et de développements de ce type sont infinies et complexes. Cela demande de la part d'un apprenti soliste, de la patience et de la persévérance comme de la constance; les trois principes de base pour l'apprentissage d'un instrument de musique. Bon courage et du plaisir j'espère! 

Une harmo-mélodie peut se développer sur des accords de quatre notes de 7ème ou de de sixte et sur une amplitude de plusieurs octaves comme le démontre les plans ci-dessous en A7 de dominante (F-3M-5-7m) et Dm6 (F-3m-5-6). Le tableau en bas de la page vous expose les accords de 7ème (fondamentale, tierce majeure ou mineure, quinte juste et diminuée et une septième majeure et mineure) et les arpèges correspondantes dans la tonalité de Do. Il peut être utile voir nécessaire de travailler ces schémas dans toutes les tonalités de l'harmonie tonale et également dans le cadre de l'harmonie modale si votre curiosité se fait fort de s'aventurer dans cette direction. Chercher de nouveaux sons est primordial pour acquérir de la variété dans son jeu mélodique et ses compositions. 

On peut également développer des arpèges mélodiques sur des harmonies altérées comme le montre les plans ci-dessous sur des accords de Sol7 et Do7 altérés d'une neuvième mineure. Donc de pousser l'étude de plans en arpèges sur 5 ou 6 notes de structure, ceci sur des schémas rythmiques réguliers ou mixés. Le savoir musical est relativement infini pour qui se plaît dans la recherche de celui-ci. Bon plaisir!

arpège en Solm7

L'un des compositeurs les plus renommés de la guitare classique romantique, Francisco Tarrega a vécu au XIXème siècle, à une époque dans laquelle la musique espagnole-que ce soit le Flamenco ou le Classique-fut à son âge d'or et accéda à la notoriété internationale. L'éternel et sempiternel favori de la guitare "Recuerdos de la Alhambra" et le petit joyau "Lagrima" ont été écrit par Francisco Tarrega et ces pièces demeurent essentiels au répertoire de la guitare jusqu'à ce jour. Barrios du Venezuela et Tarrega furent les compositeurs les plus prolifiques de la guitare classique. Francisco Tarrega à ouvert la voie vers des techniques et sonorités andalouses alors que Barrios a développé à un haut niveau de perfectionnement, les formes les plus traditionnelles et classiques de la musique pour la guitare. L'idée extra-musicale et poètique qui se cache derrière cette miniature "Lagrima" est celle expressive d'une"larme" comme lagrima le traduit en espagnol. Les deux croches de la figure rythmique de base ci-dessous symbolisent la chute des larmes d'un petit garçon malheureux.     

"Lagrima" est une miniature qui fut écrite dans une forme simple"AABBA" qui se déplace de la tonalité de Mi majeur vers la tonalité de Mi mineur par transposition et vice-versa. Malgré le fait que cette pièce soit courte, elle exige de nombreux déplacements de la main gauche (fretting hand) pour l'interprétant, dont beaucoup sont facilités par l'utilisation d'un doigt de "guidage"(pivot). Par exemple, dans la phrase d'ouverture du morçeau (l'extrait ci-dessous), le quatrième doigt de la main gauche (fretting hand) glisse le long de la première corde dans non moins de sept positions(déplacements). A la fin des mesures 1 et 3, des déplacements importants de la sixième case à la première case, requière de la part du guitariste de couvrir la distance, de localiser le nouvel accord et d'arriver ferme-ment sur le premier temps de la mesure suivante. Il est utile dans une situation de jeu comme celle-ci, de planifier à l'avance les déplacements de cette nature en visualisant votre main gauche sur la case de destination

Comment créer des mélodies originales et accompagner vos chansons avec des plans et des "riffs" mélodiques? Un sujet difficile pour bien des musiciens. Est-ce si compliqué? 

