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4 juillet 2013 4 04 /07 /juillet /2013 14:20

Cecil Sharp fut un anglais qui s'installa dans le midwest au USA au début du 20 siècle à la recherche d'anciennes chansons populaires anglaises répertoriées oralement dans le sud de la région des appalaches par des familles d'immigrés. Il trouva par sa recherche 18 versions de la chanson traditionnelle "Fair and tender ladies". 

On peut en trouver des idées d'arrangement instrumentaux voir d'accompagnement pour la guitare en écoutant certaines versions enregistrées dont celle en "finger picking" d'un banjoiste du Kentucky nommé "Banjo Bill Cornett". 

Il fut un fabuleux chanteur et compositeur de son temps dans la manière de combiner le banjo et la voix.

Vous pouvez utilisez son idée d'arrangement basique pour le banjo dont le propos fut de mettre en relief la partie vocale pour la transposer sur la guitare en "open tuning" celtique modal (D-G-D-G-A-D).

Pour le travail technique, il est intéressant d'utiliser l'index et le majeur en buté pour la mélodie sur les cordes aigües et le pouce pour les cordes médianes. Le pouce se devant d'interpréter les basses également bien sûr.

Vous pouvez définir un plan rythmique "oom pah" en noires, le pouce attaquant sur "oom" et le majeur sur "pah". Il vous est possible de rajouter quelques effets de jeu banjo "pulling of" avec le petit doigt de la main gauche. Ces ornements doivent se situer entre le "oom" et le "pah". 

Vous pouvez aussi ajouter un effet rythmique de roulement en quatre battements avec une attaque du pouce en basse sur le "downbeat" suivit d'un "pulling of" sur les cordes aigûes avec les doigts. Le troisième balayage est un mouvement descendant avec le majeur et l'index sur plusieurs cordes aigûes simultanées. Le quatrième balayage se produit en mouvement ascendant avec l'index avec un effet 'brush". Les premières onze mesures d'un arrangement sont présentées ci-dessous. Bon travail soyez créatif !!

Fair-Tender-Excerpt.jpg

 

manche de guitare

fair-and-tender-ladies-tab.gif

 

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4 juillet 2013 4 04 /07 /juillet /2013 13:30

La séparation des parties d'une pièce instrumentale se conçoit assez facilement sur un instrument comme le piano parce que chaque main est libre de fonctionner indépendamment de l'autre dans la composition comme dans la performance. Mais c'est une toute autre histoire dans la pratique de ces techniques de jeu sur la guitare où chaque main doit constamment travailler en tandem donc en synchronisation avec en plus un maximum de six notes qui peuvent sonner à chaque moment musical. Comme vous allez le constater dans les prochains exemples, des guitaristes comme Lenny Breau ou Tal Farlow ont répondu à ce challenge en plaçant leurs thèmes mélodiques au-dessus d'une structure compacte harmonique en "guide tone voicings". 

Les couleurs indiquent les degrés des accords de 7ème; la fondamentale en blanc, la tierce en bleu, la 7ème en violet.

L'exemple 1 ci-dessous nous montre une gamme diatonique de Do(C) au-dessus d'une cadence harmonique en II-V-I dans la tonalité de Do (C). Les accords de Dm7 et de G7 n'ont pas de fondamentale, mais la force des guide tones dans le voicing rend le mouvement harmonique intact.

L'exemple2 progresse également sur une cadence jazz en II-V-I toujours en Do mais en utilisant pour cet arrangement des diagrammes de "guide tones" plus haut sur le manche (en 8ème et 10ème position) et en y ajoutant les fondamentales sur le premier temps de chaque mesure. L'astuce comme la finalité dans ces deux exemples est de garder les "voicings" des "guide-tones" en suspension de durée pendant que l'on interprète les lignes mélodiques par-dessus. N'hésitez pas à expérimenter différents doigtés sur ces diagrammes d'accords afin qu'ils soient le plus confortable possible pour vous et pour l'exécution en flux continu de ces plans jazzy. 

Expérimentez d'autres enchaînements harmoniques dans d'autres tonalités que celle de Do(C) ceci afin de rendre vos improvisations et vos accompagnements plus riches de créativité et de compétence. Bon courage!

