Overblog Suivre ce blog
Administration Créer mon blog
2 avril 2013 2 02 /04 /avril /2013 17:32

La plupart des guitaristes commencent à jouer" lead" (thème mélodique et improvisation) en apprenant quelques gammes, ce qui est en soit une bonne approche pour débuter, mais cela n'est pas la seule possibilité pour construire et développer des lignes mélodiques. Il en existe d'autres que je vais un peu aborder ici dans cet article.

Les gammes progressent note par note dans un schéma structuré comme dans la situation de monter et de descendre des escaliers une marche à la fois, cependant improviser avec ses gammes demandent des techniques de développement autre que ceux d'une montée d'escalier et d'une lecture à vue d'une mélodie classique, populaire ou jazz. Faire ses gammes en montant et descendant par échelle progressive, cela fonctionne bien sûr jusqu'à un certain point mais il peut être plus intéressant par exemple de sauter par intervalles et donc plutôt que de travailler "pas par pas". Une manière d'aborder les gammes en sautant des tons est celle de les travailler en arpèges (harmonies linéaires). Penser à la mélodie décolorée et anthémique "d'Hotel California" des Eagles ou encore le point culminant du thème de "Moonflower" de Carlos Santana ou encore le thème mélodique de "Jessica" de l'Allman Brothers band; ce sont des mélodies construites sur des arpèges. 

Moonflower ; extrait du thème

Lorsque vous développez un accord au travers de ces degrés mais individuellement note après note en ligne, vous élaborez une arpège mélodique, donc une "harmo-mélodie". Prenez un accord en première position de Mi(E) et décomposer l'accord en notes individuelles de la sixième corde de E à la première corde de E deux octaves plus haut et vice-versa comme présenté dans l'exemple1. Par cette technique, vous arpegez de manière mélodique l'accord de Mi triade. Le fait de développer des accords en harmo-mélodie marche très bien comme alternative à un plan d'accompagnement en "strumming"(balayage). 

Essayez ce plan la prochaine fois que vous devez faire une rythmique, surtout s'il y a plusieurs guitares jouant les accords, comme dans une jam, un gig entre amis dans un pub ou en répétition. 

Dans l'exemple1, chaque degré de la triade de Mi est joué en séquence, mais il est possible de briser cet ordre séquentiel par des sauts d'intervalles comme dans l'exemple2. On peut harmo-arpeger des plans sur six cordes de cette manière, mais pour intégrer toutes les notes possibles d'harmonie, il faudra ajouter d'autres degrés, parce que ce diagramme de triade en première position n'inclut pas toutes les possibilités de notes tel que la fondamentale, tierce et quinte juste; les degrés qui construisent un accord parfait majeur de Mi(E). 

L'exemple3 vous montre toutes les possibilités de degrés en première position pour la triade de Mi(E) en arpège mélodique. Si vous désirez poussez plus loin votre étude, ces plans d'harmo-mélodie peuvent être développés en acccord de 6, de 7 et qui plus est en accords enrichis de neuvième, onzième, treizième et altérés, donc les possibilités de plans et de développements de ce type sont infinies et complexes. Cela demande de la part d'un apprenti soliste, de la patience et de la persévérance comme de la constance; les trois principes de base pour l'apprentissage d'un instrument de musique. Bon courage et du plaisir j'espère! 

lead-in-arpeggios.png 

Une harmo-mélodie peut se développer sur des accords de quatre notes de 7ème ou de de sixte et sur une amplitude de plusieurs octaves comme le démontre les plans ci-dessous en A7 de dominante (F-3M-5-7m) et Dm6 (F-3m-5-6). Le tableau en bas de la page vous expose les accords de 7ème (fondamentale, tierce majeure ou mineure, quinte juste et diminuée et une septième majeure et mineure) et les arpèges correspondantes dans la tonalité de Do. Il peut être utile voir nécessaire de travailler ces schémas dans toutes les tonalités de l'harmonie tonale et également dans le cadre de l'harmonie modale si votre curiosité se fait fort de s'aventurer dans cette direction. Chercher de nouveaux sons est primordial pour acquérir de la variété dans son jeu mélodique et ses compositions. 

 

  

                                                                                      

On peut également développer des arpèges mélodiques sur des harmonies altérées comme le montre les plans ci-dessous sur des accords de Sol7 et Do7 altérés d'une neuvième mineure. Donc de pousser l'étude de plans en arpèges sur 5 ou 6 notes de structure, ceci sur des schémas rythmiques réguliers ou mixés. Le savoir musical est relativement infini pour qui se plaît dans la recherche de celui-ci. Bon plaisir!

ex1bis_3--1-.png

chordsheets 

arpège en Solm7

 

Repost 0
2 avril 2013 2 02 /04 /avril /2013 11:55

Comment utiliser différents accordages et les tonalités dans ces accordages pour créer de nouveaux sons?

Une question à laquelle cet article va essayer de répondre au travers d'exemples cités et analysés. 

De multiples guitaristes et compositeurs (Jimmy Page avec Led Zeppelin, David Crosby, Miss Collins, Jo Satriani, Eric Johnson, Steve Vai) ont exploité depuis de nombreuses années des accordages alternatifs et variés pour différentes raisons. Certains apprécient l'espace de carilionnement sonore que ces accordages "ouverts" comme le D(ré)tuning (D-A-D-F#-A-D) procurent. Pour d'autres, l'open tuning de Sol(G; D-G-D-G-B-D) par exemple permet de faire sonner les accords de base de la tonalité en plaquant (fretter) uniquement une ou deux notes pendant que les autres cordes sonnent de manière "sympatiques"(elles sonnent librement par la vibration des autres cordes avec une attaque ou non sur celles-ci, à la manière d'une sitar ou d'une guitare-sitar (cf. pat metheny).    