Pour commencer, un exemple ; la chanson "Satellite" du Dave Matthews band débute par une ligne mélodique facilement mémorisable pour l'oreille; C'est le riff et l'accompagnement vocal-il s'agit du fil conducteur qui lie tous les éléments de la chanson. Des riffs mélodiques comme celui-ci sont distincts et accrocheurs, mais ils sont différents de "riffs" harmoniques (en accords), dont j'ai traité le sujet dans un article précédent, parce qu'ils utilisent uniquement des" single-notes"(des notes) pour construire la séquence et souvent l'accompagnement d'une chanson. Quand on entend un passage mélodique comme celui-ci(Satellite), on peut être intimidé par le grand nombre de notes qui le compose; ceci dit comment créez des lignes mélodiques agréables toutefois complexes à partir de rien voir peu d'éléments? La plupart des grands "riffs" mélodiques comme " Day Tripper" "Moby Dick" ou "exodus"ont une idée simple derrière leur conception. Quand on les analyse, on remarque que le compositeur adopte souvent un petit élement musical comme base, puis il le développe en d'autres éléments pour ensuite les mettre en place-on se rend compte ainsi qu'ils deviennent plus faciles à gérer. 

Dans cet article, nous allons créer des riffs à partir de petits éléments rythmiques et mélodiques, comme ceux utilisés par Dave Matthews dans une de ces chansons les plus connues. 

Un "riff" statique pour une mélodie active:

Pour une première approche, nous allons commencer par chercher une petite idée-un fragment court-et l'adapter pour qu'il fonctionne sur une progression harmonique pour ensuite le développer pour qu'il devienne un accompagnement complet pour une chanson. Il n' y a pas besoin de commencer avec une série d'éléments.

Par exemple, venir avec une idée courte comme dans l'exemple1. Nous allons oeuvrer dans la tonalité de Ré (D) dans ces exemples, expérimentons à développer cette courte séquence sur toute une mesure avec de la répétition comme le montre l'exemple2. Cela ne sonne pas encore suffisamment, mais nous avons essen-tiellement construit le "riff" jusqu'ici. Ce qu'il reste à faire, c'est d'appliquer ce motif sur une progression d'accords ou sur une chanson complète.

Travaillons à présent sur une progression harmonique G-D-A-D dans la tonalité de Ré(D). Pour produire un développement satisfaisant sur les changements d'accords, il va falloir ajuster le riff sur la note pivot de celui-ci; le Fa dièse constant sur le 1er, 3ème et 4ème temps. Mais cette note va créer un petit conflit avec les accords de A et de G. Sur l'accord de Sol, il sera nécessaire de passer du Fa dièse au Sol comme le montre l'exemple 3, et sur l'accord de La(A), il sera préférable de descendre du Fa dièse au Mi(E) comme le montre l'exemple 4. Voyez comme chaque fragment du riff se juxtapose mieux par le fait d'avoir substituer une note pivot légère-ment dissonante avec une note de structure harmonique (la fondamentale pour G et la quinte pour A) pour que cela sonne mieux sur la grille harmonique et donner au riff plus de consistance. Une fois que vous enchaînez ces idées ensemble pour qu'elles s'adaptent à la progression d'accords vous obtenez un riff à part entière comme l'expose l'exemple5.

Ce dernier exemple montre le fruit de ce labeur. Si cela sonne familier pour certains, la raison en est que ce riff est très semblable à celui de Dave Matthews sur "Ants Marching". Sachez que tous les riffs n'exigent pas une guitare rythmique, mais celui-ci sonnera de manière plus complète dans ce cas présent. Recrutez un ami pour l'entendre dans tout sa grandeur et efficacité si vous n'êtes pas guitariste rythmique vous-même. Bon travail! 

Voici un autre exemple de riff d'accompagnement élogieux, celui de "Day Tripper" des Beatles composé par Georges Harrison en personne. Voyez la structure du riff construit autour d'une arpège mélodique de E7 avec une blue note sol et la seconde Fa dièse. Tout en efficacité et consistance mélodique et rythmique agrémenté par des anticipations et syncopes. D'autres riffs des Beatles suivent cette construction comme "paperback writer", "baby drive my car" ou "come together", ainsi que "back in URSS" notamment. 

Le riff principal de Paperback writer des Beatles

Un riff célèbre de Nirvana!