Musicology and guitar styles

Pour des guitaristes qui n'ont pas passé des années de dévotion à étudier dans un conservatoire local, développer un répertoire de guitare classique peut sembler un but impossible à atteindre. Dans la série d'articles qui vont suivre, nous allons analysé des techniques et quelques pièces accessibles à des guitaristes quelque soit leur niveau et leur apport de connaissances sur le sujet. 

Assumer la position de jeu classique

Le positionnement assis pour le jeu classique à la guitare intègre traditionnellement le fait de soulever la jambe gauche et de poser le pied sur un repose-pied ajustable afin de soulever et de placer la guitare dans une bonne position d'emploi et de jeu. Si vous n'avez pas de tabouret spécial pour guitariste, vous pouvez employer la caisse de la guitare ou tout autre matériel qui permet de soulever le pied de quelques centi-mètres du sol. Dans le positionnement traditionel du guitariste classique, l'instrument devrait toucher votre corps en trois points; sur la cuisse gauche, près du coeur et l'intérieur de votre cuisse droite. Cette position de la "jambe gauche levée" à durer des siècles dans les habitudes guitaristiques, parce qu'elle permet de placer la guitare dans une position confortable où le corps bloque et maintient l'instrument sans que les mains interviennent pour cela, elles peuvent se placer dans une position qui va procurer de l'efficacité et de la précision à votre jeu guitaristique. 

Tout ce qui a été dit précédemment est important dans la mesure où le manche d'une guitare classique est plus large que celui d'autres guitares et l'espacement des cordes est plus conséquent aussi. 

Si vous avez l'habitude de vous servir et de jouer sur une guitare folk à cordes métalliques avec un positionnement de la guitare sur votre jambe droite non sur la cuisse(également soulevée par le repose-pied dans mon positionnement) en laissant le pouce glisser sur le haut du manche parfois par dessus celui-ci. Eh bien, la position traditionnelle classique vous semblera fausse et fort inconfortable. Astreignez-vous à ce changement avec patience et la position commencera à vous paraître plus naturelle. Il y a certes plusieurs façons de tenir et de jouer de la guitare bien sûr, mais si vous cherchez à étudier la guitare classique, ce sera valorisant que de donner à la position traditionnelle classique un essai tout au plus.

Pour trouver le positionnement adéquat de votre main gauche, laissez d'abord votre bras gauche pendre vers le sol, le plus détendu possible. En tenant votre guitare dans la position de jeu, élever votre bras gauche, amenez en douceur votre main toujours détendue autour du début du manche, puis placez vos doigts à plat sur la touche (bloqués et bien écartés de la 1ère à la 6ème corde) avec le pouce gentiment mais fermement placé sur le dos du manche, sur son arrondi au milieu. Il n' y a que les doigts et le pouce qui doivent être au contact du manche et de la touche, ensemble ils produisent un effet de pince. Ensuite comme petit exercice, glisser lentement votre main gauche toujours bien à plat le long du manche de la première case à la douzième en gardant à l'esprit que le pulpe du pouce doit être bien à plat, détendu en opposition et face à face avec l'index et le majeur. Le pouce doit toujours rester positionner sur la ligne médiane du manche ou légèrement placer au-dessus de celle-ci. 

Après avoir pratiquer ce mouvement continu horizontalement plusieurs fois, laissez votre main se reposer un instant avec votre index à la cinquième case et tous les autres doigts bien à plat sur les cordes. 

Faites rouler en "pointe" vos doigts maintenant tous sur la troisième ou la quatrième corde, un doigt par case avec le dernière phalange et la pulpe du doigt comme point de contact avec la corde, l'index à la cinquième case et le petit doigt à la 8ème case. Observer comment la gracieuse et élégante cambrure de vos doigts termine et se moule sur la corde et la touche. Cette position résulte d'un emploi judicieux de votre main gauche, d'un alignement optimal de vos tendons et des articulations et cela permet un mouvement "de piston" de vos doigts qui peuvent donner un haut degré de précision à votre toucher. 

