Musicology and guitar styles

8. Intégrer des phrases monodiques:

La grande majorité des auteurs-compositeurs utilisent la guitare dans le processus d'écriture que pour des plans harmoniques de balayage d'accompagnement ou de simples figures en "finger-picking", mais beaucoup d'intéressantes possibilités apparaissent quand on intègre des phrases monodiques et des mélodies dans le processus d'écriture. Bruce Cockburn a décrit un jour cherchant des idées pour compléter ce qui devait être chanter ou l'aider à le mettre en valeur; " parfois l'idée est de jouer des phrases mélodiques en soudure avec ma voix, parfois à d'autres moments il s'agit de plans dynamiques en arrière-fond de la mélodie". Comme la musique de Cockburn le démontre, il n'est pas nécessaire de tout le temps placer des accords, il est intéressant également de placer des interludes constitués d'une ligne de basse ou d'une mélodie qui donnent de la consistance et du caractère à votre pièce ou chanson. Etudier la phrase mélodique thématique de la chanson "Friend of the devil" du Grateful Dead, il s'agit juste d'une gamme majeure descendante en Sol(G). Cette chanson ne serait pas la même avec simplement un balayage harmonique en G et C.

Travailler avec le rythme

9. Utiliser votre pied:

Il n' y a rien de plus motivant et d'inspirant en composition qu'un bon "groove" et comme plusieurs maîtres en la matière l'ont affirmé, il faut arriver à le sentir avec son corps pour le transcender sur la guitare. " Le rythme vient du pied" affirmait Richie Havens. "C'est mon métronome corporel et il fait partie de mon jeu musical". La même chose est vraie pour Chris Smither, pour qui le battement du pied fait partie de son style et son. Si vous n'êtes pas coutumier du fait de garder le tempo avec votre pied, laisser votre guitare de côté et simplement chanter en synchronisation avec vos battements de pied pendant que vous étudiez une nouvelle chanson. Lorsque vous réintroduisez la guitare dans votre pratique, synchronisez votre main droite(picking hand) avec vos battements de pied. Penser la guitare en tant que support du "beat" plutôt que le contraire.

10. Composer depuis la basse:

Un autre élément essentiel d'une bonne rythmique est la ligne de basse. Certains auteurs-compositeurs pensent la guitare comme une basse( Martin Sexton, par exemple lui va jusqu'à demander aux ingénieurs du son de mixer sa guitare comme si c'était une basse). KT Tunstall aimait plaisanté sur le fait qu'en tant que compositeur, elle ne se sentirait pas gênée si quelqu'un lui volait toutes les cordes aigües de sa guitare. Des chansons comme "Black horse and the cherry tree" et "Hold on" sont construites avec un riff percussif sur une corde grave. Dans une perspective de compositeur, se concentrer sur la partie grave de la guitare à plusieurs avantages. Une ligne de basse musclée renforce le groove rythmique et laisse beaucoup d'espace pour explorer la ligne mélodique, et en commençant avec la ligne de basse et mélodique cela vous laisse des options pour intégrer l'harmonie par la suite. Par exemple disons que pour un passage, nous ayons la note Sol (G) en basse; nous pouvons donc placer un accord de G par-dessus, mais nous pouvons aussi placer des "voicings" de C ou Em avec une basse de Sol, donc des renversements ( voir l'exemple 4 ci-dessus). Ces accords vont apporter une autre couleur et direction à votre progression harmonique.

11. Travailler avec des "Loops"(séquences):

De plus en plus de nombreux auteurs-compositeurs mettent la guitare de côté dans une certaine mesure et composent à partir d'un plan rythmique, tout au moins dans les premières étapes. Ces musiciens démarrent leur travail d'écriture avec des rythmes du répertoire du "garage band" d'Apple. Ils ou elles programment une séquence, parfois deux rythmes combinés ensemble en polyrythmie et ensuite improvisent dessus avec une basse, un piano ou la voix. Le but étant de chercher des chemins imprévus pour que les éléments musicaux se juxtaposent de manière à créer l'inspiration. La guitare étant intégrée plus tard quand le compositeur a une idée claire de ce qu'il désire ajouter ou dire. Une bonne idée étant de jouer un rythme avec n'importe quel outil de percussion(tambourin, guiro, claves etc.) et d'improviser une mélodie voir des mots par dessus. Si vous trouvez que cet exercice est difficile voir trop distrayant de pratiquer les deux ensembles, dans ce cas créer une séquence rythmique avec un boss ou un séquenceur yamaha QY70 ou encore enregistrer quelques minutes de rythmes en percussion qui vous conviennent et ensuite pratique avec cet enregistrement. J'ai déjà composé des chansons en commençant par des grooves de basse ou de percussion que j'ai enregistré puis télécharger sur un lecteur mp3 pour pouvoir chanter avec tout en marchant dans la rue ou en conduisant.

