Musicology and guitar styles

Dans le langage du Blues traditionnel ou moderne, le terme de "turnaround" se refère à une séquence musicale harmonique ou mélodique interprétée sur les accords de tonique (I) et de dominante(V) des dernières mesures d'une grille d'un blues en douze mesures ou plus atypique en huit ou seize mesures, concluant la forme pour une répétition de celle-ci. Le 'turnaround" peut-être long de deux à quatre mesures. Ci-dessous le plan est en Mi7(E7) sur deux mesures, il est harmonisé  en tierce mineure descendante depuis le Si(B) jusqu'au Sol (G)dièse, la tierce majeure de l'accord de tonique en tonalité de mi

Beaucoup de "turnarounds" standards en blues sont construits sur une phrase harmonique simple descendant par chromatisme(i.e par demi-tons) de la septième mineure pour aller vers la quinte juste de la tonique(I) de la grille harmonique. De par ce fait, beaucoup de chansons "blues" sont introduites par un "turnaround" également comme ils concluent un blues également comme dans l'exemple ci-dessous en Mi( I-V) en demi-cadence.

Tout au long de l'histoire du blues, de grands musiciens ont utilisés ce plan simple comme élément fondateur sur lequel s'est construit des "turnarounds" plus élaborés qui peuvent être librement transposés dans d'autres tonalités d'un air de blues à un autre. Se concentrant dans la tonalité de La (A), les exemples ci-dessous vont vous montrer comment harmoniser ce plan de base avec d'autres notes afin de créer des "turnarounds" origi-naux que vous pourrez utiliser dans votre jeu "bluesy".

Jouez ce plan typique en basses doublées et alternées sur huit mesures ci-dessous de l'exemple1 et observez le "turnaround" G-Fdièse-F-E joué sur la quatrième corde aux mesures 7 et 8. Une manière simple d'habiller ce plan est d'ajouter tout en jouant la séquence mélodique, la fondamentale de l'accord A en note pivot soit sur la 5ème corde ou soit en tant que chanterelle sur la corde de Mi aigu. Le 'turnaround" présenté dans l'exemple2 était le favori du musicien de Chicago et de Delta Blues bien connu Robert Johnson. 

Composé à l'origine au XIX siècle par le Colonel Sanford C. Sandy Faulkner, ce classique du répertoire traditionnel US "Arkansas Traveler" a connu bien des vies.  Adopté comme chanson hymne historique par l'Etat de l'Arkansas en 1987, Il lui a été donné de nouvelles paroles en 1947 par le comité musical administratif de l'Arkansas( " for the wonder state we will shout hurrah/ and praise the opportunities we found in Arkansas"). Ceci peut-être pour contrer l'impression laissée par le vaudeville routinier qui l'accompagnait habituellement( un citadin snob voyageur disant à un violoniste d'arkansas assis sur un porche; Hey Stranger, lived here all your life?" Fiddler" Not yet".).

Cette mémorable mélodie a été enregistrée pour la première fois en 1922 par le violoniste Eck Robertson et elle a été reproduite et développée de nombreuse fois depuis lors. Plus particulièrement pour et par des guitaristes dans des enregistrements en homestudio notamment par le pionnier du flatpicking Clarence White en 1962, également par Norman Blake sur son album d'influence de 1976 " whiskey for Breakfeast", comme titre phare de l'album de 1991 de Michelle Shocked et aussi par Jerry Garcia et David Grisman sur le titre "Not for kids only. 

Habituellement interprété dans la tonalité de Ré (D), ce morçeau peut être arrangé avec des accords de la tonalité de Do(C) mais avec un capodastre en 2ème position ou plus simplement avec les accords de la tonalité de Ré(D) sans capodastre. Nous avons dans l'extrait de huit mesures ci-dessous, un arrangement de la pièce en Do(C) avec des arpèges rajoutées à la mélodie de base de la partie A. Il est bien sûr possible de trouver d'autres arrangements intéressants de cette mélodie pour la guitare, comme celui qui est proposé plus bas avec une explication plus détaillée de la forme globale de la chanson "Arkansas Traveler" en AA-BB de 32 mesures.