Essayons maintenant cette position de la main gauche sur un extrait de l'Andante de Ferdinand Carulli voir l'exemple 1 ci-dessous, une pièce type de l'ère classique guitaristique italienne. Vous allez travaillé sur le sujet des techniques importantes pour la main gauche que sont les "Hammer-on" et "pulling of" ou suivant le vocabulaire technique classique, des coulés descendants et ascendants. Pour exécuter un "hammer-on", il vous faut marteler le bout de votre doigt ou de vos doigts sur une corde dans une case suivant l'effet désiré pour obtenir une ou deux autres notes en lié. Pour le "Pulling-of" (coulé descendant), on pourrait dire simplement que c'est un mouvement inverse au "Hammer-on" (coulé ascendant), il vous faut tirer rapidement sur une corde avec le bout du doigt dans un mouvement descendant pour obtenir un son voisin. Chaque liaison ou coulé doit produire un son lié et articulé, ceci pour permettra de donner de la vélocité à votre jeu guitaristique.

L'art de l'arpège classique

Si vous avez seulement intégré le jeu au plectre (flatpicking) dans vos outils  et vos habitudes guitaristiques et puis soudainement vous décidez de passer à un jeu technique aux doigts (fingerpicking), vous allez injecté une nouvelle forme de style, de caractère et de vie dans votre musique. 

Les guitaristes classiques qui travaillent exclusivement aux doigts (fingerpicking), sont tout à fait conscients des possibilités acoustiques de leur instrument. Même si vous n'avez jamais considéré vous intéresser au jeu classique guitaristique, le fait d'étudier les principes de ces musiciens aura un impact sur votre jeu guitaristique. Ce chapitre va se concentrer sur l'apprentissage et l'application de la notion d'arpèges-une technique utile et importante dans le répertoire de tout musicien- à travers le regard d'un guitariste clas-sique. Tout comme des harpistes qui sonnent chaque note sur leur instrument, les arpèges sont utilisées par un guitariste quand les notes d'un accord doivent être interprétées une par une au lieu de l'être simultanément. Les guitaristes peuvent utiliser une grande variété de techniques pour les jouer avec ou sans un plectre, cependant les musiciens classiques effectuent les arpèges en pin4ant (free stroke) les cordes une par une avec les doigts de la main droite(picking hand).

Pour commencer, asseyez-vous dans la position classique appropriée, en posant votre pied gauche sur un repose-pied ou un tabouret. Reposer légèrement l'avant-bras droit (pas le bras complet) sur le milieu de la partie inférieure de la caisse de votre guitare. Assurez-vous que votre coude est dans l'alignement de votre épaule et que votre main tombe juste en-dessous de la rosace. Pour être sûr que votre main est détendue, faites un poing, puis desserrez-la dans une position confortable. Arquez légèrement votre poignet puis retroussez vos doigts dans une forme de demi-cercle, touchant doucement un autre doigt. (évitez de trop arquer, cela pourra créer des tensions dans les tendons et amener à de douloureux problèmes physiques plus tard).

Maintenant que nous avons une position pour la main droite, essayons de pincer une corde avec l'index. A l'approche de la corde, pointer l'attaque de celle-ci pour que le contact se fasse là où l'ongle et la pulpe du doigt se rencontrent. Votre doigt devrait l'attaquer avec un léger angle d'approche, de sorte que l'on pince près du bord intérieur de l'ongle. Le pouce, quant à lui, devrait se tenir droit à l'articulation, s'étendant légèrement au delà de l'index. Quand il approche et frappe la corde, déplacez-le vers le bas près de l'index, dans une mouvement de levier. Jetez un oeil sur l'exemple 1 ci-dessous un arpège simple qui inclut le doigté approprié pour une technique classique. Frappez et pincez chaque corde de la manière vue précédemment, en laissant chaque doigt suivre son mouvement vers la paume de la main droite(en étant sûr de bien se placer au-dessus de la corde inférieure suivante). Pendant que le prochain doigt va pincer une corde, laisser le doigt précédent se détendre et retourner à sa position de départ, prêt pour pincer sa prochaine note et corde. 