Tradition d'exploration

12. Soyez simple et concret:

Il est tentant de vouloir montrer ses techniques et d'utiliser des plans et des "voicings" difficiles, voir complexes que l'on connaît sur sa guitare ou sa basse. Cependant ce qui nourrit l'"égo" d'un musicien n'est pas obligatoirement ce qu'un public d'audi-teurs recherche dans une pièce musicale comme une chanson; une simple mélodie, un bon "beat" tout comme une clarté émotionnelle tendent à connecter bien plus directement et puissamment qu'un accompagnement astucieux ou fantaisiste dans le sens créatif du terme. C'était ce que Pete Seeger, citant Woody Guthrie, appelait "le génie de la simplicité" et c'est la qualité de musique traditionnelle "folk" qui s'est transmise entre générations oralement.

Jakob Dylan ( le fils de Bob Dylan) a parfois cité le fait " de venir au travers de mélodies qui semblent être là depuis toujours mais qu'il est difficile de placer. Lorsque cela se produit, n'évaluez pas et ne vous sentez pas obliger de compliquer votre travail- sortez du chemin tracé et laisser parler la simplicité.

13. Utiliser des modèles:

Beaucoup d'auteurs-compositeurs "folk", dans la tradition de Woody Guthrie, ont composé des chansons en écrivant de nouvelles paroles sur une ancienne mélodie. Une approche subtile est d'utiliser une forme existante(chanson ou instrumental) comme un modèle( une structure harmonique, rythmique et mélodique) par-dessus laquelle vous créer votre composition pour en fin de compte remplacer tous les éléments identifiables de l'ancienne chanson par vos propres idées. Billy Bragg l'auteur compositeur anglais (Folk-Punk) disait avoir composé sa chanson "The Few" en relation avec "Desolation Row" de Bob Dylan. Il a donc ré-écrit la mélodie tout en gardant le même phrasé. John McCrea du groupe californien Cake a utilisé un poème de Robert Frost comme modèle pour sa chanson "Bound Away". Il a certes finalement remplacé presquetous les mots de Frost par les siens.

14. Analyser vos chansons favorites:

Pénétrer à l'intérieur de vos chansons préférées et les étudier dans leur structure est une manière intéressante de susciter de l'intérêt pour vos compositions, particulièrement si vous avez les bons outils théoriques. Le but de l'apprentissage de la théorie disait Paul Simon est d'avoir des options. " Il peut avoir un moment où vous désirez exprimer des idées plus complexes, et il sera au combien agréable d'avoir ces outils à votre disposition si cela était le cas. Et il y a des moments où des accords simples seront dès plus satisfaisants et ce moment procura un plaisir certain également. Je pense que plus on a de techniques, plus on a de choix possibles en temps qu'auteur-compositeur." Pour un auteur-compositeur, l'outil théorique le plus utile peut-être est de penser la grille harmonique non en tant que lettres majuscules mais par leur relation chiffrée dans un univers tonal ou modal. Par exemple au lieu de mémoriser une progression dans la tonalité de D (ré) comme D-Bm-A, pensez-la comme I-vi-V. ( Ré étant la tonique I, Bm étant le sus dominante vi et A étant la dominante V). Armer de cette information, vous pouvez comprendre comment interpréter la même progression dans une autre tonalité: I-vi-V dans la tonalité de G est Sol-Mm-Ré; dans la tonalité de C c'est Do-Am-Sol,etc.

15. Creuser dans le passé:

C'est une étrange tournure de l'histoire de la musique populaire qui depuis les seventies, a fait que l'auteur-compositeur interprète est devenu autant un genre musical en lui-même qu'une description de celui qui interprète ses propres compositions. Beaucoup, voir la plupart des auteurs-compositeurs, ces temps sont influencés principalement par d'autres artistes avec peu de connaissance des traditions d'écriture d'autres époques et genres. Plusieurs artistes ont affirmé leur intérêt pour l'époque de la" Tin Pan Alley" où les auteurs-compositeurs comme Irving Berlin et Cole Porter ont produit plus de chansons autour du piano que de la guitare et des thèmes lyriques plus universels que des révélations individuel-les. "Je suis clairement un chanteur compositeur interprète disait Stephen Fearing l'artiste folk canadien de Vancouver, mais je pense que les types d'auteurs-compositeurs Us ont exploré un grand nombre de limites et ont poussé la bulle un peu loin. Maintenant je suis intéressé à être un auteur-compositeur". Pour un guitariste auteur-compositeur qui est imprégné de culture folk et rock, le fait d'étudier ces anciennes souches de culture musicale populaire, peut élargir le vocabulaire harmonique.