EmulatePiano

Une progression en tonalité de Do ; II-V-I utisant des guide tones atypiques, mais intéressants.

Un exemple stylistique de l'utilisation des "guide-tones" de Tal Farlow guitariste et compositeur be-bop avec trois voicings Ma7.m7 et 7.

Pour conclure une harmo-mélodie sur un II-V-I en Do(C). Il serait utile et intéressant de travailler à transposer ce plan dans d'autres tonalités. 

manche de guitare

 

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22 juin 2013 6 22 /06 /juin /2013 10:39

Lorsque vous avez la certitude d'avoir capturé un son adéquat, vous êtes prêt pour l'enregistrer. Il y a plusieurs manières d'aborder l'enregistrement proprement dit, ceci en fonction du type de musique. Si vous êtes en "overdubbing'(superposition de pistes) ou en "click track"(jouer sur une piste en fonction), il vous faudra un casque ou des "headphones"(oeillères audio). Expérimenter avec différents niveaux sonores jusqu'à ce que vous vous sentiez confortable et que vous pouvez entendre le"click" ou les pistes que vous êtes en train d"overdubbing" ainsi que votre guitare ou votre basse si vous êtes multi-instrumentiste. Assurez-vous que vos écouteurs ne sont pas trop forts afin qu'ils ne débordent pas sur l'enregistrement par du feeback ou d'autres bruits parasites sur les microphones. Tout musicien et compositeur voudrait pouvoir enregistrer un morçeau en une seule prise, cependant la plupart des enregistrements incluent plusieurs essais dont certaines parties sont souvent combinées et modifiées pour corriger des erreurs.

Cela permet d'avoir une ou des stratégies pour faciliter l'édition. Voici quelques approches!!

Sauvegarder et essayer à nouveau:

si vous ne jouez pas en synchronisation avec les autres instruments. Une manière de gérer les erreurs est d'arrêter l'enregistrement, de sauvegarder les mesures satisfaisantes et de continuer l'enregistrement. Une fois que vous êtes arrivé à la fin du morçeau, vous pouvez utiliser votre programme d'édition musicale pour supprimer les sections inadéquates ou insatisfaisantes. La plupart des programmes actuels d'édition peuvent automatiquement "crossfade"(fondre) les bonnes parties, créant un joint transparent que personne ne remarquera. Cela prend du temps pour apprendre à éditer convenablement-car chaque programme d'édition est différent-mais le processus devient plus facile avec la pratique et l'expérience que l'on acquiert. Avec cette approche vous devez être capable d'arrêter et de reprendre l'enregistrement avec le même volume comme le même tempo et feeling. Et essayer d'éviter de changer ou de déplacer votre position par rapport aux micros d'enregistrement, car même une légère différence peut créer des signes révelateurs au point de montage et d'édition. 

Composer et mixer avec de multiples prises: une autre approche consiste à enregistrer la totalité du morçeau plusieurs fois et de monter ensemble les meilleures sections de chaque performance. Avec cette approche vous pouvez continuer d'interpréter votre performance même s'il y a des erreurs. Une fois votre prise finie, enregistrer à nouveau sur une nouvelle piste, repéter vos prises jusqu'à ce que vous pensez avoir enregistrer chaque section de manière correcte quelque part dans au moins une prise. 

Différents programmes d'édition permettent ce processus dans une variété de possibilités et de façons. Presque tous ces programmes vont vous permettre de couper des sections de prises et coller celles-ci dans une section de montage. Certains de ces "softwares" ont des fonctions plus sophistiquées comme celles vous permettant de sélectionner des sections de prises et d'automatiquement les réunir dans une seule performance audio. 