Dans la ville de Grenade au sud de l'Espagne, se trouve un magnifique château connu sous le nom de l'Alhambra. Ce monument représentatif du pouvoir des Maures sur la péninsule Ibérique il y a des siècles a inspiré de nombreux artistes dont une des plus belles pièces de la guitare classique espagnole, "Recuerdos de la Alhambra" de Francisco Tarregas. Cette pièce qui capture toute la beauté et la poésie de l'Alhambra est célèbre dans le répertoire de la guitare classique. Ce qui rend "Recuerdos" si difficile (mais aussi très beau) est la technique spécifique qui est nécessaire pour l'interpréter "le Tremolo"; la répétition rapide à la double croche d'une note unique sur plusieurs doigts.

Les mandolistes peuvent arriver à produire cet effet de jeu au plectre avec un picking rapide alterné, les violonistes par contre avec des mouvements rapides ascendants et descendants de l'archet. Mais les guitaristes classiques, comme les "fingerpickers", sans plectre et archet, doivent pincer la bonne note avec tous les doigts de la main droite dans un mouvement rapide. Il ne s'agit pas ici d'apprendre à maitriser cette pièce (recuerdos), mais à étudier des exercices et des plans pour arriver à maîtriser et éprouver la technique complexe du tremolo. 

Il y a trois aspects importants à considérer dans la technique du "tremolo" ; la précision, la vélocité et la consistance. Ces trois éléments sont interdépendants. Comme exemple, si on l'est précis, on produira plus facilement un son consistant, par contre si l'on cherche à jouer à toute vitesse en négligeant la précision, la consistance du trémolo en sera marquée. Interpréter avec précision, consistance et vélocité une pièce en trémolo peut être un challenge important. 

Tous les problèmes techniques que vous pourriez avoir tels que des excès de tension, des positions inappropriées des doigts, des ongles trop longs, crochus seront amplifiés par le tremolo. Si vous rencontrez des difficultés, ne vous découragez pas, soyez patients, si certains problèmes techniques ne peuvent être résolus consultez un professeur de guitare et prenez une approche équilibrée voir méthodique dans votre pratique de cette technique.

Plans de Tremolo:

Si vous arrivez à jouer des arpèges, vous arriverez aussi à produire du trémolo, parce que cette technique demande les mêmes doigtés et mécanismes de la main droite que des arpèges requièrent. L'exemple1 est un plan d'arpège similaire dans le doigté à celui d'un plan de trémolo classique. Exercez-vous sur celui-ci avant de passer aux plans de tremolo. Dans la notation classique, on utilise des lettres minuscules (p pour le pouce ,i pour l'index,m pour le majeur,a pour l'annulaire) pour représenter le doigté utilisé à la main droite. Certains disent qu'elles proviennent de la langue espagnole ; pulgar, indice, médio et anular. Pour la guitare classique, la technique du trémolo utilise un plan répétitif de quatre notes similaires sur le doigté p,i,m et a (comme dans le plan d'arpège de l'exemple1). Le pouce produit une  basse sur le 1er temps et les doigts remplissent le reste de la pulsation en double croches sur les cordes aigües. Travailler l'exemple2 et les deux suivants lentement et avec un "pizzicato"( la vélocité et la vitesse seront un challenge pour plus tard). 

l'exemple3 est un plan typique de trémolo utilisé par les guitaristes de flamenco. Le plan se construit autour d'une séquence rythmique en quintolet avec un doigté particulier (p,i,m,a,i) à la différence du plan classique sur quatre notes. 

Ce plan est intéressant à plus d'un titre parce qu'il n'a pas de subdivision rythmique égale que l'auditeur puisse percevoir (l'oreille ne peut aisemment diviser en cinq qu'en quatre temps). Il y a un troisième plan de trémolo possible sur une séquence en sextolet comme dans l'exemple4. Travaillez-le dans un mouvement d'aller et retour sur le doigté;p,i,m,a,m et i avec toujours un effet staccato sur chaque note (le point au-dessus).

Il y a un certain nombre d'excellents exercices pour vous aider à développer la technique du trémolo. Nous allons nous focaliser sur deux de ceux-ci; son développement par des accélérations et diminutions de la vitesse et la pratique rythmique en note pointée. Mais avant toute chose, il faut se familiariser avec un outil utile ; le métronome. 

Le métronome est un outil vital pour travailler votre technique-le trémolo en particulier et la musique en général.

Le métronome existe dans bien des formes et des tailles, allant de l'outil internet gratuit à télécharger ou le software PDA numérique jusqu'à des appareils multifonctions plus élaborés qui ne font pas que marquer le temps, mais ils indiquent aussi les accentuations, les métriques composées, génèrent des tons d'accordage, donnent l'heure, la date et l'humidité ambiante, avertissent par des petites lumières du temps fort, et ils pourraient jouer de la guitare pour vous (très drole). Tous les exemples présentés ici seront plus efficaces avec un métronome. Pour augmenter votre tempo, votre vélocité, il est possible d'utiliser le métronome pour situer une base de repères. Chercher un tempo sur lequel vous pouvez exercer l'exemple 5 sans trop de difficulté. Commencer par le travailler à un tempo lent de 70 noires par minute ou encore moins s'il le faut. Pendant que vous jouez quatre notes par temps, écoutez attentivement afin que chaque note sonne de manière claire et égale, avec la même attaque, volume et qualité de sonorité. La sonorité de votre pouce peut se faire remarquer comme celle d'un pouce endolori, mais essayer de le rendre égal aux autres doigts. Cela aide d'avoir une attention donnée aux bouts des doigts de la main droite quand ils sont au contact des cordes. Lorsque que vous vous sentez confortable avec le tempo initial de 70 noires par minute, augmentez-le un peu de quelques pulsations.

Essayez le plan de trémolo à nouveau en étant attentif au confort de jeu et à la consistance du son. Sont-ils semblables à ce que vous avez obtenu avant? Si c'est le cas augmentez encore un peu le tempo et refaites les exemples vus. Recommencez l'opération jusqu'à ce que la sonorité commence à être imparfaite et inégale. Observez le tempo; il sera votre ligne de repères. Voyez-le comme une limite temporaire sur laquelle travailler et à dépasser pour progresser. Pour la suite, examinons deux puissants outils pratiques pour vous permettre de faire progresser votre technique. 

Exercices de trémolo

Pratiquer des changements de vitesse et des accélerations peut être un moyen efficace pour améliorer la vélocité du Trémolo. Ce principe s'explique comme une alternance entre des groupes de 4 notes joués à des tempos lents puis suivis ou précédés par des tempos plus rapides. 

Travaillez les exemples 6 et 7 en pizzicato ou staccato en commencant à un tempo lent et tranquille. Ces exemples sont deux bons exercices basiques d'alternance de vitesse. Si vous en cherchez d'autres, il existe des recueils de musiciens sur le sujet, comme celui d'un certain Scott Tennant" pumping nylon" dont un chapitre important est consacré à la technique du trémolo. 

L'exercice suivant consiste à travailler des plans de trémolo sur des points extrêmes de rythme et de volume, ce que certains musiciens nomment comme "dotted-rythm practice", des plans rythmiques en notes pointées.

A la place de pratiquer les notes de manière égale, il faut au contraire pratiquer le trémolo par un mode rythmique "court -long" ou long-court". ( Dites humpty dumpty de manière répétitive, c'est le rythme en question). Commencez l'exemple8 de manière fortissimo, ensuite recommencez l'exemple à un autre extrême très doucement. Il est crucial que vous vous fassiez violence pour le pratiquer aussi lentement que possible afin de le faire correctement. Ensuite inversez le plan rythmique en "court-long" comme dans l'exemple9. Commencez fortissimo à nouveau pour ensuite travaillez très doucement comme précedemment. Après avoir travaillez les plans aux deux extrêmes, retournez aux rythmes et tempos "normaux" et re-travaillez votre trémolo. Est-ce que vous ne remarquez pas quelque chose? on devrait observer que les plans se jouent plus facilement et que la sonorité obtenue soit plus consistante. 

Pratiquer lentement vers la vélocité:

Souvenez-vous de la fable le lièvre et la tortue! Cette comptine fort philosophique met l'emphase sur la valeur de la patience et de la perséverance, sur un progrès progressif et méthodique particulièrement dans le cas de l'apprentissage du trémolo. C'est une technique exigeante, il n' y a pas de doute la-dessus. Comme il n'y a pas de substitut aux conseils d'un bon professeur, pratiquer des exercices tels que des rythmiques en note pointées, et des changements de vitesse (accélération et diminution) est utile pour progresser sur le long terme sur votre technique du trémolo. Jusqu'à quelle vitesse doit-on aller? Il sera utile de se donner une limite de vitesse environ jusqu'à 120 bpm. Si vous vous attaquez à "recuerdos de la Alhambra" ou choississez d'incorporez le trémolo dans votre bagage technique et vos compositions, souvenez-vous de ces trois principes; la précision, la consistance et la vélocité. Soyez patient et appréciez les découvertes que vous ferez par sa pratique. Bon courage et plaisir!

"Careless Love" est une pièce classique du début du XX siècle du répertoire jazz de la Nouvelle Orléans. Ce traditionnel renommé suscite également des origines obscures pour tout musicologue. L'orchestre de Buddy Bolden, l'un des groupes pionniers du style musical dixieland, fut connu pour avoir arrangé une version de cette chanson. Ce standard a été depuis enregistré par beaucoup de musiciens allant de Pete Seeger à Elvis Presley jusqu'à Bob Dylan. La mélodie de cette chanson a souvent été un thème, un véhicule pour de nombreuses paroles, dont les sujets tournant autour de l'amour, la trahison comme le meurtre furent pertinents pour la musique populaire et traditionnelle aussi bien aux USA qu'ailleurs dans le monde. 

Comme beaucoup d'airs traditionnels, "Careless Love" fut arrangé dans divers et différents genres musicaux penchant la majeure partie du temps vers le blues et le jazz, mais il a survécu à d'autres traitements dans la country, le folk et la pop musique. S'inspirant de la version de Lonnie Johnson de l'enregistrement de 1965 "Unsung blues legend: the living room sessions, voici une interprétation blues ballade. L'enregistrement de Lonnie Johnson crée un climat détendu mais lugubre qui est poursuivit également ici dans cet arrangement plutôt que par des traits guitaristiques particuliers. Cet arrangement pour guitare est écrit dans la tonalité de Mi majeur, qui est souvent une tonalité préférée pour des solos comme pour des parties vocales.

Vous remarquerez que malgré les variations des motifs d'accompagnements guitaristiques qui composent l'arrangement global, on se doit de ne pas perdre la pulsation; un groove relaxant et détendu. Ceci est plus important que toutes les notes et figures rythmiques qui constituent cet arrangement. les doigtés sont difficiles à mettre en place, donc soyez patient et persévérant. Bon travail

Les "guide tones" en terme de théorie d'harmonie sont des accords dit "de septième ou de sixte" réduis à leurs notes basiques sans la quinte; nous avons donc la fondamentale, la tierce (majeur ou mineure), la septième (majeur, mineur et diminué) ou la sixte (majeur et mineur) pour un accord de sixte. Ce sont des accords d'accompagnement que l'on utilise fréquemment dans de multiples genres et styles de musique comme le blues, le jazz et la bossa nova notamment. 

Ces accords ont été popularisés au départ par des musiciens de la "swing era" tels que les guitaristes Freddie Green, Grant Green et Jim Hall ou encore le pianiste Red Garland. Theolonius Monk a utilisé ces "guide tone voicings" pour notifier et accompagner ses excursions improvisées de pianiste solo pendant sa période féconde be-bop.  

Le phénoménal guitariste bebop Tad Farlow a même utilisé ces accords comme structure de base à ces flamboyants solos de guitare. Pour continuer et dans un but de clarification et d'identification en notation, nous allons appelés les "guide tones" ayant la fondamentale sur la sixième corde (E) "root 6 chords" et ceux avec la fondamentale sur la 5ème corde (A) "root5 chords". 

L'exemple 1 illustre des root6 chords et root5 chords pour des "guide tones" de Maj7 et Min7. 

Remarquez comment les "guide tones" inversent leur structure lorsque, il y a des changements de corde. Ce fait est dépendant d'ou se trouve la fondamentale en fonction de la corde. Comme exemple pour le root5 chord, on place la tierce sur la corde de ré (D)(4 corde) et la 7 ème sur la corde de Sol (G)(3ème corde). Alors que pour un root6 chord, on place ces notes dans le sens contraire. Ce qui est dès plus intéressant avec ces "guide tones" c'est le fait qu'ils soient mobiles et transposables, par conséquent il est important de se familiariser avec les diagrammes présentés dans les exercices 2a et 2b. Exercez-vous à produire des cadences II-V-I et anatoles dans différentes tonalités avec ces schémas de notes afin de pouvoir gérer plus facilement des fills-in, des licks, des grooves et des accompagnements jazzy dans des jams et gigs. Bon courage et bon plaisir surtoût! 

Voici deux exemples de plan d'accompagnement utilisant des guides tones et des lignes de basse en "walking bass". En combinant ces éléments simples, on obtient des motifs jazzy pour le moins complexes. A vous de jouer et bon plaisir!