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22 août 2012 3 22 /08 /août /2012 14:13

Alors que le conducteur machiniste John Henry fut un personnage légendaire mis en scène dans une chanson du même nom, "Morris Slater" (dit Railroad Bill) fut lui de chair et de sang. Il fut un homme noir d'Alabama qui de son vivant a assassiné plusieurs shérifs en 1895 qui lui cherchaient des noises et pendant toute l'année qui suivit, avant d'être abattu par des chasseurs de primes et échappant à bien des pièges pour le capturer, il commit plusieurs hold-ups audacieux et spectaculaires de trains. Cette chanson traditionnelle du repertoire américain en fait l'écho et a été arrangée en folk et en blues de bien des manières par des musiciens connus comme Bob Dylan et Woody Guttrie ou encore Lomax et Will Bennett.

Arrangement en slide G tuning 

Cette chanson qui est avant tout un traditionnel pour le banjo à 5 cordes, peut très bien s'interpréter en "slide" guitare en open tuning de G. Commençant par une tierce en liaison jouée au slide en combinaison avec des basses à vide sur les cordes graves, l'arrangement mélodique ici inclut également des accords au bottle-neck sur 5 cordes aux mesures 7 et 8. Ce style en basse alternée et "bottleneck" demande un bonne synchronisation entre la mélodie au slide et l'accompagnement de "fingerpicking" en basses alternées. Travaillez lentement avec précision et méthode de division des ligne basse et mélodique si cela est nécessaire. 

Exercez-vous à bouger votre "slide" latéralement tout en laissant la 5ème corde sonner à vide pour un temps de croche sur le 3ème temps en croche de la mesure 7, ceci tout en maintenant le plan de basse alternée  avec le pouce. Cet arrangement avec ces cordes à vide rend l'interprétation plus facile en apparence car il faut arriver à donner du feeling et du dynamisme à la ligne de basse tout en plaçant la ligne mélodique en "slide". Pour son apprentissage et la mémorisation, n'hésitez pas à diviser votre travail mesure par mesure, en jouant d'abord la mélodie puis la ligne de basse et enfin de combiner les deux pour votre plus grand plaisir je l'espère en tout cas. Patience, constance et persévérance sont les mots clés pour progresser.

 

Railroad-Bill-Excerpt.jpg

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Railroad-Bill-liricks.png 

railroad-bill-shoot.jpg  railroad-bill-tune.jpg

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21 août 2012 2 21 /08 /août /2012 17:49

Toutes les triades (accords de 3 sons) de base c'est à dire au nombre de trois, sont construites autour des mêmes degrés et intervalles, celle de la gamme majeure tonale de référence quand il s'agit de théorie harmonique tonale, par exemple la gamme de C pour construire la tonalité harmonique de C.

L'accord de base de tout le système harmonique est l'accord parfait majeur, les différences viennent du fait que l'on change l'ordre et la construction des intervalles de la triade de base d'une tonalité, en l'occurence dans la tonalité de C ,l''accord parfait majeur de C (la fondamentale C, la tierce E et la quinte juste G). Si l'on altère d'un demi-ton la tierce E, on obtiendra une triade parfaite mineur Cm, si l'on altère en plus la quinte d'un demi-ton, on obtiendra une triade diminuée C5b.

Ensuite si l'on part de la triade majeure de C et que l'on altère la quinte d'un demi-ton supérieur, on en fera un accord dit "augmenté" donc C-E-G# que l'on désigne d'un + dans le système de notation moderne et informatique"C+". En partant de l'accord de référence C, on obtiendra les degrès C-E-G#, ce qui est particulier à cet accord c'est sa symétrie en tierce majeure  dans la construction, de ce fait il est aussi appelé un accord symétrique. On peut également jouer sur cette symétrie en créant des suites harmoniques en accords augmentés, la gamme par tons s'harmonise uniquement en accords augmentés, ce qui en fait une gamme et un monde musical étrange et difficile d'emploi dans son utilisation tonale.

Interprétez l'exercice 1 ci-dessous et écoutez les différences entre une triade majeure et une triade augmenté en position serrée et ouverte. Vous pouvez constatez que l'accord augmenté sonne comme une transition et non comme une conclusion. Il veut amener votre oreille vers un autre accord, on s'attend à quelque chose de nouveau. En terme de principe harmonique l'accord augmenté à une fonction dominante et il est souvent suivit du IVe degré (F) ou du VIe degré mineur(Am) dans la tonalité de C comme le montre l'exercice 2. Bon courage!

 

accord-augmente.jpg

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10 août 2012 5 10 /08 /août /2012 19:18

John Newton a été un ministre et homme de lettres qui a écrit les paroles pour plusieurs hymnes religieux et politiques, dont le plus connu est sans doute "Amazing Grace". Ayant travaillé comme marin sur le bateau d'un marchand d'esclaves faisant des voyages en Sierra Leone, il a laissé entendre dire que ces paroles étaient une auto-critique en forme d'auto-réflexion "j'étais perdu et je me suis trouvé". Il est devenu un évangéliste et le fondateur de l'église méthodique calviniste avant de faire carrière en politique.

john-newton.jpg

Cet hymne religieux et catégorisé comme celtique, a été le favori de bien des musiciens pendant des décennies. Ecoutez l'improvision qu'en fait Victor Wooten sur sa basse en concert et en solo, du grand art.

Ray Charles en a fait une version admirable sur un enregistrement d'une collection à plusieurs artistes "music of hope" (Tim Janus ensemble), tout comme Elvis Presley sur " the greated sacred performances".