Il faut du temps et de l'expérience pour trouver le juste équilibre entre la fixation obsessionnelle pour des détails dans l'édition et de laisser de petits inconvenients passer. Si vous trouvez utile à passer du temps à faire beaucoup de montages pour arriver à un enregistrement acceptable, vous devriez plutôt passer du temps à pratiquer votre composition ou votre morçeau, ce temps sera plus utile que de le dépenser à enregistrer trop de prises pour rien. La beauté du "home recording" est que vous n'êtes pas une "horloge" donc il vous est possible de faire autant de prises que vous voulez sans en payer les frais en studio professionnel ou prendre une pause s'il le faut pour reprendre ce travail un autre jour quand votre humeur et feeling seront au rendez-vous!!! bon plaisir. Comme programme d'édition, essayez le cubase pro 4 ou music creator 3!!

cakewalk music creator 4 2 Cakewalk Music Creator

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14 juin 2013 5 14 /06 /juin /2013 11:38

Ma première initiation à cette mélodie de blues le fut par le biais de la version de Django Reinhardt, Stéphane Grapelli et du quintet Hot Club de France (incluse sur le CD "Django Reinhardt volume3 1936-37 swing guitar) étudiée dans le cadre de mes études en école de Jazz aux USA. Comme la version du Hot Club est plutôt dynamique et flamboyante, j'ai été intrigué de rechercher un arrangement plus détendu voir réfléchi à deux temps notamment celui déniché et écrit par le pianiste virtuose soliste de Jazz "Art Tatum" sur un CD "Classic piano solos de 1934-1937. Je me suis sentis donc assez stupéfait, quand Art Tatum une minute et demie dans l'interprétation de ce classique du blues, s'arrêta puis pris une grande respiration et alluma une version en "double time" de cette mélodie bluesy qui fit passer la version du hot-club pour un petit déjeuner. 

La leçon que j'ai apprise après ces expériences d'écoute est qu'"After you've gone" sonne magnifiquement à des tempos modérés. Essayer donc cette interprétation plus détendue sur l'arrangement en F qui est présenté ci-dessous dans un extrait de huit mesures d'une pièce harmoniquement plus contemporaine. Soyez "swing" dans votre approche rythmique de la mélodie afin de donner un relief plus nonchalant et détendu de ce thème bluesy.

After-You-ve-Gone-EXCERPT.jpg

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after-you-have-gone.png

afteryouhavegone.jpg  reinhardt.django.jpg

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12 juin 2013 3 12 /06 /juin /2013 15:30

Avant de s'attaquer aux techniques de la main gauche (fretting hand), il est judicieux de se concentrer sur la synchronisation de la main droite (picking hand)sur le métronome par des exercices rythmiques en monodie (notes individuelles) notamment ou en accords (harmonie).

En premier lieu, il faut régler le métronome sur une vitesse lente comme 60 noires par minute et en 4/4 de métrique et ensuite allumez-le. En utilisant que des battements descendants (downstroke) donc avec un découpage rythmique simple, jouez à plusieurs reprises avec régularité une note Do(C) sur la corde de Sol(G) à la cinquième case.

Commencez à travailler avec des noires-une valeur rythmique précisement sur chaque click du métronome comme indiqué dans l'exercice1. Essayez-le et ajustez votre attaque de chaque pulsation jusqu'à qu'elle tombe pile en synchronisation avec le métronome, laissant chaque note sonner à sa pleine valeur de durée de noire jusqu'à la prochaine attaque de note. 

Une fois que vous vous sentez à l'aise et en confiance avec les "downstroke" sur chaque pulsation, il sera temps d'essayer la technique du picking alterné pour un découpage rythmique en croches ou en noires composé avec des "upstroke", des battements ascendants et descendants. Pour mettre en place cette technique, jouez la même note Do(C) que précédemment à la cinquième case en alternant donc des "downstroke" des battements descendants sur le premier et le troisième temps et des "upstroke" des battements ascendants sur le deuxième et le quatrième temps. Donnez une attention au comment sonnent les "upstroke" la plupart des musiciens ont des soucis avec les retours dans la technique alternée. S'ils sonnent aussi clairs et forts que les "downstroke", vous êtes dans la bonne direction.

Si ce n'est pas le cas, il vous faudra essayer de pratiquer le mouvement de la main gauche pour un moment encore sur l'exercice1 mais qu'avec des "upstroke cette fois, jusqu'à ce que vous vous sentiez en confiance avec les retours. Pour la prochaine étape essayez de pratiquer avec deux valeurs rythmiques par temps donc avec des croches en utilisant la technique en aller-retour, le picking alterné comme le montre l'exercice2.