Ensuite appliquer ces techniques sur des progressions d'accords triades comme ci-dessous, en variant les tonalités. Cela est nécessaire voir utile pour progresser dans sa connaissance du matériel musical.

Prélude de la Suite pour Cello No. 1 en G Major

La musique de Jean Sébastien Bach a été largement transcrite pour la guitare classique, incluant une grande collection de pièces originellement écrite pour le violoncelle soliste, le violon alto ou solo, le lute et les claviers (clavecin, orgue, piano forte). Au fil des années, les suites de Bach pour violoncelle solo ont été l'une des sources favorites des matériaux des transcripteurs et copistes, pas seulement à cause du génie de ce compositeur et de la beauté esthétique de ses suites, mais aussi du fait que ces compositions se transposent aisémment au jeu de la guitare. Tel que la suite pour violoncelle No 1 en sol majeur, transcrite ci-dessous et que l'on trouve dans plusieurs enregistrements de grands maîtres de la guitare classique tels que Segovia et John Williams. 

La brillance et la maîtrise du contrepoint, comme le génie et la sensibilité mélodique de J.S.Bach sont soulignées dans la plupart de ses oeuvres pour cordes, où une seule ligne mélodique implique deux à trois voix. L'insuffisance de la texture de ses lignes mélodiques invitent les guitaristes à placer des notes de basse, de déplacer des octaves dans la ligne de basse et d'intégrer des harmonies et accords. Dans l'arrangement ici, le prélude est transposé de sa tonalité originale de Sol en Ré majeur en utilisant un "drop d tuning". 

On a essayé ici de donner un équilibre entre suivre le score original et d'adapter la pièce dans un esprit de guitariste classique contemporain. Voici six mesures de cet arrangement présentées ci-dessous.

Andres Segovia

Beaucoup de jeunes guitaristes n'ont qu'une conscience passagère de l'un des maîtres de la guitare classique espagnole, Andres Segovia. Apparaissant dans des images en noir et blanc et sur des vidéos floues sur U-Tube comme un vieil homme trapu aux cheveux blancs minces avec d'épaisses lunettes, il est loin dans son look des dieux de la guitare d'aujourd'hui. Mais à son apogée, il fut un virtuose incroyable et une célébrité avec des millions de fans à travers le monde, y compris d'autres musiciens talentueux tels Frank Martin, peintres, poètes et même des chefs d'état. 

Segovia fut un ardent défenseur de la guitare. Il s'était envisagé lui-même comme un apôtre de cet instrument et il s'était engagé à faire respecter la guitare dans le monde classique tout autant que le violon ou le piano. Il n'était pas le seul guitariste talentueux du début du XXème siècle, mais par ses tournées de concertiste sans relâche dans tous les coins du monde, élargissant le répertoire par la mise en service de nouvelles oeuvres, en profitant de ce nouveau média que fut le studio d'enregistrement et publiant des centaines de partitions de pièces composées pour d'autres instruments, le nom de Ségovia fut devenu synonyme de la guitare classique. 

Il n'a pas seulement redéfinit le répertoire essentiel de cet instrument, qui fut appelé et encore aujourd'hui le répertoire Segovia, mais à travers son enseignement Segovia a eut une influence directe sur trois générations de guitaristes qui ont continué à porter le flambeau qu'il alluma, améliorant encore la notion de guitare classique. La présence de Segovia se fait encore sentir dans les départements guitare de multiples conservatoires et universités. Le travail prosélytique de Segovia pour la guitare engendra une vague de grand intérêt pour l'instrument en général. Alors qu'il était strictement un musicien classique(et souvent critique concernant les autres styles de jeu guitaristique, le jazz notamment), de nombreux guitaristes d'autres genres musicaux ont reconnu ses multiples contributions au monde de la guitare. Une citation célèbre de Georges Harrison des Beatles référant Segovia comme "le père de nous tous". 

Les études de Giuliani

De son temps, le guitariste italien Mauro Giulani (1781-1829) était considéré par beaucoup de ses pairs comme le meilleur instrumentiste de l'époque, voir du monde entier. Mauro Giuliani était aussi un compositeur remarquable; ses concertos et ses sonates sont restés les pierres angulaires de la littérature classique pour la guitare. Et ses 120 études pour le développement de la main droite (publiées en 1822) ont longtemps été utilisées par des étudiants et des professionnels de la pédagogie. Alors que les 120 études ont été écrites avec la guitare classique et cordes en nylon à l'esprit, les guitaristes utilisant des folk à cordes métalliques ou électriques pourront trouver dans ces plans un bénéfice non négligeable pour le développement de leur technique et leur vocabulaire guitaristique. 

Chacune de ses études est construite autour de la même progression harmonique "C-G7-C" mais avec un différent motif de doigté au fur et à mesure de la difficulté des niveaux. En combinant les plans de Giuliani sur d'autres tonalités et progressions harmoniques ou encore sur des "open tunings", vous pouvez travailler sur des exercices qui vont accentuer la facilité de jeu de votre main droite comme son endurance et sa précision quelque soit sur les types de cordes et de guitares que vous utilisez.

Les études de Mauro Giuliani commencent avec quelques plans assez simples de doigté. Examinons quelques uns de ceux-ci utilisant une progression I-V7 dans la tonalité de Mi majeur. Comme adaptation de l'étude No1 de Giuliani, l'exemple no1 oppose des intervalles (diads, groupe de deux notes) sur les deux cordes aigües avec des notes de basse actives en noire rythmique. Dans cet exemple comme dans tous les autres plans, placer et plaquer chaque note des diagrammes d'accord complètement pour toute la mesure. Tout en pinçant les cordes et les notes, laisser celles-ci sonner avec sustain au tempo que vous souhaitez. Comme notifié sur la partition, attaquer les cordes basses avec le pouce en mouvement descendant (p) et les cordes supérieures avec le majeur (m) pour le mi et l'index(i) pour la corde de si par un mouvement similaire ou contraire dans le cas d'une arpège brisée. Il est aussi possible d'appliquer un autre doigté tel que l'annulaire (a) et le majeur (m) en lieu et place de l'index et du majeur pour l'attaque des deux cordes aigües. Pour toutes les études et les exemples de Gulliani, expérimenter par votre main droite, le bon angle d'attaque avec votre ongle et la pulpe (chair) des doigts, jusqu'à ce que votre toucher des cordes donne le meilleur son possible( volume et attaque). Pratiquer le motif entre les points de renvoi de la partition jusqu'à ce que vous pouvez proprement passer d'un accord de E à B7, doigtez précisément chaque structure de trois notes, et concluez l'exemple par un balayage complet sur l'accord de E majeur avec le pouce et les doigts et non uniquement en "brossé" ou "brush" du pouce.

Travaillez un classique espagnol "Lagrima"

Francisco Tarrega, l'un des compositeurs les plus renommés internationalement de la guitare classique, et il a vécu de la fin du IXe siècle et au début du XXème. Ce fut une période durant laquelle la musique espagnole que ce soit le flamenco ou le classique hispanique a accédé à la notoriété. Les sempiternels favoris de la guitare classique tels "Recuerdos de la Alhambra" tout comme le petit bijou appelé"Lagrima" qui signifie larme en espagnol, ont été écrits par Tarrega dans ses belles années et ils restent essentiels au répertoire de la guitare classique encore aujourd'hui.

"Lagrima" est une miniature dans le sens d'une courte pièce instrumentale dans une structure simple en AABBA.  Dans cette structure basique, le compositeur a intégré une modulation allant de E majeur à E mineur pour revenir en E majeur, ce qui plus ou moins surprenant comme procédé de composition pour des classistes, mais dans les habitudes culturelles de la musique flamenco. On peut observer une influence de ce cadre stylistique donc dans cette courte pièce classique. Bien que la pièce soit brève, elle nécessite cependant un grand nombre de changements de positions à la main gauche (fretting hand), certains étant difficile à exécuter sur une guitare latine surtout à la fin de la section A. Ces difficultés techniques peuvent être facilitée par l'utilisation d'un doigt pivot mobile dans les changements de case. En exemple, citons la partie d'introduction de la partie A, dont l'extrait ci-dessous fait référence, le quatrième doigt de la main gauche va devoir changer de position sur la corde aigüe de mi pas moins de six fois ceci avec l'index sur la quatrième corde bien sûr. A la fin des mesures un et trois, la main gauche doit accomplir des sauts importants de la sixième case à la première case, ceci requiert de l'interprétant qu'il couvre la distance, localise la nouvelle position d'intervalle et arrive précisement sur le premier temps de la mesure suivante. Il faut anticiper le travail de la main gauche pour des positions de cette nature en visualisant mentalement votre main sur la case de destination.  

Variations thématiques et mélodiques

Le fait de créer des variations sur une mélodie thématique ou des grilles harmoniques a toujours été depuis longtemps un excellent procédé afin de développer un matériel musical simple pour donner une pièce dès plus complexe. Les compositeurs classiques ont souvent utilisé cet outil de composition citons en exemple "les variations Goldberg" de Jean Sébastien Bach, ou la sonate denommée Folia de Corelli ou encore "les variations Ah vous dirais-je maman" de Mozart viennent à l'esprit. Mais on en trouve dans d'autres styles et périodes temporelles, en particulier chez les "fiddlers' du Bluegrass lors de concours sur scène tout comme chez les musiciens de jazz qui ont créé de nouvelles approches du travail soliste. Plutôt que des approches basiques contemporaines de solo sur des implications harmoniques d'un standard, les premiers musiciens de jazz, tels Louis Amstrong et Bix Beiderbecke préféreraient modifier la mélodie d'une chanson avec des syncopes, anticipations, retards, des ellisions et d'autres techniques de variations et aujourd'hui les meilleurs improvisateurs en font de même. Comme clin d'oeil aux compositeurs classiques qui furent des pionniers dans l'approche thème et variations, nous allons dans cet article étudier un thème mélodique classique et explorer l'approche de variations sur celui-ci. 

Comme thème mélodique, nous allons utiliser les deux premières mesures de "Lacrimosa" du Requiem de Mozart. Cette courte introduction jouée par les cordes avant que les voix n'entrent, introduit le matériel de base harmonique et mélodique que Mozart  a su développer dans le reste du mouvement. Comme l'interprétation est lente, triste, dramatique cela est tout à fait jouable sur une guitare. 

Jouer les deux premières mesures (notifiée thème) présentées ici ci-dessous. Ne soyez pas intimidé par toutes les croches, c'est un morceau très lent; si vous régler votre métronome sur 80 noires à la seconde, et d'avoir le click placé sur chaque croche, vous aurez le bon tempo pour travaillez ce thème. Travaillez-le plusieurs fois complètement pour avoir une idée du matériel musical que nous allons utilisé, mais ne vous tracassez pas si vous ne l'interprétez pas parfaitement. Nous allons le modifier et le simplifier immédiatement

Une des façons les plus simples de faire une variation est de transposer le thème de base à l'octave au-dessus ou au-dessous. Ainsi commençons par cela, déplacez la mélodie une octave au-dessous et en première position( voir variation1). Observez que l'on utilise que la partie supérieure du thème ici comme mélodie. 

 Essayez par la suite des variations rythmiques en diminuant ou en augmentant les valeurs rythmiques, en remplacant des croches par des noires ou des doubles-croches. Bon travail et courage.