Il fut aussi interprété à Woodstock en 1969 par le fils de Woodie Guthrie; Arlo Guthrie et de ce fait fut utilisé dans la lutte contre la guerre du Vietnam et les droit civils aux USA. Vous pouvez également en écouter une version originale acoustique sur "the pizza tapes"( acoustic disc 41), avec Jerry Garcia à la guitare et voix, Tony Rice à la guitare et David Grisman à la mandoline. L'accompagnement ici est transposé en A majeur en comparaison avec la tonalité celtique originale en G. La métrique reste la même en 3/4, typique des hymnes et des airs celtiques.

Le plan s'organise entre des basses sur la fondamentale des accord de A,D et E sur le premier temps et les harmonies sur 4 cordes en position traditionnelle et serrée sur le 2ème et le 3ème temps. Rien de bien difficile, mise à part les changements de doigtés avec la basse suivant rapidement le placement des accords. Donc soignez les enchaînements et la mise en place rythmique à un tempo modéré. Bon plaisir!

 

AmazingGrace_example--1-.jpg

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Une version de la mélodie pour l'Harmonica pour ceux ou celles qui peuvent. Sympa!!

Pour conclure une version du thème à interpréter au slide(bottle neck). Les notes avec le symbole du glissé sont à jouer au slide. Mais rien ne vous empêche de tout travailler au slide. L'effet sera moins efficace malgré tout. 

 

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1 août 2012 3 01 /08 /août /2012 12:59

Dans un style dit en "basses alternées", les accords d'une pièce peuvent être reliés les uns avec les autres par des notes de passages formant un mouvement mélodique diatonique court ascendant ou descendant dans la ligne de basse.

Ces tons utilisés pour ornementer sont des notes qui ne font pas partie de la structure harmonique des accords d'un morçeau mais ils peuvent être utiles pour ajouter de l'emphase dans les changements harmoniques afin de créer une ligne de basse plus structurée dans sa forme. Un "step" ou un mouvement mélodique court est constitué d'une ou deux notes, un "run" ou une séquence mélodique est généralement plus longue et plus élaborée. Les deux formes sont typiquement accentuées.

Dans la première mesure de l'exercice 1, les basses accentuées sur le 1er, 3e et 4ème temps forment avec le ton de passage A, un mouvement de basse de G à B pour amener la fondamentale C de l'accord suivant. A la mesure 3, les tons de la ligne de basse sur l'accord de D sont accentués sur le 1, 3 et 4 ème temps pour former une ligne de basse en partant du E avec le ton de passage Fa dièse pour arriver sur la fondamentale G de la mesure suivante. A la mesure 4, nous avons ici un "run", une séquence chromatique partant de la fondamentale G pour arriver sur le C de l'accord suivant, ce qui résulte à poser des accents sur chaque temps. A la mesure 5, nous avons à nouveau un "run", mais une séquence diatonique cette fois-ci partant de C pour arriver sur G la fondamentale, à la mesure6 il s'agit d'un "step" sur A-B pour arriver sur D la fondamentale. Aux mesures 7et 8, il s'agit d'un "run" sur deux mesures partant de E pour arriver sur l'octave D.  L'ornementation avec des effets de jeu sur les basses est également possible avec des coulés et du legato comme le démontre les mesures 6 et 8. Bon courage ! soyez méthodique; travaillez lentement chaque difficulté et chaque mesure l'une après l'autre. Avec de la patience on arrive à tout. Bon plaisir!

ornementer-basses-alternees.jpg

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maindroite    

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24 juillet 2012 2 24 /07 /juillet /2012 02:05

Ce vénérable et respectable instrumental "Take me back" fut composé il y a bien quelques décennies et il fut aussi un des morceaux favoris de la "rag era". Il fut enregistré et interprété par plusieurs musiciens dont des guitaristes de blues et rag réputés du Texas comme Mance Lipscomb et Lemon Jefferson qui l'a rebaptisé "begin back", tout comme le maître du Memphis blues "Frank Stokes" pour ceux qui le connaissent. Le chansonnier primal et homme orchestre Henri Thomas a utilisé son thème mélodique cyclique pour un de ses tubes "Bob Mckinney" mais il demeure, comme beaucoup de chansons, une ressemblance avec un autre notable tube ragtime de la fin du XIX siècle " Creole Belles". 

Chacun de ces guitaristes en a produit une version particulière et originale et même si certains utilisent un capodastre pour changer la tessiture et la tonalité de Take me Back, la plupart l'interprétent en C majeur.

Dans les huit premières mesures présentées et transcrites ci-dessous, nous allons faire la même chose le jouer en C. Commencer votre travail sur ce ragtime  par l'étude et par travailler la mélodie en rajoutant ensuite un accompagnement en picking guitare de basses alternées. Insérer les notes et les effets d'ornementation en seconde main, il faut les intégrer lors de la mise en place et non au début lors du déchiffrage. Si vous êtes des novices en picking, Il vous sera plus simple de travailler en divisant le déchiffrage dans votre apprentissage, d'abord le rythme et la basse alternée en noires puis ensuite la ligne mélodique. Pour enfin les combiner; la ligne de basse et la ligne mélodique ensemble. Dans certaines mesures les 4ème et 5 ème, vous pouver combiner deux notes à vide par une attaque en butée du pouce. Pour résumer ; Soyez patient!!

 

Take-Me-Back.jpg

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  Frank Stokes fut le fondateur du memphis blues

frank-strokes.jpgtake me frank stoke

La ligne de basse en ragtime

Comme traditionel voir habituel dans la plupart des genres de fingerpicking, la ligne de basse en ragtime se joue avec le pouce de la main droite avec un onglet ou non  en essayant de produire un plan de basse stable et dynamique qui est appelé le heartbeat du rag. Celle-ci donc la ligne de basse, se construit souvent en ragtime avec des motifs répétitifs en basses alternées et avec des tons des harmonies comme la fondamentale et la quinte, voir la tierce ou la sixte ou même la septième.

Pendant que vous maintenez un accord de C avec votre main gauche, jouez le plan de basse alternée avec le pouce de votre main droite avec des mouvements précis et de levier . Il vous faudra changer de position votre annulaire de la main gauche pour obtenir le G en basse après le C, donc alterner entre la 5 et 6 ème corde. Vous allez vous rendre compte que le pouce "groove" quand il peut  converser tout en maintenant le tempo et le "beat".


basse-ragtime.jpg

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23 juillet 2012 1 23 /07 /juillet /2012 14:22

 La guitare après plus de deux mille ans d'existence, de circonvolutions, de bidouillages et d'études à marquer son territoire dans le temps comme dans notre culture et plus encore dans nos habitudes. Elle a tantôt été  populaire, admirée, oubliée, voir condamnée. 

guitare antiquealastair-lewis.jpg

 

-1400

On a retrouvé sur une porte en Anatolie centrale l'image peinte d'un musicien Hittite jouant sur un intrument semblable à une guitare datée d'avant jesus-christ.

-399

Accusé de corruption de la jeunesse, Socrate le philosophe grec est condamné à boire de la cigüe. Il s'accompagne dans la mort avec un petit air sur son instrument à cordes"un tanbur" grec.

 

-106 après J.C

En Chine, le p'i p'a devient l'un des instruments à cordes les plus utilisés. Il compte quatre cordes de soie et ses barrettes comme ses cases s'étendent jusque sur le corps dont le dos, peu profond et arrondi. Malgré l'invention du papier par les chinois on a pas de traces de partitions pour cet instrument. Le Biwa est un instrument similaire au Pipa, il doit son nom à la forme du lac Biwa au japon, sur les montagnes duquel poussent les seuls arbres avec lesquels on a construit ces instruments. Les japonais ont élaboré une écriture en partition pour cet instrument. 

pi-pa-et-sheng-etc-jpg biwa


- 476 après J.C

Alors que l'empire d'occident n'est plus que décadence et ruines et fut devenu le terrain de prédilection de peuples barbares (Goths et vandales), les romains importèrent leurs tanburs avec quatre cordes, un manche long et un petit corps rond en Espagne. Soit trois siècles avant l'invasion des Maures. C'est à partir de cet instrument que naîtra la "guitara morisca" et la "guitara latina".

tanbur.jpg


-711 après J.C.

Après avoir subit les Vandales, puis les Wisigoths, la péninsule ibérique est envahie par les Maures, qui y importent leur propre fabrication de tanbur, un instrument de forme ovale, à caisse de résonance bombée. Le tanbur venu du proche-orient et de l'afrique du Nord n'ira pas plus loin que la ville de Poitiers.

tanbur-player.jpg   tanbur1

 

-1270 après J.C

Pour la première fois, "la guitara morisca" est représentée dans les miniatures des Cantigas de Santa Maria d'Alphonse X le sage. Ce fut un instrument à manche long, dont l'extrémité est un chevillier plat et arrondi, les chevilles étant plaçées verticalement. Est également représentée la "guitara latina" plus proche de la guitare latine tel qu'on la connait aujourd'hui. 

guitarras.jpgGuitarra-morisca.jpg guitare moresca

-1500 après J.C.

En Espagne et au Portugal, deux instruments à cordes sont populaires au XVIème siècle; la Vihuela (six cordes doublées accordées ainsi : Sol-Do-Fa-La-Ré-Sol, rendue célèbre à l'époque par Luis Milan et la guitare à quatre cordes (la guitarra) accordée en DO-Fa-La-Ré, principalement utilisée par les troubadours pour accompagner des danseurs ou chanteurs. C'est la premiére fois que les étranglements de bord de caisse sont mis en évidence par la lutherie. Cette époque est aussi celle de l'essor du Luth(ud) qui deviendra un instrument populaire le siècle suivant avant de tomber en désuétude, notamment à cause du trop grand nombre de cordes et de sa forme. La guiterne fera son apparition également dans les orchestres et chez les musiciens de cours.

                        vihuela

Vihuela1997.JPGVihuela-de-mano 

guiterne.jpg    cinqchoeurs.jpg     guiternes.jpg

-1790 après J.C

Le Luthier allemand Jakob August Otto est présenté comme le premier à avoir ajouté une sixième corde(le mi grave) à la guitare. Cela dit la sixième corde serait apparue en Italie dès la seconde moitié du XVIII siècle. En Russie, le guitariste Andrei Ossipovitch Sychra (le jo satriani de l'époque) ajouta même une septième corde avec l'accordage suivant: D,G,B,D,G,B,D ou Ré-Sol-Si-Ré-Sol-Si-Ré. 

-1799 après J.C

Fernando Ferrandiere, disciple du maître "père Basilio" publie une méthode de guitare intitulée "Arte de tocar la guitarra Espanola"( l'art de jouer de la guitare espagnole); un autre virtuose de l'époque, Don Federico Moretti, publie quant à lui "Principios par tocar la guitarra de seis ordenes"(principes pour jouer de la guitare de six manières). D'après certains historiens spécialistes de cette époque, ces deux ouvrages seraient inspirés de celui d'Antonio Ballesteros, intitulé Obra para Guitarra del sexsto orden, paru en 1780.

-1800 après J.C.

l'Europe du XIX siècle devient un lieu de prédilection des premiers "guitar heroes" tandis que les techniques relatives à la fabrication de l'instrument se développent rapidement(des barrages au dos de la table et une surface de toucher sur le manche plus large). Parmi les compositeurs réputés pourla guitare, citons Fernando Sor (1778-1839), Dioniso Aguado(1784-1849) et Mauro Giuliani(1778-1829). A la fin du XIX siècle, l'instrument connaîtra un certain déclin, notamment à cause de l'essor d'instruments nés de la révolution industrielle, comme les saxophone, les cuivres etc. Le luthier espagnol Torres fut le père de la guitare latina moderne.

         modèle Strativarius                                                                   modèle Torrès

  guitareXIX.jpgstradivarius.jpgtorres-modele.jpg

-1920 après J.C.

Autodidacte, Andres Segovia fut celui qui popularisa dans une dimension internationale la guitare latine et classique, qui fut jusque-là considérée comme un instrument secondaire d'accompagnement par rapport aux instruments classiques. Il encouragea des compositeurs à écrire pour la guitare et de plus il a transcrit lui-même des pièces composées à l'origine pour d'autres instruments. Frank Martin lui dédia ses quatre pièces brèves sans grand succès. Ce fut également lui qui contribua à l'essor de la corde en nylon, en collaboration avec le luthier Albert Augustine. 

segovia-guitar segovia 1935

 

-1929 après J.C.

A l'origine fabricant de radios, Atwater Kent introduit en 1929 un niuveau type d'appareil, l'amplificateur analogique. L'un des tout premiers prototypes à être industrialisé et commercialisé sera le Sonic 30 chez le fabricant Jim Burns.

Burns-Sonic-30-2a-front.JPG

- 1931 après J.C

Le luthier originaire de Saxe en Allemagne, Martin conçoit les premiers prototypes de la célèbre folk guitare Dreadnough D-1 et D-2, tandis que les frères Dopyera conçoivent et popularisent aux USA les puissantes guitares à résonateurs (dobro). Un an plus tard, la "Frying pan" la première forme de guitare amplifiée crée par 

Adolph Rickenbacker un immigrant suisse et un certain technicien nommé Beaumont aux USA, sort des usines. 

       Martin D1                                                                     L'usine martin vue d'avion

martin D-1 1931 martin-factory.jpg

Ne pouvant exploiter leur propre brevet n'ayant pas été légitimement reconnu, ils inventèrent un système légèrement différent dont le cône est inversé,; il est concave et non plus convexe. Le cordier et le chevalet sont insérés dans un montant en forme d'étoile ou d'araignée dont les pattes reposent sur les lèvres du cône; ce fut le système dit "spider" des Dopyera brothers qui lui sera breveté. 

La dobro de Dopyera brothers en 1931 dans son atelier.

JOHN_DOPYERA-dobro.jpeg dobro-dopyera.jpg dopyera-logo-copie-1.png

Voici la "frying pan" originale de 1931 dans un musée de la guitare

rickenbackerfac41.jpg rickenbacker_1972.jpg

-1935 

"Hitting de bottle" enregistré par "the Jimmy Lunceford Big Band", est généralement cité comme le premier morçeau utilisant une guitare (résonateur) amplifiée, tenue par l'occasion par Eddie Durham. Il fut considéré comme un des pionners dans l'utilisation de guitare amplifiée influencant plus tard un musicien texan du nom de Charlie Christian et plus tard Freddie Green.  "Abomination!" s'écriera Segovia dès qu'il entendra parler de guitare électrique. 

     Eddie Durham et une résonateur amplifiée

Durham-Eddie.jpg hittin-the-bottle.jpeg

-1936 

Gibson lance la guitare Gibson Electric Hawaian. Suivront dans leurs ateliers de lutherie artisanaux la ES150, la ES300, la ES125 et la L7. A Chicago, Kay lance une guitare à 95 dollars, tandis qu'à Boston, Vega conçoit et met sur le marché son Electrovox. Django Rheinard adopte la gibson ES300 et d'autres. 

gibson-electrical-hawaian.jpg  1943Fender.jpg GibsonES300.jpg

-1939 après J.C.

Le guitariste de jazz Charlie Christian déclare :" Guitaristes, réveillez-vous et amplifiez vos guitares. Ils veulent vous entendre jouer ! " Il sera avec T-Bone Walker un des premiers guitaristes à jouer sur Gibson ES150. 

Charlie-Christian.jpg gibson es150

-1948 après J.C.

Leo Fender met au point sa première guitare solid-body, la "Broadcaster", rebaptisée "Telecaster" (ce nom est en référence à l'essor de télévision), car la société Gretsch a déjà attribué ce nom à l'époque à un kit de batterie. Six ans plus tard, l'ancien réparateur de radios lance la "stratocaster". Alors que tous les techniciens et artisans se démenèrent pour développer de nouvelles innovations à la guitare, il a lancé l'idée d'installer trois micros;" il dit: "deux c'est bien, mais trois ça va les démolir". Il faudra attendre une dizaine d'années avant que ce modèle révolutionnaire (à portée de tous) ne parvienne à percer. 

1940s.jpg broadcaster.jpg

-1952 après J.C

Orville Gibson et son usine présidée en 1952 par Ted McCarty, lance le modèle "Les Paul Gold Top" qui sera remplacé huit ans plus tard en 1960 par la "standard", puis par la "SG" en 1961.

gibson-gold-top-52.jpg Orville-Gibson-Factory-Exteriors.jpg

-1957 après J.C

Seth Lover invente les micros humbuckers (à double bobinage). L'intérêt: il s'agit de supprimer, tout du moins réduire les parasitages électromagnétiques. Au cours des années soixante du XX siècle, le humbucker baptisé "P.A.F" ("Patent Applied For") chez Gibson va connaître un essor extraordinaire grâce à la consistance du son qu'il génère. Ecoutez donc Jimmy Page sur les albums des Yardbirds, Led Zeppelin. 

seth-lover.jpg PAF-humbucker

-1958

Réputé pour sa conception traditionnelle de la manufacture, Gibson lance dans les fifties une série de modèles résolument modernes ceci étant dû à la conquête spatiale ( La Flying V, L'Explorer et la Moderne). Sans doute trop innovatrices voir originales, les deux premiers modèles ont vu leur production stoppée deux ans plus tard et la moderne resta une idée conceptuelle et ne fut jamais fabriquée. Pour les inconditionnels de Gibson cela fut une déception et releva de l'outrage. Cette année-la Maman Beck dit a son petit Jeff: " la guitare électrique, c'est juste une mode, ça passera".

 

guitar_Gibson_1958_flying_v_korina.jpg gibson_explorer_originale_1959_korina_big.jpg

-1963

Roger Mayer a conçu sa première pédale d'effet "fuzzbox" pour Jimmy Page en 1963. On le retrouve quelques années plus tard en 1968 auprès du "Jimi Hendrix expérience" ( à l'époque d'"axis bold as love") pour lequel il crée l'Octavia, en plus de bidouiller des "wha-wha et des fuzz-box". D'après lui, le premier titre enregistré avec une telle pédale d'effet est Hold me de Big Jim Sullivan. 

roger-mayer-page-1.jpg roger-mayer-octavia.JPG

-1966 après J.C

Jimi Hendrix arriva à Londres accompagné de Chas Chandler, qui l'aide à monter le "Jimi Hendrix expérience" qui produira parmi les standards les plus originaux du rock grâce à l'utilisation d'effets électroniques et techniques jamais vu à l'époque. Invité à l'école polytechnique de Londres pour s'y produire, il donne une mémorable leçon de "Voodoo Guitare" à God Eric Clapton. 

amplitube_hendrix.jpg jimi-live.jpg

-1973 après J.C

Alors que les études relatives à la conversion des sons de guitare en son de synthés piétinent (seuls ARP et Roland s'en sont vraiment pré-occupés), cette année voit naître le système midi ( Musical Instrument Digital Interface) qui permet de transférer des informations d'un synthétiseur à une autre synthétiseur. Les guitaristes peuvent aussi générer les sons qu'ils désirent dès lors qu'ils sont équipés d'un système MIDI.

GitSyn13Pin1b.jpg midi-guiitar2.jpg

-1979 après J.C

Tandis qu'Eddie Van Halen n'en finit pas d'érupter et finasser son tapping, Floyd Rose met au point un système de vibrato révolutionnaire mais complexe, à double verrouillage ou blocage, qui permet d'avoir une meilleure tenue de l'accordage lorsqu'on fait des acrobaties avec la tige de vibrato. On a pensé au metal shreder. 

Floyd-Rose-Original-Exploded.jpg Floyd-Rose-Original-CR-2

-1992 après J.C

"Nevermind" de Nirvana est l'un des albums phare de ce début de décennie, grâce au tube "Smells like teen spirit". Désormais il est de bon ton de jouer sur des guitares cheap, au son grunge cradingue; un succès qui marque le déclin de la shred guitar tandis que les chemises quadrillées de bûcheron reviennent au goût du jour

kurt_cobain_blog_large.jpg MOS_gospel.jpg

-1996 après J.C

Non la "shred Guitar " n'a pas dit son dernier mot! Flanqué de Steve Vai et d'Eric Johnson (Kenny wayne Shepeard le remplacera l'année suivante comme d'autres), Jo Satriani organise une tournée mondiale "G3", histoire de rappeler qu'on est pas forcément un naze quand on a le top niveau en guitare. 

G3.jpg

-1997 après J.C

Quelques années plus tard Steve Vai, James "Munky Shaffer et Brian "head" Welch du groupe californien Korn popularisent la 7 cordes d'Ibanez. Un instrument très en vogue sur la scène hardcore West coast. 

iBANEZ 7 cordes

-1999

Plus vivant que jamais (onze albums entre 1997 et 1999! jimi is still alive!!) Jimi Hendrix est élu "guitariste du siècle" par de nombreux journalistes et spécialistes dont le guitar collector journal français bien connu. 

legende-jimi-guitar-hero-L-HI0FLW.jpeg jimi-hendrix.jpg

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15 juillet 2012 7 15 /07 /juillet /2012 13:26

1+1 ne font pas toujours 2 en musique! Constituer un duo va bien au-delà du fait de jouer côte à côte à deux guitares. Celui qui a écouté les frères Assad, Billegri Lagrène et Sylvain Luc ou Pat Metheny avec Jim Hall ou Tommy Emmanuel et Simpson, comprendra que cette union rime avec fusion. Jouer en duo veut dire créer et parvenir à la construction d'une troisième entité; la troisième guitare (le duo) que l'on crée et invente lorsque l'on joue avec habitude à deux.

Pour qu'un duo fonctionne il faut une véritable motivation de jouer avec et non pas contre l'autre. Le duo ne doit pas être une mise en valeur de son ego par rapport à son partenaire, ni de se cacher derrière lui. Il s'agit de trouver un équilibre entre deux personnalités, entre deux manières d'exprimer la musique. Certaines qualités sont primordiales comme l'écoute de l'autre, la patience, le respect dans la tolérance des points de vue de l'autre tout comme la musicalité et la technicité.

La préparation

Voici quelques phases de travail en répétition:

1ère phase: accorder vos guitares ou vos instruments au cas d'un duo autre que cordes. 

L'idéal est de s'accorder à l'oreille avec un diapason à branche de 440 herz. En cas de nuisance sonore externe(tapage mécanique de rue) un accordeur électronique fera l'affaire. C'est une étape importante pour se tester l'un et l'autre, affiner ce travail avec des octaves, des accords basiques de tonique et dominant pour la tonalité des morçeaux à travailler.

2ème phase: qui joue quoi?

Les rôles et les parties se définissent par le dialogue en fonction des aptitudes et des préférences de chacun. Celui qui est l'aise avec les thèmes mélodiques choisira le rôle lead, tandis que celui qui adorent les harmonies complexes et riches ou le picking  jouera les parties qui demandent ces qualités. Vous devez pouvoir changer ces rôles, chacun doit pouvoir s'exprimer artistiquement de même niveau, cela permet de mieux observer les difficultés de certaines parties quand elles sont jouées par un autre. Les duos sont souvent  écrits de manière équilibrée et demandent des qualités aux deux interprétes dans le dialogue musical.

3ème phase: le positionnement des musiciens

Etre à gauche ou à droite? Il est utile de faire des essais pour trouver le bon positionnement de chacun. L'oreille est dominante dans ce choix, le postionnement dit "en V" écarté et ouvert est idéal. Essayez avant tout d'être ni trop proches et ni trop éloignés sinon cette "troisième" guitare ou entité musicale ne se percevra pas. Il faut pouvoir s'observer l'un et l'autre. 

4ème étape: le bon choix des doigtés/techniques de jeu

Il est préférable de choisir une pièce de son niveau afin de pouvoir s'exprimer au mieux de ses possibilités techniques.

Votre oreille doit être votre guide le plus précieux pour faire sonner cette "troisième guitare" le duo en lui-même. Afin de créer un arrangement subltil à deux instruments, répartissez les accords avec des notes communes, dans des tessitures variées afin de créer des sonorités plus complexes. Lorsque le thème mélodique est arrangé de manière à passer d'une guitare à l'autre, les notes doivent s'enchaîner avec du liant legato, sans changement de corde ou de tessiture avec la même accentuation et attaque ou encore les mêmes nuances de crescendo ou de dynamique (piano/forte, fortissimo).

5ème étape: Interprétez la pièce une première fois

Il y a différentes manières de travailler à deux:

1. Chacun déchiffre sa partie individuellement et lors de la première répétition vous organisez en fonction de la troisième guitare(le duo) les doigtés et les enchaînements afin de faire sonner ce nouveau monde musical qu'est le duo. Votre oreille doit être totalement tournée vers ce nouveau son.

2. Vous pouvez déchiffrez et organisez les doigtés ensemble en fonction de la partition ou de l'arrangement. Ensuite chacun doit travaillez sa partie individuellement. Ce travail seul est aussi important que la mise en place à deux afin de régler des problèmes plus personnels dans la technique et l'apprentissage de la pièce.  Mais il faut toujours garder à l'esprit le son que vous devez obtenir en duo. Là réside le problème et il est souvent de taille. Il faut toujours gardez la seconde guitare à l'esprit tout comme le son du duo, lorsqu'on travaille individuellement. Dans ce but, Il est important d'avoir au moins une partition complète sur laquelle travailler, qui comprend l'arrangement des deux instruments ou un enregistrement comme une maquette de votre travail à deux.

duo lagrene le luc

l'interprétation:

Quelques conseils et quelques pistes de travail pour jouer en harmonie avec une belle synchronisation.

Faut-il jouer de mémoire ou avec score?

Généralement la plupart des  duos jouent leur répertoire par coeur, mais ce n'est pas une obligation, ni un absolu.

le travail de mémorisation à plusieurs demande des compétences particulières. La première étant la faculté et l'obligation de mémoriser également la partie de l'autre. L'idéal est donc de réussir à chantonner l'autre partie ou de l'entendre quand vous travaillez la votre. Facile à dire mais pas simple à faire! c'est pourtant là que réside la solution pour réaliser une mise en place précise. Si l'autre partie est polyphonique ou en accord, il faut logiquement chantonner une des voix, la plus importante. Selon les pièces, il sera nécessaire de chercher soit un son homogène pour créer l'entité "duo" ou soit vous chercherez à créer des contrastes de timbre et de sonorité, dans tous les cas, l'oreille doit guider ce choix.

Le dialogue et l'écoute

Exercez-vous à travailler le plus musicalement possible; par motifs, séquences et phrases musicales. Isolez les passages les plus complexes, jouez les lentement et finissez par les replacer dans la structure musicale. Les problèmes individuels doivent être appréhender quand vous commencez à répéter en duo. L'analyse de la pièce et les choix d'interprétation doivent se faire par la discution. L'écoute et le dialogue autour des points de vue de chacun sont des qualités primordiales à la réussite d'un travail en commun. En cas de divergence, jouez plusieurs fois chaque passage difficile, faites des essais. Les idées et les solutions viennent plutôt en jouant qu'en parlant; les dialogues montrent combien la verbalisation des intentions est nécessaire lorsqu'on joue en duo, individuellement en solo, le feeling est souvent suffisant tout en étant fouillé car sinon toute interprétation peut devenir stérile.

La  synchronisation

Quelques idées et plans pour travailler la synchronisation;

1.Travaillez vos gammes ensemble en buté, en pincé, en alternatif en synchronisant judicieusement les attaques. Travaillez à différents tempos, car plus il est lent plus cela est difficile. Aidez-vous du regard et restez toujours à l'écoute.

2. Faites le même exercice avec des arpèges en pincé, au plectre et en picking hybride avec des combinaisons variées.

3. Exercez-vous à improvisez à deux par de petites séquences afin de s'habituer à créer sur le tas ensemble un univers musical intime.

4. Travaillez ensemble des phrases monodiques ou en accords répétitifs.

5. Imaginez des formules rythmiques à répartir à deux guitares avec des contretemps, des syncopes, des liaisons et des anticipations avec des temps stables et accélérés.

Pratiquez ces exercices les yeux ouverts et fermés pour apprendre à se repérer uniquement par l'oreille et le rythme.

Soyez patients car le temps est primordial pour qu'un duo voir un trio fonctionne à merveille.

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14 juillet 2012 6 14 /07 /juillet /2012 17:22

Lorsque l'on décide d'acheter sa première guitare, faire le bon choix est une affaire compliquée, que choisir? une classique, une électroacoustique, un instrument de luthier ou de manufacture, une folk dreadhough voir jumbo. Mais ne passez à côté de la vraie question; quel guitariste êtes-vous?

CSN&Y ou Cabrel au coin du feu:

Vous desirez apprendre quelques chansons connues et vous accompagnez le soir devant la cheminée ou en vacances sur la plage entre amis ou encore jouer du classique mais vous débutez totalement et vous n'êtes pas certain de votre patience pour continuer.

Une guitare de manufacture; choissisez une guitare de manufacture produite avec un outillage mécanique assez poussé dans la fabrication comme dans la cadence de production. Ce ne sera pas un instrument aux très grandes qualités instrumentales comme le sont les guitares d'artisans luthiers, mais son prix sera peu élevé (de 150 à 650 euros environ). On en trouve de très sérieusement et solidement construites (Yamaha, Art et lutherie,Seagull, Takamine, Ibanez, Perez, Adama, Hoener etc.) pour citer quelques manufactures connues.

  takamine_guitars.jpg

La passion selon Brower,Clapton,Towner:

Vous adorez la guitare classique, jazz, celtique, blues, vous aimez le beau son comme la belle lutherie, la guitare est vraiment une passion durable à laquelle vous consacrez votre temps libre.

Une guitare d'étude; optez pour une guitare d'étude de très bonne qualité correspondant aux meilleures guitares de manufactures ou aux modèles d'étude que certains luthiers produisent (Dupont, Esteve, Hofner, Alhambra, Hermanos, Perez, Taylor, Martin). L'échelle des prix varie très largement entre 914,70 et 2135 euros environ. Sur un tel instrument, vous allez débutez avec un confort de sonorité et de toucher. Vous aurez aussi l'assurance d'une longue durée de vie de votre instrument si vous en prenez soin bien sûr. 

 guit-luthier.jpg

Monomaniaque:

Vous êtes un aficionado, la guitare est l'occupation essentielle de votre vie et vous êtes prêt à lui consacrer un gros budget pour posséder l'instrument idéal et parfait selon vos goûts et désirs.  

Une guitare d'artisan luthier; Pas de doute qu'il vous faut un véritable instrument de luthier. Entièrement fabriquée  à la main par un artisan qui aura lui même choisit soigneusement ses bois, et qui l'aura laissé sécher parfois dix ans avant de le travailler. Cette guitare aura des qualités sonores indiscutables et vous procura un immense plaisir musical. Vous mettrez peut-être plusieurs mois, voir plusieurs années pour explorer à fond toutes ses possibilités. Le prix est évidemment à la hauteur de son excellence, il faut souvent comptez sur une échelle assez large entre 3048 à 7630 euros environ ( avec des prix jusqu'à 12 196 euros).

Pour un tel choix, si on n'a pas d'idée précise, il faudra se rendre chez plusieurs luthiers, pour essayer, discuter comparer et se faire présenter les instruments de manière complète et professionnelle (Dupont, Esteve, Alhambra, Arroyo, le Moing,Ottiger etc.)

  workshop1.jpg

Musicien polymorphe:

Vous vous situez dans l'une de trois catégories précédentes et vous n'excluez pas cependant de partagez vos aspirations musicales avec d'autres musiciens qui ont des instruments puissants. Comme d'interprétez du jazz, de la musique contemporaine, d'amplifier votre son, ou encore pourquoi pas donner des concerts en plein air.

Une guitare électro-acoustique; Une guitare de ce type est surement une bonne idée pour un musicien comme vous. Cette guitare peut être une guitare classique ou une guitare folk auditorium, grand concert, jumbo, etc. mais pourvue d'un microphone intégré et d'une prise jack pour la brancher à loisir à un ampli, un ordinateur ou un enregistreur multi-pistes Boss, Yamaha ou Zoom. Il en existe dans toutes les gammes du premier choix de manufacture à la guitare de luthier. Certains artisans la proposent comme option sur leurs plus modèles d'artisan. 

 

Takamine-EG320-SC.jpg   Art---Lutherie-Western-Black-Electro.JPG

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9 juillet 2012 1 09 /07 /juillet /2012 13:37

Chaque note individuelle d'un accord en musique est théoriquement nommée "voix". Tout comme les différentes tessitures de la voix (soprano,ténor, alto et basse) dans un choeur vocal, chaque ton d'un accord représente un interval spécifique de ce même accord. Un "voicing harmonique" détermine la manière dont ces intervalles sont organisés et combinés pour leur donner une sonorité spécifique.

Dans une situation d'harmonisation d'une mélodie ou d'une ré-harmonisation d'un standard de jazz ou de rock voir pop musique, il y a toujours plusieurs possibilités de "voicings", faire le bon choix de celui-ci va dépendre de plusieurs facteurs.

L'exemple 1 montre plusieurs types de "voicings" pour des accords communs en première position.

Faites un balayage (strumming) ou un roulement "arpeggio" pour l'accord de do à la première mesure. L'accord que nous avons là contient "C3, E3,G3, C4 et E4 (les nombres représentent des octaves, par exemple C4 est le middleC du clavier est une octave plus haut que C3). Le C3 est la fondamentale(root), E3 la tierce majeure et G3 la quinte juste. Le C4 et le E4 représentent des dédoublements harmoniques à l'octave (la 8 et la 10).

Ces dernières notes rendent la sonorité de l'accord plus riche, mais ces doublages ne sont pas toujours nécessaires, cela dépend du contexte musical. Le voicing peut être réorganisé afin d'éliminer un ou plusieurs dédoublements. A la mesure 2 nous avons cet exemple avec une triade simple en position serrée(block chord) dont le doigté sera p,i et m.

 

Analyse des voicings:

Ce voicing (mesure2) est utile dans certains styles de musique et dans certaines circonstances en fonction de ce qui précéde ou ce qui le suit, mais il sonne "pauvre"harmoniquement sans un contexte musical adapté. A la mesure3, l'octave C4 est rajoutée afin de mieux faire ressortir la fondamentale dans le voicing et de créer un son plus dense. Le doigté en pincé sera p,i,m et a, mais il est possible en flat picking d'utiliser le plectre avec précision également. A la mesure4 le E3 sur la 4ème corde est éliminé du voicing et remplacé par un E4 aigu, un voicing qui confère une sonorité plus épanouie dont son nom de "position ouverte" à la différence du voicing de la mesure2. L'intervale serré de tierce majeure est passé à un interval à l'octave de 10ème d'où l'appellation de "drop voicing" que l'on utilise également en jazz. L'organisation des intervalles est donc la fondamentale, la quinte, l'octave et la 10(1-5-8-10). A la mesure 5, le E4 a été remplacé par une G4 ou 12, une octave au-dessus, ce qui crée un voicing de C encore plus ouvert que le précédent avec une fondamentale, la quinte, l'octave et la 12 (1-5-8-12). Ce voicing n'ayant pas de tierce sous entendra une sonorité majeure. Les trois premiers voicings sont nommés "en position serrée" parce qu'il n' y a pas de "sauts" entre les tons de l'accord C et les deux derniers" en position élargie ou ouverte" parce qu'il y a des sauts. Certains théoriciens considérent une position serrée comme n'ayant pas de sauts dans les voix aigues du voicing, mais il peut avoir un espacement élargi entre la basse du voicing et le reste des voix de l'accord. Ici on en restera à une définition traditionnelle de la position serrée avec des tierces uniquement entre les voix.

Une fois que vous avez maitrisé l'accord de C, vous pouvez passer bien sûr à d'autres exemples d'accords simples comme le La mineur, Sol majeur et Mi majeur toujours en triades. Les voicings en position serrée ou élargie existent évidemment avec des accords de sixte ou de septième voir de neuvième et plus comme des "polychords. Les choix harmoniques sont donc nombreux pour un arrangement et une composition musicale. Exercez-vous à réharmoniser vos standards pour le plaisir d'essayer de nouvelles idées ou soit pour améliorer votre langage harmonique.

chords-voicing.png

solfege

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4 juillet 2012 3 04 /07 /juillet /2012 02:12

Il existe de nombreuses techniques tout comme des astuces pour apprendre à garder une stabilité dans la pulsion rythmique lorsque vous accompagnez un ou une chanteuse, jouez en groupe ou plus simplement rubato en solo instrumental. Chaque musicien a pour habitude de développer ses propres outils face à ce problème.

Essayer chacune de ces techniques ci-dessous avec la mélodie de l'exercice 1. Vous pouvez vous exercer sur d'autres exemples comme un riff, une séquence harmonique sur un ou plusieurs accords.

- Compter

Au fur à mesure que vous vous habituez à être dans le tempo, ce sera un bon exercice de comptez les temps (la mise en place rythmique) tout en interprétant la mélodie de l'exercice, ou le riff que vous aurez choisit. Chantez le rythme à voix haute au début pour ensuite essayer de l'intérioriser pour vous-même. Extérioriser le rythme par la voix vous aideras également à syncroniser le chant avec l'accompagnement sur votre instrument.

-Tapper dans les mains (exercice de percussion)

Quand on commence à apprendre une nouvelle  pièce instrumentale ou une nouvelle chanson ou encore si vous avez des soucis pour garder le tempo et le rythme, mettez de côté votre instrument pour un moment  et comptez à haute voix les temps pendant que vos mains tappent le rythme. Il est nécessaire au début  de séparer le rythme de la mélodie ou des accords afin d'acquérir une meilleure mise en place rythmique.

-Tapper du pied

Cet exercice au demeurant peut sembler facile, mais par expérience je peux vous assurer qu'il ne l'est pas. Il consiste quand vous jouerez la mélodie de l'exercice 1 sur votre guitare, de tapper avec votre pied droite ou gauche suivant votre habilité tous les temps uniquement. Comme nous sommes ici en 4/4 ce sera donc quatre noires par mesure. Cela prend du temps pour parvenir à garder un battement stable du pied, donc soyez patients.

- Chantez

Ne vous faites pas de soucis si vos voisins vous entendent chanter, mais si vous connaissez les paroles d'une chanson voir sa mélodie uniquement, chantez-la pour vous même tout en jouant cela vous aidera à mettre en place la chanson et conserver un tempo régulier. S'il n' y a pas de paroles comme ici, chantez la mélodie intérieurement pendant que vous jouez, cela  contribuera malgré tout à garder une stabilité rythmique à votre interprétation.

Essayer les mêmes exercices avec des plans plus difficiles comme ceux en dessous de rock d'AC-DC; Back in black

 

mlodie-pour-garder-le-tempo.jpg

 

chordsheets

 

riff-la-blues-rock-hard-rock-rock-2.png

 

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