Certains compositeurs utilisent des accordages alternatifs et ouverts afin d'éviter les pièges de la routine et de la monotonie qui se produisent lorsqu'on compose exclusivement en accordage standard. Il y a aussi des motivations stylistiques voir esthétiques qui conduisent à utiliser des accordages alternatifs (open-tuning).

Les morçeaux comme "Honky Tong Women" des Rolling Stones ou "That's the Way" du Led Zeppelin ou encore "Water song" de Hot Tuna sont en open tuning de Sol (G), donc si vous désirez composer une musique dans ce style, il vous sera utile d'avoir une longueur d'avance en étudiant comment écrire avec ces accordages particuliers.

Une autre raison pour laquelle on peut se pencher vers des accordages alternatifs surtout ceux qui ont une basse de Ré(D) comme le drop D tuning, est la voix. Selon la tessiture modeste de la voix de certaines personnes et des types de mélodies qu'un auteur-compositeur désire écrire, certaines tonalités et accordages seront plus adaptés que d'autres pour cela. La tonalité de Ré (D) peut être confortable pour un individu et il sera plus facile en posant un capodastre à la deuxième ou troisième case plus haut de chanter en Eb, E ou en F depuis cet accordage ouvert. Ou encore de descendre l'accordage standard d'un demi-ton afin de d'utiliser des open tuning en basse de Dbémol. (C'est aussi un facteur à considérer lorsqu'on met en place une liste de morceaux pour un live *gig*, d'éviter des morçeaux écrits tous dans la même tonalité à la suite, donc de varier). 

Examinons quelque uns des open-tunings les plus utilisés et voyons comment ceux-ci peuvent être intégrer au service de vos compositions. En espérant que ces concepts et ces quelques exemples qui vont suivre seront vous inspirer à expérimenter de nouveaux sons pour votre prochaine composition.

Trois accordages en D

Afin de maximiser le potentiel polyphonique de la guitare tout en chantant dans son registre préféré, on peut aisemment expérimenter l'accordage ouvert de Ré (open tuning D-A-D-F#-A-D). Même une simple progression comme celle-ci ; I-IV-V-I(D-G-A-D) peut sonner de manière inhabituel et originale en accordage ouvert harmonique, étudier l'exemple 1 ci-dessous parce qu'il permet à plusieurs cordes à vide de sonner simultanément en consonance. Vous pourrez trouver intéressant d'essayer de composer et de jouer en "double drop d tuning" aussi appeler un accordage modal de Ré (D-A-D-G-B-D) comme l'utilise Neil Young dans "The Loner et Cinnamon Girl" ou encore en Ré mineur(Dm;D-A-D-F-A-D)-deux accordages étroitement liés à celui de l'open de D. Les exemples 2 et 3 ci-dessous explorent une progression harmonique de I-IV-V-I(D-G-A-D) dans ces accordages alternatifs de double drop D et de Dm.

 

OpenTunings_Ex1-4_AG227.jpg

Pour déterminer lequel de ces trois accordages ouverts en D correspond le mieux à la composition que je suis en train d'écrire, je considère en premier lieu le climat musical que je désire créer. Ensuite je vais réfléchir à des archétypes de chansons dans chacun de ces "open tunings" et choisir celles qui correspondent le mieux à ce climat harmonique voir homophonique. Pour l'open tuning de D, la pièce instrumentale "Little Martha" de l'Allman Brothers Band me vient souvent à l'esprit (cependant ce morceau est écrit originalement en open tuning de E, donc un ton au-dessus mais ce sont les mêmes positions sur la touche, donc il est possible de le transposer en D, un détail important si vous désirez ménagez votre manche et le chevalet). Ce morçeau "Little Martha" de Duane Allman exploite judicieusement la douceur naturelle et le feeling accueillant de cet accordage ouvert qu'il soit interprété en open de D ou de E. L'obsédant "Devil got my woman'" de Skip James est un bon exemple en open tuning de Dm. 

L'open de "D double drop D" n'est ni majeur, ni mineur, il est modal, et de ce fait il y crée une sensation de suspension harmonique dans sa texture acoustique, soyez attentif à ce fait si vous composez avec cet accordage ouvert. Le groupe C.S.N&Y a utilisé cet open tuning dans plusieurs de leurs chansons comme "Ohio, blue bird, Find the cost of freedom,The Loner, you dont have to cry" et les Doors dans "The End" et Les Doobies Brothers pour "Black Water" ou Les Who sur "Mobile", ou encore "Going to California" du Led Zeppelin. 

Un extrait ci-dessous de "Cinnamon Girl" de Neil Young, le riff principal du morceau est en double drop d tuning.

 

cinnamon-girl-riff.gif

 

L'open tuning de G atmosphérique

Un cousin de l'open tuning de Ré est celui en Sol (D-G-D-G-B-D) avec lequel bien des musiciens et de groupes ont composé comme Robert Johnson sur "Love in Vain" ou Muddy Waters sur "Rollin and Tumblin" et les Rolling Stones avec "Brown Sugar, Start me up, Tumbling dice" ou encore The Black Crows avec "Twice as Hard et She talks to angels etc. J'ai toujours depuis longtemps apprécié joué sur cet open tuning, parce qu'il permet à la guitare de résonner chaleureusement et de bon coeur; voir l'exemple 4 ci-dessus , mais il faut rester attentif au fait que la voix ne s'adapte pas de manière adéquate pour chacun dans ces sonorités, donc il peut être difficile de composer en G tuning. 

Si vous écoutez l'album de Ry Cooder publié en 1972 " Into the purple Valley ou la BO de Paris-Texas", vous découvrirez au combien ces accordages peuvent être fructueux et intéressants. Il peut être difficile de bien entendre la différence entre des arrangements de guitare sur plusieurs accordages comme l'est le morçeau "On a Monday" du chanteur blues Leadbelly revisité par Ry Cooder sur ce album. Cette chanson semble écrite pour la première guitare dans la tonalité de Ré, mais si on essaie de jouer et de repiquer sur cet accordage en D tuning, on s'aperçoit que cela ne joue pas, mais il est reconnu de Ry Cooder apprécie l'open de sol(G) donc si l'on change pour Sol, et bien on se rend compte que sonne plus juste pour interpréter l'introduction pianistique pleine de "sustain", voir l'exemple 5a.

De même donc pour les accompagnements funky sur les refrains (chorus) voir l'exemple 5b. 

OpenTunings_Ex5_AG227.jpg

Il y a quelque chose de décontracté et de californien dans les arrangements conçus et les performances par Ry Cooder sur cet album "Into the purple Valley", cela même quand il chante du R&B et des blues de l'époque de la dépression aux USA. Il peut être intéressant d'utiliser une semblable atmosphère musicale pour écrire avec originalité. Le fait qu'il utilise une astuce de "cross-tuning" peut être un moyen ingénieux pour suggérer cette ambiance atmosphérique dans une composition. Il vous faut d'abord écrire des paroles, par exemple imaginer une histoire de jeune immigrant partant à l'aventure de la ruée vers l'or en Californie et qui finalement tombe amoureux du Golden state. ( Cette histoire est abstraite et donc ces paroles peuvent être interprétées avec plus d'imagination ou de réalisme).

Composer et jouer dans d'autres tonalités

Quand vous vous sentirez prêt à mettre les paroles en musique, essayez de vous accordez en open de Sol et placez un capodastre à la deuxième case, mettant ainsi la guitare dans la tonalité de La (A). 

OpenTunings_Chord_AG227.jpg

Utilisant le principe du "cross-tuning" et pensant à la tonalité de Mi(E), appliquez-vous à cherchez des diagrammes d'accords de base; I-IV-V dans cette tonalité. Les graphiques au-dessus vous montre des exemples de plans d'accords de base pour accompagner sur chaque verset, ceux-ci sortis tout droit du "playbook" de Ry Cooder. 

Pour les refrains, il peut être intéressant d'avoir un montage et une mise en place harmonique plus dramatique dans ce cas-là, utiliser un accord non diatonique de Ré majeur pour ensuite appliquer des accords mineurs de la tonalité de A comme F dièse et C dièse mineurs voir l'exemple 6. 

OpenTunings_Ex6_AG227.jpg

Cet accord non-diatonique de D majeur en fonction du "cross-tuning" peut être mis en relation avec un passage des paroles qui nécessite une accentuation comme par exemple le moment où une personne arrive dans un nouveau pays, donc pour symboliser cette sensation de découverte par un climat harmonique. Alors que le mouvement harmonique est relativement statique pour les versets, pour les refrains par contre le mouvement harmonique peut être plus rapide et suggérer diverses directions en fonction des paroles. L'effet global serait que les harmonies soulignent le récit et aident à pousser l'histoire en avant.

L'aspect primordial de l'article est le fait que ce n'est pas parce que l'on accorde sa guitare dans un accord ouvert particulier qu'il est obligatoire de devoir composer et jouer dans cette même tonalité.  De même vous ne devez pas supposer que la sixième corde dans cet accordage ouvert soit toujours la note pivot de base d'une tonalité.

Pierre Benusan le guitariste et compositeur français par exemple s'accorde exclusivement en open tuning modal celtique (D-A-D-G-A-D), mais il utilise cet accordage discrètement, jouant librement dans les tonalités où son imagination le conduit, pas seulement dans des tonalités avec des cordes sonnant pleinement à vide. Laurence Juber est un autre artiste qui utilise aussi exclusivement l'accordage modal de D-A-D-G-A-D pour toutes sortes de tonalités. Son arrangement de "Martha my dear" des Beatles dans sa tonalité d'origine de Mi bémol est remarquable. D'une manière générale, l'accordage modal de Ré (D-A-D-G-A-D) fonctionne efficacement dans n'importe quelle tonalité qui contient les trois notes D-G-et A. Celles-ci se trouvent dans les tonalités majeures de D,G,C,F et Bbémol et également dans les tonalités mineures de Bm, Em, Am, Dm et Gm. 

Avec cela à l'esprit, voici quelques challenges que vous pouvez vous donner:

1-Composer une chanson dans une tonalité mineure en utilisant un accordage ouvert majeur (open-tuning) ou vice-versa.

2-Composer une pièce en utilisant un accordage alternatif ou ouvert mais sans utiliser et jouer des cordes à vide.

3-Composer une chanson ou une pièce instrumentale avec un accordage alternatif ou ouvert et ensuite ré-apprendre la pièce ou la chanson complètement dans un autre accordage ouvert ou alternatif.

Essayez-les! vous découvrirez probablement une ou deux compositions toutes nouvelles et intéressantes. Vous arriverez à trouver de nouveaux sons par la même occasion.

D'autres accordages ouverts et alternatifs

Il existe bien d'autres accordages alternatifs à expérimenter. Penser au groupe Led Zeppelin dans ses premiers albums. Ils contiennent des compositions dans divers types d'accordages, ce sont des mines d'or pour l'open tuning. Par exemple,  étudier "Kashmir" en accordage de Dsus4 (D-A-D-G-A-D) qui est un excellent exemple de ce type de procédé de composition ou encore "Bron-Y-Aur" une composition magnifique du 3ème album en open tuning de C6 (C-A-C-G-C-E), etc. C'est ainsi qu'expérimentait et composait Jimmy Page le guitariste bien connu pour ces pièces originales en accordages alternatifs pour le groupe led Zeppelin par la recherche continuelle de tous les instants d'un savoir musical et Jo Satriani s'est aussi aventuré dans les accordages alternatifs avec "flying in a blue dream" notamment. 

chordsheets

 alternate-tunings.jpg

 

 

Repost 0
27 mars 2013 3 27 /03 /mars /2013 16:11

L'un des compositeurs les plus renommés de la guitare classique romantique, Francisco Tarrega a vécu au XIXème siècle, à une époque dans laquelle la musique espagnole-que ce soit le Flamenco ou le Classique-fut à son âge d'or et accéda à la notoriété internationale. L'éternel et sempiternel favori de la guitare "Recuerdos de la Alhambra" et le petit joyau "Lagrima" ont été écrit par Francisco Tarrega et ces pièces demeurent essentiels au répertoire de la guitare jusqu'à ce jour. Barrios du Venezuela et Tarrega furent les compositeurs les plus prolifiques de la guitare classique. Francisco Tarrega à ouvert la voie vers des techniques et sonorités andalouses alors que Barrios a développé à un haut niveau de perfectionnement, les formes les plus traditionnelles et classiques de la musique pour la guitare. L'idée extra-musicale et poètique qui se cache derrière cette miniature "Lagrima" est celle expressive d'une"larme" comme lagrima le traduit en espagnol. Les deux croches de la figure rythmique de base ci-dessous symbolisent la chute des larmes d'un petit garçon malheureux.     

  Lagrima, model

"Lagrima" est une miniature qui fut écrite dans une forme simple"AABBA" qui se déplace de la tonalité de Mi majeur vers la tonalité de Mi mineur par transposition et vice-versa. Malgré le fait que cette pièce soit courte, elle exige de nombreux déplacements de la main gauche (fretting hand) pour l'interprétant, dont beaucoup sont facilités par l'utilisation d'un doigt de "guidage"(pivot). Par exemple, dans la phrase d'ouverture du morçeau (l'extrait ci-dessous), le quatrième doigt de la main gauche (fretting hand) glisse le long de la première corde dans non moins de sept positions(déplacements). A la fin des mesures 1 et 3, des déplacements importants de la sixième case à la première case, requière de la part du guitariste de couvrir la distance, de localiser le nouvel accord et d'arriver ferme-ment sur le premier temps de la mesure suivante. Il est utile dans une situation de jeu comme celle-ci, de planifier à l'avance les déplacements de cette nature en visualisant votre main gauche sur la case de destination

 

Lagrima 1 

Tarrega_Lagrima.jpg

chordsheets

tarrega francisco

 

Repost 0
26 mars 2013 2 26 /03 /mars /2013 10:49

Dans le langage du Blues traditionnel ou moderne, le terme de "turnaround" se refère à une séquence musicale harmonique ou mélodique interprétée sur les accords de tonique (I) et de dominante(V) des dernières mesures d'une grille d'un blues en douze mesures ou plus atypique en huit ou seize mesures, concluant la forme pour une répétition de celle-ci. Le 'turnaround" peut-être long de deux à quatre mesures. Ci-dessous le plan est en Mi7(E7) sur deux mesures, il est harmonisé  en tierce mineure descendante depuis le Si(B) jusqu'au Sol (G)dièse, la tierce majeure de l'accord de tonique en tonalité de mi

turn-around-blues-.jpg

Beaucoup de "turnarounds" standards en blues sont construits sur une phrase harmonique simple descendant par chromatisme(i.e par demi-tons) de la septième mineure pour aller vers la quinte juste de la tonique(I) de la grille harmonique. De par ce fait, beaucoup de chansons "blues" sont introduites par un "turnaround" également comme ils concluent un blues également comme dans l'exemple ci-dessous en Mi( I-V) en demi-cadence.

Tout au long de l'histoire du blues, de grands musiciens ont utilisés ce plan simple comme élément fondateur sur lequel s'est construit des "turnarounds" plus élaborés qui peuvent être librement transposés dans d'autres tonalités d'un air de blues à un autre. Se concentrant dans la tonalité de La (A), les exemples ci-dessous vont vous montrer comment harmoniser ce plan de base avec d'autres notes afin de créer des "turnarounds" origi-naux que vous pourrez utiliser dans votre jeu "bluesy".

Jouez ce plan typique en basses doublées et alternées sur huit mesures ci-dessous de l'exemple1 et observez le "turnaround" G-Fdièse-F-E joué sur la quatrième corde aux mesures 7 et 8. Une manière simple d'habiller ce plan est d'ajouter tout en jouant la séquence mélodique, la fondamentale de l'accord A en note pivot soit sur la 5ème corde ou soit en tant que chanterelle sur la corde de Mi aigu. Le 'turnaround" présenté dans l'exemple2 était le favori du musicien de Chicago et de Delta Blues bien connu Robert Johnson

 

Blues-Turnaround-ex1_2.jpg

chordsheets

robert-johnson.jpg  turnaround.jpg

Repost 0
7 mars 2013 4 07 /03 /mars /2013 01:12

Comment créer des mélodies originales et accompagner vos chansons avec des plans et des "riffs" mélodiques? Un sujet difficile pour bien des musiciens. Est-ce si compliqué? 

Pour commencer, un exemple ; la chanson "Satellite" du Dave Matthews band débute par une ligne mélodique facilement mémorisable pour l'oreille; C'est le riff et l'accompagnement vocal-il s'agit du fil conducteur qui lie tous les éléments de la chanson. Des riffs mélodiques comme celui-ci sont distincts et accrocheurs, mais ils sont différents de "riffs" harmoniques (en accords), dont j'ai traité le sujet dans un article précédent, parce qu'ils utilisent uniquement des" single-notes"(des notes) pour construire la séquence et souvent l'accompagnement d'une chanson. Quand on entend un passage mélodique comme celui-ci(Satellite), on peut être intimidé par le grand nombre de notes qui le compose; ceci dit comment créez des lignes mélodiques agréables toutefois complexes à partir de rien voir peu d'éléments? La plupart des grands "riffs" mélodiques comme " Day Tripper" "Moby Dick" ou "exodus"ont une idée simple derrière leur conception. Quand on les analyse, on remarque que le compositeur adopte souvent un petit élement musical comme base, puis il le développe en d'autres éléments pour ensuite les mettre en place-on se rend compte ainsi qu'ils deviennent plus faciles à gérer. 

Dans cet article, nous allons créer des riffs à partir de petits éléments rythmiques et mélodiques, comme ceux utilisés par Dave Matthews dans une de ces chansons les plus connues. 

Un "riff" statique pour une mélodie active:

Pour une première approche, nous allons commencer par chercher une petite idée-un fragment court-et l'adapter pour qu'il fonctionne sur une progression harmonique pour ensuite le développer pour qu'il devienne un accompagnement complet pour une chanson. Il n' y a pas besoin de commencer avec une série d'éléments.

Par exemple, venir avec une idée courte comme dans l'exemple1. Nous allons oeuvrer dans la tonalité de Ré (D) dans ces exemples, expérimentons à développer cette courte séquence sur toute une mesure avec de la répétition comme le montre l'exemple2. Cela ne sonne pas encore suffisamment, mais nous avons essen-tiellement construit le "riff" jusqu'ici. Ce qu'il reste à faire, c'est d'appliquer ce motif sur une progression d'accords ou sur une chanson complète.

Travaillons à présent sur une progression harmonique G-D-A-D dans la tonalité de Ré(D). Pour produire un développement satisfaisant sur les changements d'accords, il va falloir ajuster le riff sur la note pivot de celui-ci; le Fa dièse constant sur le 1er, 3ème et 4ème temps. Mais cette note va créer un petit conflit avec les accords de A et de G. Sur l'accord de Sol, il sera nécessaire de passer du Fa dièse au Sol comme le montre l'exemple 3, et sur l'accord de La(A), il sera préférable de descendre du Fa dièse au Mi(E) comme le montre l'exemple 4. Voyez comme chaque fragment du riff se juxtapose mieux par le fait d'avoir substituer une note pivot légère-ment dissonante avec une note de structure harmonique (la fondamentale pour G et la quinte pour A) pour que cela sonne mieux sur la grille harmonique et donner au riff plus de consistance. Une fois que vous enchaînez ces idées ensemble pour qu'elles s'adaptent à la progression d'accords vous obtenez un riff à part entière comme l'expose l'exemple5.

Ce dernier exemple montre le fruit de ce labeur. Si cela sonne familier pour certains, la raison en est que ce riff est très semblable à celui de Dave Matthews sur "Ants Marching". Sachez que tous les riffs n'exigent pas une guitare rythmique, mais celui-ci sonnera de manière plus complète dans ce cas présent. Recrutez un ami pour l'entendre dans tout sa grandeur et efficacité si vous n'êtes pas guitariste rythmique vous-même. Bon travail! 

 

 single-note-riffs.jpg

Voici un autre exemple de riff d'accompagnement élogieux, celui de "Day Tripper" des Beatles composé par Georges Harrison en personne. Voyez la structure du riff construit autour d'une arpège mélodique de E7 avec une blue note sol et la seconde Fa dièse. Tout en efficacité et consistance mélodique et rythmique agrémenté par des anticipations et syncopes. D'autres riffs des Beatles suivent cette construction comme "paperback writer", "baby drive my car" ou "come together", ainsi que "back in URSS" notamment. 

Le riff principal de Paperback writer des Beatles

  

Un riff célèbre de Nirvana! 

chordsheets

Repost 0
2 mars 2013 6 02 /03 /mars /2013 22:45

Composé à l'origine au XIX siècle par le Colonel Sanford C. Sandy Faulkner, ce classique du répertoire traditionnel US "Arkansas Traveler" a connu bien des vies.  Adopté comme chanson hymne historique par l'Etat de l'Arkansas en 1987, Il lui a été donné de nouvelles paroles en 1947 par le comité musical administratif de l'Arkansas( " for the wonder state we will shout hurrah/ and praise the opportunities we found in Arkansas"). Ceci peut-être pour contrer l'impression laissée par le vaudeville routinier qui l'accompagnait habituellement( un citadin snob voyageur disant à un violoniste d'arkansas assis sur un porche; Hey Stranger, lived here all your life?" Fiddler" Not yet".).

Cette mémorable mélodie a été enregistrée pour la première fois en 1922 par le violoniste Eck Robertson et elle a été reproduite et développée de nombreuse fois depuis lors. Plus particulièrement pour et par des guitaristes dans des enregistrements en homestudio notamment par le pionnier du flatpicking Clarence White en 1962, également par Norman Blake sur son album d'influence de 1976 " whiskey for Breakfeast", comme titre phare de l'album de 1991 de Michelle Shocked et aussi par Jerry Garcia et David Grisman sur le titre "Not for kids only. 

Habituellement interprété dans la tonalité de Ré (D), ce morçeau peut être arrangé avec des accords de la tonalité de Do(C) mais avec un capodastre en 2ème position ou plus simplement avec les accords de la tonalité de Ré(D) sans capodastre. Nous avons dans l'extrait de huit mesures ci-dessous, un arrangement de la pièce en Do(C) avec des arpèges rajoutées à la mélodie de base de la partie A. Il est bien sûr possible de trouver d'autres arrangements intéressants de cette mélodie pour la guitare, comme celui qui est proposé plus bas avec une explication plus détaillée de la forme globale de la chanson "Arkansas Traveler" en AA-BB de 32 mesures.

Arkansas-Traveler-Excerpt.jpg

Arkansas Traveler A

Arkansas-Traveler-B.GIF

 

chordsheets Currier-ives-arkansas-traveller.jpg

 

 

Repost 0
28 février 2013 4 28 /02 /février /2013 01:27

Un des aspects que tout musicien de "bottleneck"(slide) apprécie au sujet de l'open tuning, c'est la facilité qu'il procure pour interpréter des "licks" succulents quelque soit la tonalité de l'accord sur lequel on les joue. Dans l'open tuning de Sol par exemple, les trois cordes aigûes sont la structure d'un accord parfait majeur de G,ce qui signifie que ces notes sonneront toujours justes avec une basse de G sur les cordes graves, mais que se passe-t-il si on désire aller sur un autre accord ou tonalité? Eh bien il vous est facile lorsqu'on se sert d'un "slide" en open tuning de transposer les "licks" dans une autre position. 

Essayons cet exercice de transposition avec des exemples, examinons cela en pratique. Lorsqu'on joue les trois aigües à la douzième position, on obtient les notes de l'accord de Sol(G) ou la tonique de la tonalité de Sol (G).

Si l'on désire impliquer ou jouer l'accord de Ré (D) ou en analyse harmonique le Vème degré (l'accord de dominante) de la tonalité de Sol (G), tout ce qu'il faut faire est de bouger le "slide" de cinq cases en 7ème position et d'appliquer le même "lick" sur les trois cordes aigües.  Les trois notes de base en G de l'exem-ple1a deviennent les trois notes en VII position de l'exemple1b. Par conséquent le motif (lick) situé en XII position dans l'exemple 2a devient le motif transposé en VII position de l'exemple 2b. Rien de plus simple non! Si l'on désire transposer ce motif en Do (C), il faudra bouger le "slide" en V position et répéter ou transformer un peu le motif (lick) et ainsi de suite pour d'autres accords.  Pour monter en difficulté, Il est possible d'utiliser d'autres exemples notamment ceux de 1 à 7 ci-dessous ou encore de vous exercer sur vos propres idées et exemples de motifs comme dans l'exemple 8.

Bon travail! N'oubliez pas que pour obtenir un son adéquat au slide, il est nécessaire d'être précis sur sa position de départ et surtout d'arrivée sur la position suivante de transposition, en maintenant le slide sur la barrette et non à côté sur la case. De plus il est utile de soigner l'amplitude du mouvement, évitez les hésitations et les accrots cela n'engendre que des déceptions techniques. 

 

open-G-licks.jpg

OpenGSlide_Ex1-8_AG227-copie-1.jpg

chordsheets   slides

 

 

Repost 0
26 février 2013 2 26 /02 /février /2013 02:56

Dans la ville de Grenade au sud de l'Espagne, se trouve un magnifique château connu sous le nom de l'Alhambra. Ce monument représentatif du pouvoir des Maures sur la péninsule Ibérique il y a des siècles a inspiré de nombreux artistes dont une des plus belles pièces de la guitare classique espagnole, "Recuerdos de la Alhambra" de Francisco Tarregas. Cette pièce qui capture toute la beauté et la poésie de l'Alhambra est célèbre dans le répertoire de la guitare classique. Ce qui rend "Recuerdos" si difficile (mais aussi très beau) est la technique spécifique qui est nécessaire pour l'interpréter "le Tremolo"; la répétition rapide à la double croche d'une note unique sur plusieurs doigts.

Les mandolistes peuvent arriver à produire cet effet de jeu au plectre avec un picking rapide alterné, les violonistes par contre avec des mouvements rapides ascendants et descendants de l'archet. Mais les guitaristes classiques, comme les "fingerpickers", sans plectre et archet, doivent pincer la bonne note avec tous les doigts de la main droite dans un mouvement rapide. Il ne s'agit pas ici d'apprendre à maitriser cette pièce (recuerdos), mais à étudier des exercices et des plans pour arriver à maîtriser et éprouver la technique complexe du tremolo. 

Il y a trois aspects importants à considérer dans la technique du "tremolo" ; la précision, la vélocité et la consistance. Ces trois éléments sont interdépendants. Comme exemple, si on l'est précis, on produira plus facilement un son consistant, par contre si l'on cherche à jouer à toute vitesse en négligeant la précision, la consistance du trémolo en sera marquée. Interpréter avec précision, consistance et vélocité une pièce en trémolo peut être un challenge important. 

Tous les problèmes techniques que vous pourriez avoir tels que des excès de tension, des positions inappropriées des doigts, des ongles trop longs, crochus seront amplifiés par le tremolo. Si vous rencontrez des difficultés, ne vous découragez pas, soyez patients, si certains problèmes techniques ne peuvent être résolus consultez un professeur de guitare et prenez une approche équilibrée voir méthodique dans votre pratique de cette technique.

Plans de Tremolo:

Si vous arrivez à jouer des arpèges, vous arriverez aussi à produire du trémolo, parce que cette technique demande les mêmes doigtés et mécanismes de la main droite que des arpèges requièrent. L'exemple1 est un plan d'arpège similaire dans le doigté à celui d'un plan de trémolo classique. Exercez-vous sur celui-ci avant de passer aux plans de tremolo. Dans la notation classique, on utilise des lettres minuscules (p pour le pouce ,i pour l'index,m pour le majeur,a pour l'annulaire) pour représenter le doigté utilisé à la main droite. Certains disent qu'elles proviennent de la langue espagnole ; pulgar, indice, médio et anular. Pour la guitare classique, la technique du trémolo utilise un plan répétitif de quatre notes similaires sur le doigté p,i,m et a (comme dans le plan d'arpège de l'exemple1). Le pouce produit une  basse sur le 1er temps et les doigts remplissent le reste de la pulsation en double croches sur les cordes aigües. Travailler l'exemple2 et les deux suivants lentement et avec un "pizzicato"( la vélocité et la vitesse seront un challenge pour plus tard). 

tremolo1

l'exemple3 est un plan typique de trémolo utilisé par les guitaristes de flamenco. Le plan se construit autour d'une séquence rythmique en quintolet avec un doigté particulier (p,i,m,a,i) à la différence du plan classique sur quatre notes. 

Ce plan est intéressant à plus d'un titre parce qu'il n'a pas de subdivision rythmique égale que l'auditeur puisse percevoir (l'oreille ne peut aisemment diviser en cinq qu'en quatre temps). Il y a un troisième plan de trémolo possible sur une séquence en sextolet comme dans l'exemple4. Travaillez-le dans un mouvement d'aller et retour sur le doigté;p,i,m,a,m et i avec toujours un effet staccato sur chaque note (le point au-dessus).

tremolo2.png

Il y a un certain nombre d'excellents exercices pour vous aider à développer la technique du trémolo. Nous allons nous focaliser sur deux de ceux-ci; son développement par des accélérations et diminutions de la vitesse et la pratique rythmique en note pointée. Mais avant toute chose, il faut se familiariser avec un outil utile ; le métronome. 

tremolo3

Trouver vos repères, votre référence de base:

Le métronome est un outil vital pour travailler votre technique-le trémolo en particulier et la musique en général.

Le métronome existe dans bien des formes et des tailles, allant de l'outil internet gratuit à télécharger ou le software PDA numérique jusqu'à des appareils multifonctions plus élaborés qui ne font pas que marquer le temps, mais ils indiquent aussi les accentuations, les métriques composées, génèrent des tons d'accordage, donnent l'heure, la date et l'humidité ambiante, avertissent par des petites lumières du temps fort, et ils pourraient jouer de la guitare pour vous (très drole). Tous les exemples présentés ici seront plus efficaces avec un métronome. Pour augmenter votre tempo, votre vélocité, il est possible d'utiliser le métronome pour situer une base de repères. Chercher un tempo sur lequel vous pouvez exercer l'exemple 5 sans trop de difficulté. Commencer par le travailler à un tempo lent de 70 noires par minute ou encore moins s'il le faut. Pendant que vous jouez quatre notes par temps, écoutez attentivement afin que chaque note sonne de manière claire et égale, avec la même attaque, volume et qualité de sonorité. La sonorité de votre pouce peut se faire remarquer comme celle d'un pouce endolori, mais essayer de le rendre égal aux autres doigts. Cela aide d'avoir une attention donnée aux bouts des doigts de la main droite quand ils sont au contact des cordes. Lorsque que vous vous sentez confortable avec le tempo initial de 70 noires par minute, augmentez-le un peu de quelques pulsations.

Essayez le plan de trémolo à nouveau en étant attentif au confort de jeu et à la consistance du son. Sont-ils semblables à ce que vous avez obtenu avant? Si c'est le cas augmentez encore un peu le tempo et refaites les exemples vus. Recommencez l'opération jusqu'à ce que la sonorité commence à être imparfaite et inégale. Observez le tempo; il sera votre ligne de repères. Voyez-le comme une limite temporaire sur laquelle travailler et à dépasser pour progresser. Pour la suite, examinons deux puissants outils pratiques pour vous permettre de faire progresser votre technique. 

Exercices de trémolo

Pratiquer des changements de vitesse et des accélerations peut être un moyen efficace pour améliorer la vélocité du Trémolo. Ce principe s'explique comme une alternance entre des groupes de 4 notes joués à des tempos lents puis suivis ou précédés par des tempos plus rapides. 

tremolo4.png

Travaillez les exemples 6 et 7 en pizzicato ou staccato en commencant à un tempo lent et tranquille. Ces exemples sont deux bons exercices basiques d'alternance de vitesse. Si vous en cherchez d'autres, il existe des recueils de musiciens sur le sujet, comme celui d'un certain Scott Tennant" pumping nylon" dont un chapitre important est consacré à la technique du trémolo. 

tremolo5.png

L'exercice suivant consiste à travailler des plans de trémolo sur des points extrêmes de rythme et de volume, ce que certains musiciens nomment comme "dotted-rythm practice", des plans rythmiques en notes pointées.

A la place de pratiquer les notes de manière égale, il faut au contraire pratiquer le trémolo par un mode rythmique "court -long" ou long-court". ( Dites humpty dumpty de manière répétitive, c'est le rythme en question). Commencez l'exemple8 de manière fortissimo, ensuite recommencez l'exemple à un autre extrême très doucement. Il est crucial que vous vous fassiez violence pour le pratiquer aussi lentement que possible afin de le faire correctement. Ensuite inversez le plan rythmique en "court-long" comme dans l'exemple9. Commencez fortissimo à nouveau pour ensuite travaillez très doucement comme précedemment. Après avoir travaillez les plans aux deux extrêmes, retournez aux rythmes et tempos "normaux" et re-travaillez votre trémolo. Est-ce que vous ne remarquez pas quelque chose? on devrait observer que les plans se jouent plus facilement et que la sonorité obtenue soit plus consistante. 

 

tremolo6

Pratiquer lentement vers la vélocité:

Souvenez-vous de la fable le lièvre et la tortue! Cette comptine fort philosophique met l'emphase sur la valeur de la patience et de la perséverance, sur un progrès progressif et méthodique particulièrement dans le cas de l'apprentissage du trémolo. C'est une technique exigeante, il n' y a pas de doute la-dessus. Comme il n'y a pas de substitut aux conseils d'un bon professeur, pratiquer des exercices tels que des rythmiques en note pointées, et des changements de vitesse (accélération et diminution) est utile pour progresser sur le long terme sur votre technique du trémolo. Jusqu'à quelle vitesse doit-on aller? Il sera utile de se donner une limite de vitesse environ jusqu'à 120 bpm. Si vous vous attaquez à "recuerdos de la Alhambra" ou choississez d'incorporez le trémolo dans votre bagage technique et vos compositions, souvenez-vous de ces trois principes; la précision, la consistance et la vélocité. Soyez patient et appréciez les découvertes que vous ferez par sa pratique. Bon courage et plaisir!

 

chordsheets

francisco-tarregas-recuerdos.jpg  tarrega-francisco.jpg

 

Repost 0
24 février 2013 7 24 /02 /février /2013 04:29

Cette pièce a été imprimée et publiée à l'origine dans le "american songbag" de Carl Sandburg en 1927 sous le titre de " Dis mornin and dis evenin so soon". Cette chanson est un bon exemple du genre folk blues, je veux dire d'une chanson dans le sens des sujets bluesy abordés par les paroles ( comme le souligne Sandburg lui-même, l'ambiance est sombre avec une fin malheureuse) mais la forme et le développement harmonique penchent davantage vers la musique traditionnelle folklorique américaine. 

L'enchaînement harmonique E-C"m7 n'est pas typique du blues, donc il s'agit d'une structure harmonique plus atypique, comme l'utilisation d'intervalles de 10 ème majeur et mineur au mesures 4 et 10 qui sont des éléments plus classiques de composition. Par contre le style de jeu en fingerpicking par basse alternée et par des chromatismes (blue-notes)sont le reflet d'un esprit "bluesy" en matière de style musical. Nous avons là un arrangement qui veut mettre en évidence la mélodie, mais cette pièce reste difficile à mettre en place, il faut être patient et travailler en "micropracticing" donc mesure par mesure voir temps par temps quand il le faut. 

Carl Sandburg l' a décrite comme  “a monotone of life in songtones of dusk colors and rhythms that emerge from the shadows.” Les tons musicaux ont des couleurs de crépuscule et les rythmes émergent de l'ombre. 

Cette pièce a été enregistrée de nombreuse fois dans les sixties par des musiciens comme le Kingston Trio, Judith Collins, Sam Hinton, Bob Dylan, Eric Gibb et Dave Von Ronk. 

 

 Tell-Old-Bill-16BARS.jpg

  chordsheetstell-old-bill2.jpg tell-old-bill.jpg

 

Repost 0
24 février 2013 7 24 /02 /février /2013 03:22

"Careless Love" est une pièce classique du début du XX siècle du répertoire jazz de la Nouvelle Orléans. Ce traditionnel renommé suscite également des origines obscures pour tout musicologue. L'orchestre de Buddy Bolden, l'un des groupes pionniers du style musical dixieland, fut connu pour avoir arrangé une version de cette chanson. Ce standard a été depuis enregistré par beaucoup de musiciens allant de Pete Seeger à Elvis Presley jusqu'à Bob Dylan. La mélodie de cette chanson a souvent été un thème, un véhicule pour de nombreuses paroles, dont les sujets tournant autour de l'amour, la trahison comme le meurtre furent pertinents pour la musique populaire et traditionnelle aussi bien aux USA qu'ailleurs dans le monde. 

Comme beaucoup d'airs traditionnels, "Careless Love" fut arrangé dans divers et différents genres musicaux penchant la majeure partie du temps vers le blues et le jazz, mais il a survécu à d'autres traitements dans la country, le folk et la pop musique. S'inspirant de la version de Lonnie Johnson de l'enregistrement de 1965 "Unsung blues legend: the living room sessions, voici une interprétation blues ballade. L'enregistrement de Lonnie Johnson crée un climat détendu mais lugubre qui est poursuivit également ici dans cet arrangement plutôt que par des traits guitaristiques particuliers. Cet arrangement pour guitare est écrit dans la tonalité de Mi majeur, qui est souvent une tonalité préférée pour des solos comme pour des parties vocales.

Vous remarquerez que malgré les variations des motifs d'accompagnements guitaristiques qui composent l'arrangement global, on se doit de ne pas perdre la pulsation; un groove relaxant et détendu. Ceci est plus important que toutes les notes et figures rythmiques qui constituent cet arrangement. les doigtés sont difficiles à mettre en place, donc soyez patient et persévérant. Bon travail

carelessLove1 LG

carelessLove2 LG

chordsheets

ray-charles-careless-love-abc-paramount

 

 

Repost 0

Présentation

  • : Musicology and guitar
  • Musicology and guitar
  • : Des informations, des idées, des analyses
  • Contact

Recherche

Liens