Metronome-ex1 2

 

Essayez par la suite de pratiquer des exercices en basse alternée sur deux accords avec les mêmes mouvements de la main droite vu précédemment. Ceci va en plus pour permettre d'être précis avec vos attaques au plectre à la main droite et travailler un exercice de changement de cordes et de basses en flatpicking ou en picking hybride(le chicken picking; une attaque de plectre et une attaque avec un doigt,etc.)

guitar-chord-frame

 

 

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18 mai 2013 6 18 /05 /mai /2013 21:03

Il est parfois nécessaire voir utile d'interpréter plusieurs notes de différentes hauteurs en attaquant (en buté ou pincé) ou au plectre qu'une seule fois une corde. Cela est toutefois possible en utilisant une technique appelée traditionnellement "legato" du verbe legare dans la langue latine qui signifie joindre ou lier ensemble. Dans le style "fingerpicking" et le "flatpicking", il existe trois techniques fondamentales pour le jeu "legato" ; ce sont le coulé ascendant (hammer-on), le coulé descendant (pulling off) et le glissé (slide). Elles peuvent être utilisées afin de créer  un jeu mélodique lié et plus fluide dans une thème ou une phrase musicale et encore afin de varier la texture dans une musique en picking. Les coulés et les glissés facilitent également l'exécution de passages musicaux requérant  de la vitesse voir de la vélocité. 

Les hammers-on  et pulling-off (coulés)

Ils sont représentés en notation musicale par une courbe ou une liaison entre deux notes comme indiqué dans l'exemple1

 

hammer onI

Quand la flux mélodique monte, cela nécessite un coulé ascendant (hammer-on) et quand celui-ci descend, la courbe indique un pulling-off ( coulé descendant). On trouve sur la tablature une lettre H pour le hammer-on et une lettre Po pour le pulling of, mais ces indications supplémentaires sont considérées comme superflues en notation classique, car ce sont des éléments d'interprétation laissés libres à l'exécutant. 

Le coulé ascendant(hammer-on)

Cette technique peut s'exécuter par un "pincé, par un buté" ou encore en flatpicking avec un plectre aussi bien d'une note ouverte que "frettée" pour lier la deuxième note. Chaque "coulé" dans l'exercice2 commence par une note à vide en croche suivie par une note également en croche obtenue par un coulé ascendant (H) (la note est en seconde position dans l'exemple mais elle pourrait se situer ailleurs bien sûr). Dans sa préparation, le doigt devant "fretter" la note doit se positionner quelques millimètres au dessus de la corde et de la touche pas plus; Il ne doit pas s'éloigner de la touche, mais être prêt pour attaquer la note suivante. Après avoir attaqué la corde à vide avec un doigt de la main droite désigné par le doigté, faites le coulé rapidement avec le doigt de la main gauche "frettant", mais gardez le bout du doigt tout comme l'ensemble de celui-ci perpendiculaire à la touche et parallèle à la barrette. Le mouvement doit avoir comme origine l'engagement de la charnière du doigt de la main gauche. Avec l'impulsion du doigté de la main droite, c'est dans ces mouvements que résident l'énergie et le contrôle ultime de cette technique.

Le coulé descendant(pulling off)

Cette technique peut s'exécuter aussi bien en flatpicking qu'en fingerpicking mais à partir d'une note "frettée" ou plusieurs ensemble (double stops) afin de faire sonner une note ou des notes à la suite par liaison descendante au contraire de la liaison ascendante (hammer-on). Le mouvement consiste après avoir attaquer une corde à la main droite en buté, pincé ou au plectre, à tirer (pulling) par une bonne impulsion de la main gauche avec le même doigt ayant fretté la note précédente pour obtenir une nouvelle note en-dessous. Un geste technique qui demande de la précision et du savoir faire. Les exemples ci-dessous intègrent cette technique soit entre deux notes "frettées" ou soit sur une gamme pentatonique de Mi mineure en première position. Le propos étant de donner de la vélocité, de la fluidité au flux mélodique. 

pull off pull-off-2-guitar-tab

Comme autre exemple un plan de John Petrucci combinant les deux techniques "legato"de coulé ascendant et descendant; observez le mouvement en flatpicking alterné de la main droite avec le plectre sur les liaisons. Ces techniques de main gauche sont utilisés afin de donner de l'expressivité tout comme un certain "groove" rythmique en articulation au plan mélodique. 

hammer petrucci11

Le glissando(slide)

Cette technique de coulé ou de liaison est essentiel à tout jeu guitaristique. Elle consiste comme le mot l'indique à faire glisser un doigt ou plusieurs doigts de la main gauche entre deux notes individuelles ou plusieurs notes "frettées" ensemble (double stops) par une seule attaque de la main droite, soit en pincé, en buté ou encore au plectre. Le glissando demande un bon sens du toucher, de l'influx, de la précision au départ, pendant l'effet comme à l'arrivée sur la note ou les notes finales. Cette technique peut s'appliquer dans tous les styles de musique; du classique au métal. De plus avec tous les doigts de la main gauche ou encore avec un "bottleneck" (slide), un outil au combien utile pour produire des effets de jeu "coulé" et de la liaison avec magnificence. Pour exemples il vous suffit d'écouter David Gilmour, Duane Allman, Rory Gallagher, Ry Cooder ou encore Sonny Laundreth ou Chris Rea etc. pour vous en convaincre. Quelques exemples ci-dessous illustrent cette technique.

Le glissando peut se produire avant l'attaque d'une note, pendant la vibration d'une note, entre deux notes ou encore après l'attaque d'une ou plusieurs notes, cf ci-dessous. Le glissando peut varier dans son intensité et sa durée. L'attaque peut être ascendante ou descendante, c'est à dire de venir en glissé depuis un ou deux tons au -dessus ou au-dessous de la note avant ou après l'attaque de la corde et des notes. Le glissando est une affaire de feeling donc de sensibilité comme de toucher, il peut être réussi si l'impulsion au départ est correcte. Donc soyez attentif à préparer le glissando de manière adéquate en vous exerçant sur vos gammes et sur de courts motifs mélodiques ou harmonisés en intervalles. Bon courage !

slide-exerc.png slide-tab.png

slide-grace-note.png 

Voici un tableau qui démontre différentes textures dans l'exécution d'un glissando; il peut être normal par l'attaque employée dans son articulation, ou s'exprimer avec des nuances de timbre, de volume et de vitesse. 

slide-nota.png

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10 mai 2013 5 10 /05 /mai /2013 16:15
les huit premières mesures d'un arrangement en drop d tuning

les huit premières mesures d'un arrangement en drop d tuning

El Testament d'Amelia est l'une des sept mélodies catalanes populaires adaptées pour la guitare classique par le compositeur et arrangeur espagnol du XIX siècle, Miguel LIobet. 

Ce maître arrangeur fut éduqué dès sa plus tendre enfance aux métiers des arts par son père sculpteur sur bois. Il reçut un enseignement à la peinture pour laquelle il eut également un certain talent auquel il se consacra quand la musique le lui permettait. Il reçut sa première guitare d'un de ses oncles étant adolescent. Il rencontra et joua pour le pédagogue de la guitare bien connu de son temps Francisco Tarrega en 1892 et prit des cours avec lui deux ans plus tard au conservatoire de Barcelone. Bien plus tard il devint un professeur attitré dans plusieurs écoles en Espagne ceci avant la Ière mondiale qui l'obligea à partir aux Amériques. Il eut comme élève à cette époque parait-il un certain Andrès Segovia, même s'il déclara avoir été un autodidacte. 

Biographie

Miguel Llobet a été considéré comme l'un des meilleurs pupilles du maître de la guitare classique espagnol Francesco Tarrega. Il a été peut-être le plus connu pour ses arrangements sophistiqués du repertoire populaire catalan de chansons et de danses tel que ; La filla del marxant (la fille du marchand) ou La filadora ou encore Plany. Comme beaucoup de compositeurs espagnols notables de son époque, Miguel Llobet a été grandement influencé par la musique flamenco et les chansons populaires d'Espagne. "El testament d'Amelia" est l'un des sept thèmes de chansons populaires catalanes que Miguel Llobet a arrangé en tant que pièce instrumentale soliste pour la guitare latine. C'est une composition sans grande difficulté technique en apparence, mais elle demeure à la portée de tout guitariste avec une certain bagage technique. Un élément intéressant est le drop D tuning, tout comme les multiples déplacements de positions de la main gauche qui rendent cette pièce techniquement et esthétiquement subtile. Soignez les glissandos et les déplacements afin d'obtenir une fluidité du contenu mélodique et rythmique. L'accord de Gm7 à la 5ème mesure peut être plaqué à d'autres endroits du manche si la difficulté de le faire sonner en dixième position s'avère un problème dans l'exécution du morçeau. Bon courage!!

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El testament d'amelia .php

cancons_populars_catalanes_-1909-.djvu.jpg  Miguel-Llobet-llobetjp.jpg   

 

 

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6 mai 2013 1 06 /05 /mai /2013 13:05

Comment entretenir sa guitare

Il est important de garantir une maintance régulière de son instrument afin qu'il sonne juste et soit en parfait état. Le nettoyage de sa guitare est le premier stade d'une maintenance efficace; En premier il faut se débarasser tous les jours des empreintes de doigts, des taches et de la simple saleté sur les cordes comme ailleurs pour éviter que tout cela s'accumule. Un chiffon doux en coton ou en fibres artificielles est la meilleure chose à utiliser pour polir et nettoyer une guitare. De nombreux fabricants d'accessoires d'instruments proposent des chiffons spécialement conçus pour l'entretien sur une guitare acoustique ou électrique. Mais un vieux morçeau d'un tee-shirt en coton tissé peut aussi très bien faire l'affaire surtout s'il a été lavé plusieurs fois ce qu'il lui oté certains résidus encombrants et abrasifs. Il faut se méfier des serviettes en papier car elles peuvent rayer la finition sur une guitare surtout sur un vernis ancien ou artisanal en gomme lacque. 

clean up the gt

 

Pendant que vous nettoyez votre guitare particulièrement le haut et l'arrière, vous remarquerez quelques endroits qui demeurent difficile à nettoyer parfaitement. Les empreintes digitales, les taches comme les salissures peuvent répondre avec aisance à une trace d'humidité. "Huff" un souffle chaud d'humidité de votre bouche comme vous le feriez sur l'intérieur d'un pare-brise d'une voiture afin de le nettoyer. Ce petit souffle de condensation peut être un élément d'humidité suffisant pour nettoyer une zone difficile sur votre guitare. Si vous avez besoin de plus de puissance de nettoyage, essayer d'humidifier le chiffon de nettoyage avec un détergent doux mélangé à de l'eau. Mouiller le chiffon ou le tissu et non la guitare. De cette manière vous serez à même de contrôler la quantité d'eau au contact de la guitare. L'idée est d'utiliser le moins possible d'humidité et de produit, afin qu'elle ne passe pas dans les minuscules vides dans la finition. Suivez de suite le tracé du chiffon humide avec un chiffon sec afin d'éviter de laisser et d'éliminer des traces sur l'instrument. 

Vous pouvez trouver de nombreuses politures et des produits d'entretien pour guitare sur le marché qui sont essentiellement de trois types différents; les produits à base d'eau- ceux crémeux à base d'eau mais avec un fin abrasif et les produits à base d'huile(lin, citron etc;). Les nettoyants à base d'eau qui ont une certaine transparence (demi-transparent) doivent être vaporiser sur le chiffon de nettoyage plutôt que sur l'instrument directementet et ils vont mieux nettoyer les salissures solubles à l'eau. 

Les politures crémeuses ont un léger effet abrasif et de ce fait elles doivent être évitées si vous avez une guitare avec une finition matte( trop de polissage va créer un effet de semi-brillance et laissez des spots aléatoirs de brillance sur la finition d'origine). Les produits à base d'huile vont éliminer les tâches huileuses mais ils n'auront aucun effet sur les salissures solubles dans l'eau. 

Peu de choses dans une journée de musicien guitariste permettent la sensation de jouer sur un instrument neuf et préparé avec soin. Tout soudain ce qui semble aussi dur qu'une hâche devient du beurre, chaque corde va sonner comme une cloche de la première "frette" jusqu'en haut du manche et le plus simple accord de G sonnera comme une symphonie. Vous vous souviendrez pourquoi vous aviez "flashé" sur votre instrument au premier contact avec celui-ci. 

Qu'est qu'un réglage de guitare (set-up)?

Les guitares sont des instruments ajustables (adaptables et réglables) donc il n'est nul besoin de travailler avec un instrument qui "buzze"(vibre) ou qui est trop dur à jouer. Les ajustements comme les réglages peuvent et doivent être fait régulièrement voir périodiquement en fonction de votre style de jeu et de la tension favorite de vos cordes. Ils devraient être fait également en fonction de la nature changeante du bois naturel et de la réaction d'une guitare à la tension des cordes et des changements climatiques. 

La définition d'un réglage(set-up) peut tout englober d'un changement de cordes et son ajustement de tension à un travail plus global afin de corriger l'intonation, l'angle du manche, la hauteur du sillet, du cordier et des micros et plus encore.  Si vous êtes à l'aise pour changer vos cordes et faire des réparations mineures, vous devriez l'être également pour faire certains ajustements de base par vous-même. 

Alors que vous devez investir dans certains outils simples pour travailler, vous ferez des économies sur le long terme en faisant certains réglages par vous-même au lieu de devoir payer un luthier pour le faire. Mieux encore vous allez comprendre les facteurs qui font qu'une guitare va sonner et se jouer comme le désirez suivant vos idées et votre style de jeu. 

La maintenance  de la touche 

Parce que la touche d'une guitare acoustique ou électrique n'a en général pas de finition qui lui est appliquée en usine ou en atelier, elle devra être nettoyée et entretenue avec une méthode différente de celle qui s'applique pour le corps (table d'harmonie, éclisses et fond). Quelques compagnies manufacturent des produits uniquement et spécialement conçus dans ce but tel que le "dunlop's fingerboard cleaner" et le "Dean Markley's love potion" en sont deux exemples. Et vous pouvez aussi utiliser un peu de fine laine d'acier(0000-grade)afin d'éliminer certains dépôts sur la touche après avoir ôter les cordes bien sûr. La laine d'acier fonctionne particulièrement bien sur des touches sérieusement dégradées et cradingues et vous pouvez aussi l'utiliser pour polir vos barettes. 

Assurez-vous de déplacer votre laine d'acier de manière parrallele au grain et veinages du bois afin de minimiser les égratinures. Si vos barrettes semblent toujours ternies après le passage de la laine d'acier, vous pouvez utiliser éventuellement le "Planet waves Fret polishing system" qui se compose de cinq feuilles de papier de polissage et des gabarits de protection pour éviter que la touche soit rayée par le frottement. 

Afin de compléter le nettoyage et l'entretien de la touche de votre guitare, appliquer une goutte ou deux d'extrait de citron ou de l'huile minérale de Lin ou encore un des quelconque conditionneurs dont le but est de nourrir le bois. Parsemez-en sur un chiffon et frottez la touche afin de le faire pénétrer le bois. La plupart des fabricants de produits d'entretien pour guitare offrent un composé d'huile de citron à cet effet. N'en abusez pas, car le trop plein mettra du temps à sécher et rendra vos efforts d'entretien caduque en attirant la saleté et la poussière sur votre touche fraîchement nettoyée. Vous n'avez pas besoin de le faire souvent une à deux fois par année est largement suffisant, certains musiciens attendent plusieurs années pour le faire. 

guitare care

Les réglages du Truss Rod (tige d'acier de réglage dans le manche)

Quand une guitare de qualité quitte l'usine et ses ateliers, la barre de tension(tendeur tirant) en métal du manche est réglée suivant les spécificités et le goût de la manufacture. Cependant un changement dans la tension(gauge) des cordes tout comme les conditions climatiques particulièrement un changement du taux d'humidité et tout simplement votre goût de guitariste peuvent imposer de nouveaux réglages, même sur un instrument neuf.

Si vous avez eu au départ une guitare sonnant avec justesse, mais qui a developpé avec le temps une action dure et raide, il devient nécessaire pour vous d'apprendre comment régler le manche et sa "truss rod" afin de conserver à votre instrument cette justesse de ses débuts.

Cette barre de réglage est une fine tige de métal d'alliage intégrée dans une section du manche perçée à cet effet. Une des extrêmités est filetée afin de recevoir un écrou ajustable qui est accessible soit depuis la rosace ou soit depuis la tête avec une clé imbus ou allen. L'autre extrêmité est ancrée de manière à donner à une des extrémités un moyen d'ajuster de la tension par une action de serrage ou de relâchement.

Il y a deux types de "truss rod" ajustables; un avec une simple action dans un sens et un autre avec une action double dans les deux sens. Le simple redresse le manche contre la tension des cordes et la courbure du manche, le double peut non seulement redresser le manche en cas de besoin, mais cela peut permettre de donner à un manche de guitare endommagé une configuration d'inclinaison soit droite ou courbée. Ainsi donc la tige de tension doit être ajustée quand le manche présente des courbures inapropriées soit concaves ou convexes. Une guitare classique ou latino n'a pas besoin de "truss rod" du fait de la tension moins importante des cordes en nylon sur le manche, on renforce en général le manche avec des bois durs, ce qui nécessite malgré tout avec le temps des réglages sur le manche. 

Serrer ou desserer la "truss rod" ajoute ou diminue de la tension dans le manche et sur la tige d'acier. De manière générale serrer l'écrou va éloigner les cordes de la touche et relacher de la courbure(upbow). Desserer l'écrou va au contraire relacher de la tension sur les cordes et créer de la courbure du manche. Une courbure contrôlée est connu pour donner du relief. Cependant avec un simple "truss rod", si le manche se déforme par la tension des cordes aucun relachement dans l'écrou va permettre d'obtenir un manche droit, car la tige fonctionne que sur la tension des cordes. C'est pour cette raison que les tiges doubles ont fait leur apparition dans les eighties et à être utilisée plus globalement pour les guitares.

Il y a deux signes primaires qui sont observables quand le "truss rod" demande un réglage. 

1- Quand il y a un changement visible de tension et d'action des cordes; la hauteur des cordes devient trop haute ou trop basse sur la touche, le scénario le plus usuel est le fait que les cordes changent de tension alors que le manche devient convexe ou concave de courbure. 

2- Certaines cordes se mettent à "buzzer" contre les barrettes entre le sillet de tête et la cinquième case. Cela indique que le manche est soit trop droit ou que la tension de la tige est devenue plus lâche avec le temps ce qui rend le manche plus concave ou convexe en rapport à la courbure adéquate. 

Ajuster votre chevalet et l'action sur le "saddle"(sillet de chevalet)

Si votre jeu vous sonne faux et que votre manche a été proprement ajusté et réglé, il est temps de s'occuper de votre chevalet et de son "saddle" (sillet)la pièce blanche en synthétique ou en os sur laquelle reposent les cordes. Pour baisser de la hauteur et l'action des cordes, il vous faudra limer votre "saddle" pour ôter de la matière sur celui-ci. Pour augmenter l'action des cordes, il vous faudra installer un autre "saddle" plus grand ou rajouter une cale sous l'ancien "saddle" pour l'élever. Si certaines cordes sont à la bonne hauteur et d'autres sont trop hautes ou trop basses, il vous faudra réadapter le haut du "saddle". Sinon, il sera plus simple et plus prudent de le faire sur le dessous du "saddle". 

Pour augmenter l'action sur les cordes, je recommende de choisir un "saddle"(sillet) neuf et adapté à votre chevalet de préférence en os, bien que vous pouviez en obtenir de nouveaux en matière synthétique. Ce n'est pas toujours la meilleure solution de faire un "saddle" soi-même ou de le transformer afin qui s'ajuste. