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19 mars 2017 7 19 /03 /mars /2017 11:44

L'ornementation en musique

Dans cet article, nous allons explorer de manière théorique et pratique, les différents ornements que l'on rencontre dans une pièce musicale, quelle soit classique, de jazz, de version latine, en flamenco, en blues, rock etc. 

En Théorie 

Quels sont les principaux ornements ou techniques d'ornementation que l'on rencontre? 

L'appogiature (grace note): 

 

 

 

Ce terme provient de la culture latine appoggiare qui veut dire appuyer, supporter (sustain): on accentue une note en l'interprétant de manière appuyée sa dissonance supérieure ou inférieure, ( une note d'approche chromatique ou diatonique), donc une note d'agrément précédant une note plus importante. Cet ornement musical peut avoir une durée variable, mais en règle générale, la durée est plus courte que celle de la note ornementée, cela dépend du contexte musical et notamment du rythme imposé par le compositeur, mais aussi par l'interprétant. Si l'appogia-ture précède une note de valeur binaire, sa valeur rythmique sera de moitié, alors que pour note ternaire, elle devra être les deux tiers de la durée de la note ornementée. Enfin si elle précède une note liée, elle occupe alors toute la durée de la première note. Sa notation est variable, soit elle est notée rythmiquement, soit par une petite note qui peut être barrée. 

Le Gruppetto : 

 

 

 

Egalement appelé tour de gosier, par référence à l'ornementation d'un chanteur. cet ornementation consiste à l'encerclement de la note ornée par ses notes consécutives inférieures et supérieures diatoniques. Le graphisme du symbole du gruppetto est important, par le fait qu'il commence par un arrondi vers le haut, la figure musicale commence par la note supérieure et inversement. De même son emplacement, dans une pièce est important, placé sur la note, il comporte quatre éléments en double croches, la note ornée comprise. Placé en deux notes, il se termine par la note principale et comporte donc cinq notes en tout. 

 

Le mordant : 

 

Cet ornement est également appelé "pincé"  et il s'interprète de manière rapide en triple croches, voir doubles. S'il est placé sur une note, il signifie qu'il faut exécuter un travail instrumental en aller et retour entre la note à orner et la note consécutive supérieure ou inférieure( dans cette situation, le signe est barré verticalement), ceci à un intervalle de seconde majeure ou mineure. Il s'inter-prète suivant les genres et styles sur le temps ( dans ce cas il occupe toute la valeur de la note ornée) ou avant le temps et dans ce cas la note ornée est la note conclusive.

 

Le trille: 

 

Egalement nommé tremblement, le trille est une expression musicale sur une note, produisant un effet très rapide de répétition comme pour le mordant, avec une note voisine mais sur une durée rythmique plus longue. Le trille peut s'exécuter au-dessus ou au-dessous de la note ornée principale et partir de la note inférieure ou supérieure, selon les compositeurs, les styles et les époques. 

 

Les ornements à la guitare

Les mordants et les trilles sont construits sur deux notes. Il est possible de les exécuter de deux manières différentes.

° Soit sur une seule corde en utilisant deux doigts de la main gauche (fretting hand), selon le principe du " lié-tiré, lié-frappé". C'est la manière traditionnelle des instruments à cordes pincées tels que la guitare ou le luth. Si elle est plutôt efficace pour un ornement comme le mordant ou demi-mordant, il est certes plus difficile à faire durer le trille ainsi car la main gauche n'attaque pas aussi fortement les cordes que la main droite. 

° Soit sur deux cordes, en alternant rapidement deux attaques de la main droite, avec l'intervalle de seconde situé et plaqué par la main gauche. 

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18 septembre 2016 7 18 /09 /septembre /2016 13:39

Logiciels pour la musique

Logiciels pour la musique

Suite aux articles concernant l'art de l'ingénieur du son, donc des astuces pour produire son master à domicile, voici un petit guide sur les outils numériques conçus pour vous aider à mieux exploiter les créations musicales téléchargées voir enregistrées sur le disque dur de votre ordinateur. Il existe toute une palette de programmes à tous les prix. Un bon enregistrement de la guitare ou d'un autre instrument acoustique (cordes ou non) nécessite différentes techniques de prise de son, d'un bon choix de microphone et de support d'enregistrement du son (bande magnétique, disque dur,..), sans l'oublier un ordinateur performant et une carte son afin de numériser vos morceaux. Pour pouvoir exploiter au mieux les éléments sonores sur votre disque dur, il va falloir utiliser des logiciels conçus pour traiter le son, le transformer ou encore pour créer un montage de séquences. Il existe des logiciels conçus pour opérer sur des fichiers M.I.D.I (Musical instrument Digital Interface): les séquenceurs, et d'autres qui sont conçus pour le traitement du signal audio; les éditeurs audio. La plupart des séquenceurs ont des fonctions intégrées pour l'enregistrement et le traitement de l'audio. Cependant pour une opération approfondie sur des données avec une finalisation totale du "mastering" , il est préférable voir nécessaire d'utiliser un logiciel d'édition digne de ce nom. Quels sont ces outils?

Les séquenceurs

Un séquenceur peut exister sous deux aspects soit matériel ou physique tel que Yamaha QY10, 50 ou 70 ou sous une version logicielle que l'on va traiter ici. Pour ma part je possède un Yamaha QY70 qui me permet de vérifier des scores et des arrangements simples ou pour des formations musicales importantes, donc il est toujours utile. Il y a quelques années, la version matérielle était la seule disponible, mais au vue du progrès des systèmes informatiques, des versions logicielles ont vus le jour et on prit le pas sur les versions physiques. Donc un séquenceur est un logiciel permettant d'enregistrer et de manipuler des données au format midi. Le séquenceur est au centre des techniques de la MAO (musique assistée par ordinateur), voir même le coeur de celle-ci. Pour simplifier, on peut dire que les fichiers Midi contiennent les hauteurs et les durées des notes et qu'ils peuvent être lus par tout appareil ou instrument Midi, par le fait que ces signaux sont officiels et universels. Le son Midi est un élément musical purement électronique, dont les paramètres de la note commandent ensuite un synthétiseur reproduisant fidèlement un instrument numérisé. Cependant alors que le guitariste ne produit que des sons audio, il est possible de mélanger l'audio et le midi grâce à des logiciels hybridant ces deux mondes acoustiques. Une guitare peut aussi piloter du Midi grâce à des capteurs spéciaux reliés à un expandeur ou synthétiseur, lui-même relié à un ordinateur. On peut trouver toute une palette de séquenceurs: tels que

Pro tools Digidesign LE 7.3

Ce logiciel de la société américaine Digidesign est de réputation mondiale, il n'a de cesse évoluer grâce à des mises à jour constantes. Il est un séquenceur Midi et éditeur audio à la fois, il existe pour système Mac et PC donc windows, il fonctionne idéalement avec sa propre carte DSP (versions HD) pour laquelle il est conçu et optimisé. Il peut gérer jusqu'à 128 pistes audio virtuelles et 256 pistes Midi, le mixage est totalement automatisé. il peut aussi corriger automatiquement le timing du contenu d'une piste, ajout et réorganisation des pistes, création, déplacement et copies d'insertions et de départs, réglage des points de boucles (Lootrim) et modification du routing d'E/S. C'est un système redoutablement efficace, mais très cher (1500 à 16000 euros selon les versions). www.digidesign.com.

Emagic Logic Pro X Apple

Ce séquenceur audio/Midi d'origine allemande a été reprit par Apple donc exclusivement conçu pour la plateforme Mac. En 2103 Apple sort une nouvelle version majeure de son logiciel: Logic Pro X, le logiciel a été entièrement réécrit en 64 bits en 2014. Il peut travailler sur 256 pistes en multi-cartes. Intégrant de nombreux effets en interne, il est compatible avec de nombreux standards audio-informatiques. Un superbe logiciel pour un travail de niveau professionnel (le prix a été revu à la baisse vers 1300 euros). Voir sous www.apple.com

Cubase SX-3.1.1 Steinberg

Le Cubase est certainement le séquenceur informatique audio/Midi le plus connu de tous. Il est installé sur mon PC d'ailleurs, mais il est compatible pour toutes les plate-formes. Le nombre de pistes audio et midi est illimité en multicartes de 24 bit jusqu'à 64 bits. Il reconnaît la plupart des formats vidéo et audio. Il compte de nombreux effets internes (audio warp, time warp) et externes (external FX) au fameux format VST créé par "Steinberg". Ce logiciel est très populaire, mais aussi très performant, il existe aussi en version light: Cubase SL. Il coûte environ 685 euros www.steinberg.net.

Digital perfomer 9 Motu

C'est un logiciel américain, produit par la société Motu, également connu pour ses cartes son. C'est un programme exclusivement dédié à Mac/apple. La version 9 inclut de nouvelles fonctionnalités intéressantes dont un multifuzz FM et un masterworks FET-76, plus un megaSynth que vont adorer les guitaristes. Il peut travailler jusqu'à 64 bits et il est compatible avec les formats TDM de Pro tools, Asio de Steinberg, ainsi qu'avec de nombreux autres. C'est un logiciel très puissant et complet, mais inaccessible au monde des PC.

Il existe bien d'autres séquenceurs logiciels et même physiques: tels que Cakewalk, Sonic Foundry, Merging, Magix, etc.

Les éditeurs audio

Les éditeurs audio sont des appareils qui permettent de formater une création musicale de manière la plus précise possible, par "copier-coller", par montage, par correction des hauteurs et des durées, par ré-échantillonnage, par normalisation des niveaux, par élimination des clics, mais aussi par passage sur des "plug-ins" d'effets et d'égalisation. On peut ainsi effectuer les étapes de pré-mastering et de mastering, jusqu'à la gravure d'un CD qui pourra être le master de l'enregistrement. Comme pour les séquenceurs, on en trouve de multiples logiciels, à des prix allant de 400 euros à 1000 euros. Les plus distribués sont :

Sound Forge 10.0.252 de Sony

Ce logiciel de la société américaine Sony anciennement Sonic Foundry est des plus populaires des logiciels audio, conçu pour fonctionner sur PC et Windows. Il enregistre et traite l'audio par édition non destructive et permet d'effectuer toutes les tâches de pré-mastering, traitement et encodage, ajout d'effet par plug-in DirectX, export et import sous divers formats audio. Une version est gratuite pour le téléchargement en 32 et 64 bit. Celle-ci à des nouveautés utiles tels que la lecture et le rendu AAC, des supports pour le Design Contour ShuttlePro et ShuttleXpress de contrôles multimédia, plug in de résonance filtre, etc. Un logiciel très performant, mais qui nécessite une informatique très puissante et volumineuse pour une bonne rentabilité. http://www.sonicfoundry.com/

Wavelab Pro9 de Steinberg

La dernière version est l'une des plus abouties de Steinberg. Cependant si vous n'aimez le Midi, oubliez Cubase et adoptez cet éditeur audio commercialisé par la même marque. Un logiciel surpuissant et ergonomique et qui de plus est facile d'utilisation et le résultat intéressant voir professionnel. Il donne la possibilité de traiter complètement une création musicale, depuis l'enregistrement direct sur le disque jusqu'à la gravure du master CD, en passant par le montage, l'ajout d'effets en temps réel ou offline, la compression, le dithering. Il permet aussi un échange direct avec Cubase et Nuendo, une suite masterRig plug in qui inclut des effets de saturation, de limiter, de compression, etc. Les fonctions Redo et undo illimitées permettent de corriger des erreurs. Un magnifique logiciel!

DSP Quattro 4.2 de i3

Pour ne pas oublier les utilisateurs de Mac tel que ce produit de la société italienne i3. Ce logiciel fonctionne sur OS 10.5 (32 bit) et il est compatible PowerPC et Mac intel. C'est un logiciel très performant conçu pour toutes les opérations, de l'enregistrement jusqu'au "mastering". Il gère les formats AIFF (Mac) et wave (PC) en 32 bits et il reconnaît la plupart des formats sous quick time. Les Undo et redo sont illimités et l'édition est non destructive. La puis-sance de ce logiciel est tel qu'il permet de lire un fichier pendant l'enregistrement d'un autre. Il est compatible VST et intègre des pilotes pour de nombreux formats (ASIO, Sound manager, Core Audio, etc.), il peut dissocier les canaux droit et gauche d'un fichier stéréo, sans compter un nombre non négligeable d'effets (EQ, chorus, reverb, delay, stereoïzer) et plus encore. Ce petit monstre coûte moins de 100 euros en plusieurs versions.

Les logiciels dans le domaine de la musique sont d'une grande variété, les concepteurs font souvent preuve d'une imagination sans limite, particulièrement dans le domaine des plug-ins, petits logiciels complémentaires des séquenceurs et éditeurs audio, qui apportent des transformations du son par ajout d'effet ou de traitement de tout type. N'hésitez pas à consulter la revue "Recording" ainsi que les ouvrages sur le Home-Studio. Bon courage!

le steinberg cubase sx 3 et le motu DP 9
le steinberg cubase sx 3 et le motu DP 9

le steinberg cubase sx 3 et le motu DP 9

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12 septembre 2016 1 12 /09 /septembre /2016 13:45

L'art de l'ingénieur du son II

logiciel wavelab
logiciel wavelab

4. Le montage

C'est dans cette phase qu'interviennent des logiciels tels qu'Audacity ( gratuit, http:// audacity.sourceforge.net), Soundforge ( payant, www.sonycreativesoftware.com/products) ou Wavelab de Steinberg (www.steinberg.fr/products/wl6/index.php). Une fois votre pièce de musique (chanson, instrumental, duo, solo,..) enregistré plusieurs fois de sur des pistes différentes et dans les mêmes conditions acoustiques, vous devrez après une écoute très méthodique et attentive, il vous faudra choisir les meilleurs passages musicaux de chacune des prises, afin de les rassembler sur une seule piste pour reconstituer la pièce complète. De cette manière, dans le résultat final, on aura éliminé toutes les imperfections indésirables (interpré-tation, bruits parasites, effets, ..). Cette opération devra être renouvelée pour chaque pièce musicale que vous voudrez intégrer sur votre master.

5. Le traitement audio

L'opération de montage de chaque pièce étant terminée, il faudra aborder le traitement du son. le seul outil dont on dispose pour cela est son oreille et son sens critique. Le premier traitement numérique à poser sur le son est l'égalisation. Celle-ci consiste à corriger l'équilibre du spectre sonore entre les basses, médiums et les aigus. Cependant une question demeure: la prise de son a-t-elle besoin d'être remise en question? car moins on fera de corrections à la prise de son, moins elle sera dénaturée, donc authentique. Mais si le besoin se fait sentir de changer quelques fréquences, faites-le avec prudence et économie. Si l'on est contraint d'apporter trop de corrections, c'est que la prise de son présente des problèmes. Dans ce cas, le mieux est de la refaire, voir une fois ou une plusieurs fois. Le propos de tout cela étant de rechercher à reproduire un son le plus authentique et naturel que possible. Ecoutez le son de la guitare en situation réelle et comparez le avec celui obtenu lors de l'enregistrement. La meilleure solution étant de faire asseoir le musicien entre les deux enceintes du studio, de l'écouter jouer, et ensuite d'écouter l'enregistrement lors de la prise de son. On aura ainsi un élément de comparaison objectif. En règle général, il est bon d'appliquer un atténuation des basses avec un filtre coupe-bas( à partir de 100 Hz et en dessous avec une pente de 3dB) car cela permet de supprimer pas mal de bruits parasites comme la" ronflette". Si l'enregistrement laisse paraître un rendu "son de tonneau", il sera bon de réduire les fréquences avoisinant 1 KHz. Par contre si l'on désire rajouter un peu de présence, poussez légèrement les médiums/aigus aux alentours de 2,3 vir 4 KHz. Enfin si vous trouvez que votre son est trop dur, appliquez un filtre coupe-haut à partir de 10/12 KHz avec une pente de de 3 dB. (toutes ces valeurs sont indiquées sur les plug-ins d'égalisation des logiciels de montage tels que Sound forge ou Wave lab).

Lorsque l'on débute, il arrive souvent que l'on fasse l'erreur d'utiliser des durées de réverbération trop longues, ce qui nuit à la clarté de l'enregistrement. Essayer de ne pas noyer la prise de son dans une "bouillasse réverbérante" où tout se mélange. Pour la guitare classique, évitez les programmes "Hall" , mais plutôt favoriser les "Room" et " Vocal". Comme avec l'égalisation, restez prudent et économe. Afin de ne pas noyer la prise de son, ne dépassez jamais une durée de deux secondes. Le pré-delay qui correspond au temps de retour des premières configurations, est d'une importance capitale. Le réglage de ce paramètre permet aux premières émissions sonores de ne pas survenir immédiatement après l'émission du son d'origine( ce qui est souvent source de confusion dans e cas contraire). Réglez ce paramètre à quelques dizaines de millisecondes.

S'il est un domaine délicat, c'est celui de la compression. Le mauvais emploi de ce procédé peut nuire et détruire la qualité d'en enregistrement de manière irrémédiable. A la prise de son, les écarts de dynamique sont souvent importants et, sauf à passer son temps à remonter le niveau d'écoute dans les basses (pianissimos) et à le baisser dans les aigus (fortissimos), l'utilisation d'un compresseur devient nécessaire. Sa fonction étant de minimiser les différences entre les passages faibles et les passages forts d'une pièce musicale de manière à apporter à l'auditeur un confort d'écoute maximal. Mais il y a un risque en réduisant cette différence, à minimisez du même coup les nuances que le musicien à apporter à la pièce. réaliser cette opération de manière efficace reste donc un choix difficile. Il s'agit d'une traitement à manier avec beaucoup de finesse et de méthode. Il convient d'utiliser des effets, réalisés par des professionnels.

6. la normalisation

Vient ensuite la normalisation. Cette phase du master très simple à réaliser( elle est automatique dans certains programmes), consiste à augmenter le niveau général de la forme d'onde jusqu'au maximum, d'apporter un minimum de distorsion dans l'enregistrement. De cette manière si l'on traite l'ensemble des morceaux de musique d'un CD, il n'y aura pas de décalage de niveau sonore d'une plage à l'autre.Dans la pratique, la normalisation consiste à appliquer une quantité nécessaire de gain à un enregistrement entier pour porter la plus haute crête à un niveau maximum, en principe -0.3 dB. Le propos du mastering est de donner de l'homogénéité au CD qui va être dupliqué. Alors que jusqu'ici , le travail se faisait sur chaque piste de son indépendamment le unes des autres, à ce stade, et pour la première fois, il va falloir considé-rer le CD dans son ensemble. C'est à cette phase que l'on va décider de l'ordre des morceaux, et cet aspect revêt d'une importance majeure: vous devrez prendre garde à éviter la monotonie en alternant des pièces de caractère différent, et aussi à marier le mieux possible les tonalités des morceaux. Il sera nécessaire également de travailler sur la longueur des plages de silence afin que les enchaînements des plages se fasse sans faille, ni malaise. Il faudra encore vérifier les fondus d'entrée et de sortie, contrôler que l'égalisation et le volume soient homogènes d'une piste à l'autre et qu'il n'y ait pas "clicks". Si on en a la possibilité, il peut être intéressant d'écouter l'ensemble du futur CD sur d'autres enceintes ( de grande qualité) si possible que sur des moniteurs de home studio. Cependant malgré que cette étape soit importante, il ne faut croire qu'elle va permettre de résoudre tous les problèmes: notamment certains apparus à la prise de son, resteront gravés à jamais sur le CD, quelque soit la qualité du Mastering. Il sera utile de faire des pauses fréquentes, car la fatigue auditive nuit gravement à l'acuité de votre écoute et donc à votre sens critique.

7. La phase finale

Il est ce moment magique de pouvoir écouter la réalisation de ce travail de master sur n'importe quel lecteur de CD: il s'agit de la gravure du matériel créé. Cette opération ne peut se mettre en place bien sûr sans un logiciel de gravure de CD, certes les ordinateurs actuels tels que les Lenovo possèdent pour certain encore un lecteur de CD avec un programme de gravure. Mais de cela disparaît peu à peu, donc il peut être utile de télécharger un logiciel gratuit ou payant. Malgré que la gravure soit automatisée dans la plupart des logiciels, il convient de prendre quelques précautions. Soyez particulièrement attentifs à soigner la surface sensible des CD: ne la touchez jamais avec vos doigts, ne la rayez pas avec un chiffon ou autre. Elle doit être vierge de traces. Il est plus sage de graver le CD à une fois la vitesse: cela limitera les risques d'erreurs voir de bugs informatiques. Quel type de CD choisir pour le mastering? En principe tous devraient convenir, le volume en gigas doit pouvoir contenir tous les morceaux de musique, mais il ne faut pas être économe pour cette opération, il y a trois types de surface sensibles pour les CD-R ou CD-RW.

- Vert bleu ou Vert (Cyanine): ils peuvent ne pas fonctionner sur certains lecteurs audios, ils sont bon marché.

-Or/ jaune (phtalo-cyanine): le meilleur, comme le plus durable, mais le plus cher.

- Silver / gris bleu( Azo-Azure): Ils sont durables et bon marchés.

Pour conclure, on constate que la production d'un master est un long et méticuleux processus qui ne peut supporter aucun compromis. Si l'on décide d'investir ( une somme non négligeable de préférence) dans la duplication professionnel d'un CD à partir de votre master, celui doit correspondre à vos désirs tout comme vos attentes. En effet une fois cela fait, il contribuera à votre image et fera peut-être de vous le prochain artiste musicien en vogue. Pour ceux qui ont le désir d'approfondir le sujet, il existe des ouvrages intéressants tel que la pratique du Home Studio de Frank Ernould aux éditions Dunod, voir ceux du site du journal US "acoustic guitar" qui méritent une lecture attentive. Bon courage !

Le matériel

Pour résumer il faudra donc comme matériel :

° Un ordinateur muni d'une carte audio intégrée avec un processeur tournant au moins à 2 GHz, 1.5 gigaoctet de mémoire vive et un graveur de CD avec son logiciel.

° Un système d'enregistrement autonome type Roland R-05, Sony PCM-DM100 ou encore le Zoom H5.

° Une paire d'enceintes acoustiques de qualité reliée à votre carte son.

° Un logiciel type Soundwave ou Wavelab.

L'art de l'ingénieur du son II
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9 septembre 2016 5 09 /09 /septembre /2016 15:14

L'art de l'ingénieur du son

le Roland r-05 convient parfaitement à un enregistrement de qualité
le Roland r-05 convient parfaitement à un enregistrement de qualité

Réaliser son CD est-ce si compliqué voir trop coûteux? Si vous êtes musicien et guitariste notamment parvenu à un certain niveau de composition et technique avec le désir de mettre sous boîte vos créations, la question sera de comment s'y prendre pour arriver à la gravure d'un CD sans se ruiner dans un magnifique studio professionnel d'enregistrement aux tarifs ne permettant pas un accès à tout artiste confirmé. Il existe une alternative dans la mesure où signer dans une maison de disque relève du copinage ou de la corruption: produire vos enregistrements vous-même. Un petit guide serait le bienvenu n'est-ce pas!. Voici en quelques paragraphes, les étapes par lesquelles se focaliser afin de produire votre master audio.

Dans une première approche, il faudra tout d'abord aborder la prise de son, afin d'enregistrer sur un support matériel tel qu'une bande DAT, le disque dur de votre ordinateur, voir un système autonome d'enregistrement, le fruit de vos idées créatrices quelque soit l'instrument ou le contexte. Une fois l'enregistrement réalisé ( souvent un à plusieurs essais, voir prises pour le même score), viendra la phase du montage, puis ensuite le traitement du son ( égalisation, réverbération, compression, normalisation) et l'opération du mastering. Pour enfin terminer par l'ultime étape: la gravure sur CD du résultat obtenu ou master. On va détailler chacune des étapes.

1. Quels sont mes besoins?

Un guitariste aura des besoins différents d'un trio ou d'un grand orchestre, voir réduits dans la mesure où il enregistrera qu'un ou deux personnes ( en solo ou en duo). Dans cet optique, il ne sera pas nécessaire de concevoir un home studio très élaboré, donnant cours à des dépenses astronomiques pour le commun des mortels. Mais pour réaliser un master convenable au niveau de la qualité, un minimum d'investissement vous sera nécessaire. Dans la majorité des cas, il faudra écarter la solution relativement onéreuse consistant à utiliser un matériel dédié comme un mini studio numérique intégré (entre 1000 et 5000 euros) qui permet de réaliser toutes les étapes de la prise de son à la gravure du CD mais qui ne peut servir à rien d'autre. Il nous reste la solution de l'ordinateur-outil universel qui plus est- ( choisir PC plutôt que Mac pour le coût de la machine et des logiciels) qui outre la réalisation d'un master pourra être utilisé comme éditeur de score, traitement de texte, tableur ou encore logiciel de retouche de photo etc. la liste est longue certes.

2. Création du home studio!

il y a deux choix possibles en fonction de votre créativité et de vos moyens financiers.

1. Soit utiliser pour connecter vos micros à votre PC, une interface audio reliée en USB ou en Firewire à votre système. Cela permet une excellente qualité sonore, mais réduira votre autonomie et empêchera toute mobilité, l'enregistrement devra se faire à la maison, sur le disque dur de votre ordinateur( à moins d'utiliser un laptop donc un portable). Une interface de ce genre peut coûter la bagatelle de 200 à 500 euros environ. Il peut être plus judicieux de privilégier le Firewire qui permet des connexions audio via ordinateur plus rapides. Il sera également judicieux de vous procurer une interface munie d'entrées compatibles avec vos prises de micro (XLR le plus souvent). C'est la meilleure option, mais aussi la plus chère.

2. Soit d'utiliser un système autonome d'enregistrement, indépendant de votre ordinateur. Avec l'aide d'une prise USB connectable à l'ordinateur, vous pourrez téléchargez sur le disque dur de votre ordinateur, les fichiers mp3 que vous aurez enregistrez dans le lieu de votre choix. Cette option présente l'avantage d'être complètement mobile, car la prise de son est indépendante de votre PC. Pour cette solution, il existe sur le marché quelques enregistreurs numériques autonomes de qualité tels que le Roland R-05 ou le Sony PCM-M10 voir le Tascam DR-40 en position X/Y à des prix très abordables et dont la qualité sonore est remarquable ( j'utilise le roland r-05 personnellement). Ces petits outils ( petits par la taille uniquement) sont équipés de deux micros intégrés d'excellente qualité, disposés soit de manière conventionnelle comme le roland r-05 ou soit en X/Y pour le Sony, Zoom ou Tascam (voir les photos). Ceci vous évitera à investir dans une paire de micros séparée, toujours coûteuse si l'on veut de la qualité et dans une interface audio. Cette option est la plus souple et la plus économique, donc je vous la conseille.

3. La prise de son

Cette étape est délicate car c'est elle qui va déterminer la qualité définitive de votre master. Si la prise de son est médiocre, aucune forme d'arrangement sonore (égalisation, compression, etc.) aussi excellent soit-il ne pourra améliorer la mauvaise qualité du fond sonore. Donc le local, le choix et la position des micros sont importants. Si vous disposez d'un local à l'acoustique neutre, sans trop de réverbération, c'est une bonne solution. Il sera toujours possible de rajouter de la réverbération à un enregistrement pauvre en effet de ce type, mais jamais d'en enlever à un enregistrement pratiqué dans une salle trop réverbérante.

Prise avec interface audio et deux micros séparés

Le choix des micros est dès plus important. N'utilisez jamais de micros dynamiques pour capter le son de guitares latines et classiques. Ceux-ci ne sont pas assez sensibles pour saisir avec précision le volume délicat et doux de l'instrument. Il sera judicieux de choisir un microphone électrostatique à condensateur de qualité tels que les Neumann U87 et U89, Shure SM81, AKG C3000 et C414, voir plus efficace mais plus chers comme des Brüel & Kjaer.

La prise de son concernant la guitare est une des plus difficiles à réaliser. Le fait de focaliser les micros sur la rosace de la guitare est une mauvaise idée, en effet car c'est là que se produit la plus forte énergie acoustique, cette position favorise, en autre, et de manière excessive, les bas médiums (son de tonneau) et les bruites de la main droite. Il y a quelques pistes à suivre que j'ai aussi mentionner dans une autre article de mon blog. En ce qui concerne la prise de son, votre oreille est le meilleur outil existant, il ne faut hésiter à faire de nombreux essais. Dans une prise de son mono, la position la plus efficace est de placer le micro à une distance de 40 à 50 cm de l'instrument et le situer vers la jointure du manche et du corps de la guitare.Cette position permet d'obtenir un bel équilibre, nourri par les sons chauds émis par le corps de l'instrument, et ceux plus brillants du manche. On peut adopter un position stéréo avec deux prises mono simultanées, placer l'un des micros à la base du manche et l'autre au niveau du chevalet. Cette configuration stéréo peut des résultats satisfaisants. En panoramique avec la prise d'un micro à droite et un à gauche, on peut obtenir un son stéréo remarquable, Une quatrième option consiste à utiliser un couple stéréo de micros en X/Y. les micros de type cardioïde sont placés à une cinquantaine de cm de l'instrument ils sont positionnés pour former un angle de 90°, à la hauteur de la jointure du manche et du corps de la guitare ( voir les images d'un article précédent).

Prise avec un système d'enregistrement autonome

Cette option est beaucoup facile à mettre en place. Pour ce qui concerne cette configuration, les possibilités mentionnées ci-dessus concernant la qualité de l'enregistrement et les bonnes conditions de celui-ci sont également utiles. Comme pour le couple de micros placés en X/Y dans l'exemple précédent, on placera l'enregistreur autonome et ses micros à une 50 de cm de l'instrument, à la hauteur de la jointure du manche et du corps de la guitare. Dans la mesure où celui-ci est facilement déplaçable, faites en ce sens de nombreux essais de placement et fiez-vous à votre oreille.

un outil efficace à la qualité sonore incroyable
un outil efficace à la qualité sonore incroyable

un outil efficace à la qualité sonore incroyable

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1 mars 2016 2 01 /03 /mars /2016 11:04

Le concept de modulation

En terme de théorie musicale, soit en harmonie ou soit monodique ou contrapuntique, la modulation est un procédé, une astuce afin de passer d'une tonalité dans une autre, sans que ce changement de flux musical soit dissonant et produise une interruption de la forme musicale, du thème développé, de la grille harmonique. En définitive, il s'agit de faire en sorte que le changement de tonalité ou de mode soit le plus esthétique et discret que possible pour l'audition. Le procédé de modulation en musique peut se produire dans tous les contextes musicaux, qu'ils soient tonals, modales, atonals, dodécaphoniques, et genres musicaux en classique, rock, jazz, blues, métal, etc. La modulation consiste à apporter à une composition, de la diversité, de l'originalité, de la créativité. Il y a de multiples procédés pour obtenir une modulation, il s'agit ici d'en étudier quelque uns. J.S. Bach fut certainement le premier compositeur à intégrer et à développer ce concept dans ses compositions qu'elles soient vocales ou instrumentales. Il n'y pas vraiment de limites au nombre de modulations pouvant se produire dans une composition, mais la sagesse voudrait que l'on en abuse pas.

1. La première forme de modulation étant d'utiliser la tonique de la tonalité d'arrivée face à la tonique de la tonalité de départ: Il s'agit de la forme la plus simple, elle nommée modulation directe. Un exemple étant le morceau ""rythmes and changes" de John Coltrane, ou encore de Renaud " dès que le vent soufflera" ici la chanson module de Em vers Fm puis vers F#m et puis retour vers Em en utilisant la tonique à chaque fois comme accord pivot de modulation. voir ci-dessous l'exemple de C à D majeur. Les erreurs sont fréquentes donc attention! par exemple ci-dessous d'utiliser la dominante de C donc G vers la tonique de G.

2. La deuxième forme de modulation consiste à utiliser un accord pivot de 7ème de dominante(7). C'est un accord très utile pour moduler, car il a plusieurs fonctions harmoniques en théorie musicale comme étant une dominante dans une tonalité et un accord de secondaire de dominante dans une autre tonalité ou la même. Par exemple G7 est la dominante de la tonalité de C, mais il y a A7, B7,C7, D7,E7 et F7 comme dominantes secondaires dans la tonalité de Do ainsi on peut utiliser une progression en quinte de 7ème de dominante (G7-D7 pour se résoudre vers A7) dans une modulation vers la tonalité de D majeur.

3. La troisième forme étant d'utiliser l'accord de 7ème diminué( 7°). Il a des fonctions multiples en harmonie dont celle d'être un accord de passage entre deux accords diatoniques. Cela dit, il permet une modulation intéressante par le son dissonant qu'il génère et par le fait qu'il est un accord symétrique donc chaque degré de l'accord peut devenir la tonique. Un exemple, l'accord de C7°( les notes sont C-Eb-Gb-Bbb) donc on peut moduler en Eb ou en Gb ou encore en A en utilisant la structure symétrique de l'accord en tierces.

4. La quatrième forme est plus complexe car il s'agit d'utiliser des cadences harmoniques en tant que structures pivots de modulation. La cadence II-V-I ( Dm7-G7-CM7 en C) est très utilisée en Jazz sous différentes formes. Ainsi soit sous la forme diatonique ou soit sous la forme non diatonique, ce qui la rend utile dans le contexte de modulation. Des exemples sont présentés ci-dessous dans les partitions. Il existe d'autres cadences harmoniques que l'on peut utiliser comme la demi cadence(V-I), la cadence plagale (I-IV-I), la cadence complète(IV-V-I), la cadence rompue avec le sixième degré etc.

Bon travail d'expérimentation afin de trouver vos propres plans de modulation!

Le concept de modulation
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8 janvier 2016 5 08 /01 /janvier /2016 08:08

Les plans rythmiques de Peter Townshend

Peter Dennis Blandford Townshend plus communément appelé Pete Townshend est l'un des derniers monstres sacrés des années 70 encore en scène à notre époque. Il est tout comme Jimmy Page et Jimmy Hendrix voir Jeff Beck un personnage emblématique de la scène rock anglophone et internationale. Il a inspiré bon nombre de jeunes musiciens par son jeu rythmique et harmonique riche, flamboyant tout comme par ses riffs légendaires et par ses frasques sur scène. Peter Townshend fut connu comme le compositeur et guitariste fantasque du groupe rock anglais "The Who". Mise à part son jeu "riffant" inimitable rythmique et mélodique sur des Gibson Les Paul, son style et sa technique acoustique sont moins sollicitées, mais originales et intéressantes. Il suffit d'écouter et d'étudier les scores de l'opéra rock Tommy entre autres pour s'en rendre compte. L'originalité et la richesse harmonique produite par ses compositions sont considérables tout comme la rigueur et la mise en place rythmique qu'il développe dans ses plans. Il utilisa le plus souvent en acoustique la Gibson J-200 et la Martin D-18, ses préférées. Il est également un multi-instrumentistes jouant des claviers, du banjo, de la basse, des drums et même de l'accordéon.Il fut l'un des premiers guitaristes à utiliser l'effet du Larsen, tout comme le "Fuzz" sur scène et les "Power Chords", dans un style annonçant avec force le hard rock et le punk à venir.

Biographie

Pete Townshend est né à Chiswick dans la banlieue de Londres en 1945. Il est issu d'une famille d'artistes, fils de la chanteuse Betty Denny et du saxophoniste Cliff Townshend. En 1961, Pete Townshend s'inscrit et entre au Ealing Art College où il rencontre le futur bassiste des Who. Le banjo fut son premier instrument dans un petit orchestre de Dixieland, avant de rejoindre un groupe de rock nommé The Detours" comme guitariste rythmique. Cette formation étant formée de Roger Daltrey et de John Entwistle formera l'ossature de The Who, dont il deviendra le leader par ses talents de compositeur. Ses premières compositions ont pour thème les doutes de l'adolescence et ses soucis comme notamment "I can't explain et Substitute" et My Generation qui deviendra un hymne pour toute une jeunesse en mal de vivre et en rupture de société. Avec un style et un jeu aux accords fracassants qu'il interprète sur scène avec des mouvements de bras uniques en moulinets, il exprime avec une rage peu commune une créativité harmonique et rythmique, dont les exemples ci-dessous en sont la représentation. Cet artiste auteur et responsable des premiers opéras-rock de l'histoire de musique "Quadrophonia et le tonitruant Tommy" qui seront adaptés au cinéma, ne parviendra pas à égaler en solo, ses performances avec les "Who".

Son style acoustique

Le plus grand héritage musical de Pete Townshend est sans doute sa maîtrise rythmique, tout comme sa dextérité, son feeling et sa mise en place qui sont également sans pareil dans le monde du rock. Il est le meilleur rythmicien à la guitare que l'on puisse écouter et observer, et il est le meilleur modèle pour qui veut apprendre le travail rythmique du rock à la guitare. Son héritage n'est pas uniquement dans ses gros riffs percutants et sa technique, mais c'est un bon départ pour qui veut l'imiter. Oublier le fait que vous ayez appris quelques voicings de triades traditionnelles d'antan et les avoir travailler des milliers de fois sans percevoir leur richesse. Essayer de situer chaque position clé et diagramme comme si c'était nouveau pour vous, tout en ajustant des cordes de fort tirant sur votre acoustique ou électro-acoustique. Il vous faudra essayer de développer sur tout votre manche des diagrammes conjoints de triades dans leur renversements, dans leur simplicité, leur sonorité et leur beauté brute. Ne vous inquiétez que de la sonorité des diagrammes et de leur possibilité dans la construction de riffs variés et efficaces. C'est sont les outils de base qui ont permis à Pete Townshend de créer un arsenal de riffs de légende et c'est ce qui caractérise le style acoustique de ce géant du rock et cela peut devenir les vôtres également. Les figures 1 et 3 ci-dessous sont des positions clés de triades de D et de E de base et les figures 2 et 4 représentent des plans et des développements harmoniques de ces positions clés que Pete Townshend crée sur le manche de la guitare.

La figure 2 est une progression simple V-IV-I en tonalité de ré sur une note pivot de D, dans le style de morçeaux comme "Substitute et Magic bus". Cependant il utilise des accords de substitutions d'inter-changement modal E et F en fin de mesure sur une suite de croches; ce plan est tiré de Tommy également. Il convient d'utiliser la technique de l'aller et retour (picking alterné) sur ces plans en croches, mais un "picking" simple en aller peut-être plus efficace pour la précision et la vélocité rythmique à la main droite. Pour la main gauche, vous pouvez étouffez la durée des accords afin de reposer votre main, ceci également pour créer un effet rythmique pizzicato et tenuto intéressant. certes dans le style de Pete. Pour être plus proche de Pete, Il convient aussi de respecter les signes d'accentuation sur les temps forts, donc d'attaquer plus fortement les accords et les temps notifiés d'un "sforzando". 

La figure 4 est également tirée voir inspirée de Tommy ( i can see for miles et Dr Jimmy), c'est une cadence I-V-IV en E. Ceci dit en utilisant le voicing de E le long du manche en différentes positions et les cordes à vides, cela donne des voicings riches et exotiques voir suspendus de quarte et de seconde sur une note pivot de E (mi) et en croches soutenues pour la régularité rythmique. Magnifique et génial tout cela, le génie et la maîtrise de Pete Townshend à l'oeuvre.

 

Les plans rythmiques de Peter Townshend
Les plans rythmiques de Peter Townshend
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21 décembre 2015 1 21 /12 /décembre /2015 13:28

Jimmy Page's acoustic style

Jimmy Page's acoustic style

A la genèse des seventies, le rock anglais et le psychédélisme étaient encore dans une période de gestation, d'expérimentation. Pour ce qui fut des artistes et du publique anglais, ils étaient partagés entre plusieurs tendances. D'un côté, il y avait la pop/rock révolutionnaire des Beatles, des Kinks qui faisait vaciller les repères, les valeurs et les grillages de sécurité autour des stadiums; de l'autre le blues s'immiscait avec délice dans la musique anglaise, depuis qu'Alexis Korner, Cyril Davies, Eric Clapton et quelques autres, dix années plus tôt, s'étaient passionnés pour les sonorités du Delta. Pendant ce temps, Jimmy Page était devenu l'un des musiciens de studio les plus sollicités de Grande-Bretagne. Pendant une décennie, il s'est familiarisé avec les styles et les techniques de la "musique d'intérieur" pour devenir un musicien professionnel polyvalent hors-pair. Mais au milieu des années 60, Jimmy Page voulu tourner la page, et réfléchir à une formule musicale, celle qui lui permettrait de se frotter à un public live et qui ferait de lui une référence, une superstar dans un supergroupe.

Biographie

Nombreuses sont les biographies de Jimmy Page, mais peu s'attardent sur son parcours avant la genèse du "Led Zeppelin", ni de son style et ses influences acoustiques. James Patrick Page de son vrai nom voit le jour au début de 1944, le 9 janvier à Heston dans le Middlesex. Il n'est pas issu d'une famille mélomane et aisée, on ne pratique pas le piano ou le violon à l'heure du thé chez les Page. Ces parents ne se sont pas inquiétés de le voir à 13 ans déjà, s'investir totalement dans le monde de la musique, ils étaient rassurés à l'idée qu'il puisse gagner sa vie en travaillant en studio, ce qu'il fit dès ses 17 ans. C'est à cet âge qu'il se procure la"black beauty" de chez Gibson qui l'accompagnera dans dans toutes ses sessions en studio à l'avenir. Il a appris ces plans en écoutant des disques, repiquant des riffs et solos et en jouant par-dessus les écoutes; il développa un jeu par bribes avec patience sans un style en particulier. Le système D: on repique ici, on relève un solo par là et on adapte à sa sauce. Comme d'autres de son temps, son style va se forger à l'écoute du Blues (Elmore James, Muddy Waters, etc.) et des pionniers américains du rock and roll (Cliff Gallup, Scotty Moore, etc.). En 1961, histoire de travailler sa propre musique et de souffler, Jimmy Page s'inscrit pour deux ans dans une école d'art, les cours le jour, et la scène du "Marquee Club" la nuit. En 1963, il faisait jusqu'à trois séances de studio par jour; une prise pour une musique de film le matin, une séance pour un groupe de rock l'après-midi et le soir une session pour un groupe de folk. Le travail de studio lui a apprit la discipline et lui a permit de se développer dans différents styles. Au milieu des années 60, Il décida de former un super groupe de rock; Led Zeppelin. Quelle fut la formule qui fit le succès de ce quatuor ? Une remarquable combinaison d'individualités; de Robert Plant extravagant et baroque, par Jimmy Page mystique et omniprésent, par John Bonham bouillonnant et rustre puis par John Paul Jones pragmatique et réservé. Le second facteur fut la volonté d'échapper à la vogue pop du moment et enfin le troisième facteur Led Zeppelin fut un gang de professionnels au contraire des autres formations de leur temps plus collégiennes.

Le style acoustique

Jimmy Page est avec certitude le musicien qui a le plus influencé des générations de guitaristes de rock et de folk par ses riffs, ses patterns d'accompagnements, ses développements harmoniques uniques et inspirés, ses structures de solos de guitare, ses arrangements et ses principes de composition. Cependant même s'il a souvent été loué, son univers acoustique n'a pas souvent été exploré, voir étudié. Cet univers folk acoustique s'est exprimé avec le plus de talent sur le troisième album du groupe; Led Zeppelin III. La puissance sonore s'est effacée au profit de l'inspiration acoustique qui s'exprime notamment avec la pièce Bron-Y-Aur en open tuning hybride de C6. Jimmy Page est le premier compositeur de rock a avoir exploré avec inspiration l'univers des open-tunings avec CSN&Y certes. Une des premiers chef-d'oeuvres acoustiques de Page est "Babe i am gonna leave you" marqué par des arpèges descendantes, par son mouvement mélodique de basses sur la grille harmonique de; Am-C/G-D7/F#-F-E7 (voir l'intro ci-dessous). Le génie de Page se révèle à 3.30 mn dans la piste quand il oppose à son plan originel, une suite descendante de triades en position serrée avec des enrichissements harmoniques et sur une pédale mélodique statique de La (A) tel que l'exemple 1 ci-dessous ( astuce: changer la métrique en 4/4, et ensuite travailler d'abord le diagramme des accords enrichis, cela devrait le faire). Jimmy Page utilise souvent un jeu de "picking" hybride (chicken picking) en jouant les trois cordes graves avec le plectre tout en pinçant les cordes aigües avec son majeur, annulaire et le petit doigt. Si cette technique est trop difficile à mettre en place, travaillez ces exemples en "fingerpicking" traditionnel pour plus de confort de jeu.

Accordages hybrides et alternatifs

Jimmy Page a su exploré différentes formes d'accordages, certains furent originaux et inédits, d'autres plus traditionnels, ce que l'on nomme en vocabulaire musical des "open tunings" ou accordages ouverts. Ceux-ci sont de différentes natures: soit traditionnels, soit hybrides, soit alternatifs ou encore "crossovers" donc en mineur. Dans les prochains exemples, le propos sera d'explorer quelque uns de ces accordages que Jimmy Page a utilisé pour des pièces instrumen-tales ou des accompagnements. Si le fait de changer d'accordage vous rebute par tradition ou que cela vous intimide, je vous invite ici à profiter de cette occasion pour essayer ce procédé pour plusieurs raisons; la première est que l'on trouve à notre époque des accordeurs adaptés à ces changements d'accordage pour un budget avantageux, ce qui rend les "tunings" plus faciles, ensuite la plupart des musiciens ont appris à accorder et travailler en standard tout comme de vérifier la justesse du son dans l'apprentissage de la guitare, donc les"open-tunings" ne seront pas plus difficiles à apprendre. Pour conclure, ces chansons et pièces de Jimmy Page ne peuvent ressortir dans leur magie sonore que si elles sont travaillées et interprétées dans l'esprit de leur créateur, donc avec les open-tuning appropriés. En ne les étudiant pas, vous vous privez d'éléments d'un des plus grands héritages musicaux existants.

Sur ces propos, accordez-vous en C6 tuning-de grave à aigu (C-A-C-G-C-E). Ensuite travaillez l'exemple 2 en faisant un hammer-on sur la 5ème corde tout en balayant toutes les cordes, cela vous donnera le plus formidable des accords de Do (C) que vous ayez entendu jusqu'ici. Jimmy Page utilise cet accordage sur "Friends, Bron-Y-Aur, Poor Tom", ceci dit le climat oriental "Mojo" sur Friends est évoqué par un cycle d'octaves en glissando sur un bourdon en quinte voir l'exemple 2b.

Open-tuning de G

Passons maintenant à l'open-tuning de Sol (G)(D-G-D-G-B-D) de grave à aigu. Jimmy Page a utilisé cet open-tuning sur plusieurs morceaux dont "That's the way". Le riff de base est construit autour d'une position ouverte en G pour ensuite utiliser un plan en glissando de C renversé à D enrichi pour terminer sur des harmoniques naturelles de G en 12ème position. Cela nous donne ce superbe esprit pastoral que Page nous gratifie comme suggéré dans l'exemple 3 ci-dessous. Un autre exemple: depuis votre open tuning de G (G), montez la 5ème corde d'un ton pour obtenir un La(A) vous aurez ainsi le son d'un open-tuning appelé "Double drop D tuning" tel que Page a utilisé sur des chansons comme "Going to California". Les exemples 4a et 4b ci-dessous transcrivent deux phrases du couplet (verse) de "Going to California". Jimmy Page utilise rarement les techniques du "Travis Picking" mais sur ce morceau, il affiche une technique du pouce bien maîtrisée comme l'exige le "Travis picking". L'analyse nous montre une ligne de basse alternée sur la 4 et 6 ème corde avec une ligne mélodique jouée en syncope sur les cordes aiguës.

The Rain Song

Homérique et énorme dans sa construction, "The Rain Song" n'est pas complètement acoustique, car par le support de nombreuses pistes, ce morceau est un arrangement instrumental assez intriguant dans sa structure. Bien que Jimmy Page ait joué avec le Led Zeppelin ce morceau à la guitare électrique en concert, sur les tournées tardives avec le front man Robert Plant, il a régulièrement utilisé des acoustiques et électro-acoustiques. Ici il va falloir utiliser un accordage modal celtique ; D-G-C-G-C-D "the cockney tuning" de basse à l'aigu et travailler l'exemple 5 qui met en évidence le climat austère de "The Rain Song". Les arpèges descen-dantes et brisées sur une grille d'accords enrichis de cet instrumental sont le type même du style acoustique de Jimmy Page, il apprécie ces figures et traits instrumentaux. L'exemple se conclut sur un accord de G plus riche qu'utilise Page également pour conclure en lieu et place d'un "power chord" en quinte que l'on trouve sur l'enregistrement du disque original. Pour l'exemple 6 ci-dessous, il vous faudra revenir à un accordage standard (E-A-D-G-B-E) de grave à aigu. Les séquences ici en triolets et sextolets en liaisons coulés(hammer-on et pulling of) sont similaires aux brillants plans d'intro de Page sur les morceaux "Over the Hills et Far Away. L'extension de l'accord de G ( le petit doigt sur le B à la 7ème case de la 1ère corde) est une manière d'enrichir le pattern en référence aux divers pistes de l'enregistrement avec une 6 cordes et 12 cordes. Cependant les "voicings" élargis originaux de C(do) et Bb6 (si bémol) à la quatrième mesure sont ceux de Jimmy Page.

Les procédés harmoniques

Jimmy Page est un compositeur particulièrement inspiré quand il s'agit de développer harmoniquement une grille d'accords. Les astuces et les idées qu'il mit en oeuvre sur des morceaux comme "I'm gonna leave you, going to california, Stairway to heaven, Tangerine et Thank you" notamment sont des modèles du genre que tout compositeur de notre époque devrait s'inspirer pour des développements harmoniques originaux. Les accords suspendus de quarte ou de seconde, les triades enrichies d'une 9ème ou 11ème voir altérées, des accords hybrides, des polychords, des renversements etc. Tout ce que l'innovation, la créativité, l'imagination et la science harmonique permettent, furent utilisées par Jimmy Page. Voir l'exemple de formes de voicings ci-dessous et dans les scores de pièces acoustiques tel que "Tangerine". Soyez curieux et attentifs à ces astuces harmoniques. Bon courage

1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine
1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine

1ère tab: intro i'm gonna leave you 2ème tab les voicings ensuite le riff de that's the way à la fin des exemples de voicings de Jimmy Page et 3 mes tangerine

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28 octobre 2015 3 28 /10 /octobre /2015 13:13

Comment placer les micros en "home recording"

Comment placer les micros en "home recording"

Les types de microphones

Il existe de multiples formes et types de microphones, mais il semble que le plus populaire pour enregistrer la guitare acoustique ou toute forme de "cordophones" soit le "le cardioid condenser microphone" en anglais mais il faut débourser pour se le procurer. Des microphones plus accessibles pour moins de 100 euros existent tels l'Audio-Technica AT2020 ou AT2021. Si votre budget le permet, procurez-vous des modèles populaires comme le Shure SM81 ou le Neumann KM184. Des microphones dits "High-ends" vont coûter la bagatelle de 1000 euros au moins. Les microphones "cardioid" sont généralement les meilleurs pour le "home recording", parce qu'ils concentrent la prise sonore sur le devant de l'instrument et rejettent le son de l'arrière réduisant les nuisances sonores et limitant les effets d'une pièce avec une faible acoustique. Lors du choix d'un micro, soyez sûr qu'il fonctionne avec le reste de votre équipement. Les micros à condensateur nécessitent des câbles XLR et fonctionnent avec une alimentation "phantom" qui peut être fourni par votre pré-ampli ou votre interface informatique. Vous pouvez utilisez des micros dynamiques qui ne nécessitent pas de courant, mais les condensateurs sont préférables pour enregistrer tout instrument acoustique comme la guitare, car ils sont passablement plus sensibles et précis.

L'enregistrement "stéréo" avec deux micros est un moyen efficace et surtout populaire pour enregistrer le son d'une guitare acoustique, mais il est judicieux de commencer à expérimenter avec un microphone seulement. Un enregistrement "mono" fonctionne bien quand il est mélangé avec d'autres instruments, cependant même si vous enregistrez que la guitare en solo, il est utile d'apprendre d'abord à utiliser un microphone avant de passer au système "stéréo". Un emplacement basique adéquat est l'endroit où le manche de la guitare rejoint le corps environ à 30 cm de l'instrument. Une astuce pour peaufiner le placement du micro, est d'écouter au casque pendant que vous bougez le micro autour de l'instrument, mais le son du casque peut être trompeur. Vous aurez une idée plus précise et réaliste du son en faisant un court essai d'enregistrement et de l'écouter en retour sur vos haut-parleurs ou votre ampli si vous pouvez connecter un mp3 ou un enregistreur Roland à celui-ci comme un Yamaha TR5 ou 10. Il est également intéressant pour faire des changements conséquents dans la sonorité de votre instrument en enregistrements, en changeant par petits pas, la distance à votre micro et d'écouter les effets. On peut aussi essayer différentes locations du micro; quelques endroits judicieux pour commencer des essais: ceux-ci peuvent être derrière ou dessous le chevalet ou centrer en face de la guitare, mais situer au-dessus de la rosace (placer le micro directement en face de la rosace, ne fonctionne presque jamais avec efficacité).

Les installations

La distance entre le micro et l'instrument à un effet conséquent sur le son final dans un enregistrement. Dans un contexte acoustique idéal, pour un son intéressant, les micros devraient être situé à un mètre environ (3 feet) de l'instrument. Mais en "home recording", il est nécessaire de placer les micros plus près afin d'éliminer ou d'éviter des effets indésirables dû à l'acoustique de la pièce. Les micros "cardioids" sont connus pour avoir la caractéristique appelée "proximity effect" qui crée un effet de profondeur, de grave, de basse plus on l'approche de la source sonore. Cet effet se produit à une distance de 40 cm environ(16 inch). En approchant le micro, le son devient plus direct avec plus de basses. Il est utile d'expérimenter pour trouver la distance qui convient le mieux à votre chambre et à votre instrument. Il est parfois intéressant même nécessaire d'expérimenter avec l'angle du microphone, par exemple : en tournant le micro en direction de la rosace, cela va produire plus de basse, de profondeur et en changeant d'angle vers l'extérieur, cela en générera moins.

Si votre guitare doit être mise en avant en première place dans votre mixage final, il est préférable dans ce cas-là d'utiliser deux micros et d'enregistrer en stéréophonie. Une installation fréquente connue comme "X/Y", est de placer les micros de manière à ce que les capsules de ceux-ci soient le proche l'une de l'autre (pas de chevauchement), avec un angle de 90 degrés. Pour le placement des micros en X/Y, il convient d'expérimenter les locations vues précédemment pour l'enregistrement en monophonique. Il existe des porte-micros qui sont conçus spécialement pour le "X/Y" qui permettent de placer de manière précise, les micros dans une position unique et stable, c'est à dire ensemble sur le même pied donc. On peut créer et réussir un son plus aéré avec une technique appelée " spaced pairs" en anglais. Il y a plusieurs variantes de cette technique d'enregistrement, mais l'approche de base est de placer un micro là où le manche rejoins le corps de la guitare et un autre micro derrière le chevalet vers le bas de la caisse de résonance (voir la 3ème photo). Il existe d'autres manières de placer des micros, mais peu sont strictes, donc il ne faut pas avoir peur d'expérimenter.

Les photos ici vous montrent trois manières communes de placer des micros: la première photo en mono avec le micro placé à hauteur de la 12ème case du manche, la deuxième avec une installation stéréo en X/Y et la troisième avec une installation stéréo en "spaced pair".

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18 octobre 2015 7 18 /10 /octobre /2015 01:17

Travail au métronome II

Travail au métronome II

Travail rythmique avec l'harmonie

Une fois qu'un travail d'apprentissage des éléments de base du rythme à la main droite, donc des valeurs et durées simples binaires et ternaires, il convient d'évoluer vers des mouvements avec la main gauche(fretting hand) également. Dans l'exemple 5 ci-dessous, il faut appliquer à présent les valeurs rythmiques vues dans le premier chapitre sur des accords notamment ici l'accord de G triade(sol) en travaillant par petits segments rythmiques répétitifs. En réglant graduellement votre vitesse en commençant suivant votre niveau par 70 bpm, commencer par une attaque précise par pulsation (picking simple/aller) et évoluer lentement vers quatre attaques par temps en doubles-croches en aller et retour (picking alterné).

Travail au métronome II
Travail au métronome II
Travail au métronome II
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19 août 2015 3 19 /08 /août /2015 11:08

Les "Paradiddles"/développement de l'acuité rythmique

Les "Paradiddles"/développement de l'acuité rythmique

Il existe différents moyens pédagogiques et pratiques afin de développer l'acuité rythmique, la vélocité en "picking" et le développement de la créativité dans le phrasé "lead". Un de ses rudiments de travail, connu internationalement, est le "Diddle". L'un des plus connu est le "simple paradiddle". Dans l'exemple 5 ci-dessus, au lieu d'adapter des plans de drums en strumming (balayage rythmique en accords main droite) comme il peut se faire parfois comme exercices, ici nous allons plutôt adapter les plans "drums"de manière mélodique. Essayer d'utiliser une technique de "picking" alterné (aller et retour) tout le long de l'exercice, et vous observerez à force de persévérance et de discipline qu'un rythme régulier, entraînant et dynamique va émerger de votre pratique. Ce type de plans rythmiques peut vous aider à conduire un solo mélodique, un pont ou un break rythmique dans une forme musicale. L'exemple 6 permet de développer le plan à un stade supérieur en l'appliquant à un riff harmonique en double-stops(diads) avec la corde de D (ré) et comme précédemment essayer de travailler l'exercice en aller-retour("picking alterné"). L'exemple 7 vous mènera à un cran supérieur supplémentaire en alternant la basse sur les cordes ouvertes de D, A et E. (ré-la et mi).

Ces rudiments rythmiques explorent des séquences rythmiques de "drums" et les appliquent à la guitare, particulièrement pour les techniques avec des plans de "picking" (pincements au doigts et plectre), "strumming" (balayage des cordes main droite) et de "fretting" (doigtés sur la touche). En adaptant certains de ces patterns dans votre jeu guitaristique, surtout en travail soliste mélodique, vous pourrez sérieusement développer votre acuité rythmique, votre vitesse de "picking" et trouver de nouvelles idées de phrasé mélodique. Soyez patient, persévérant, et constant dans votre pratique!! Bon travail

paradiddles exercices en aller-retour sur gammes pentatoniques
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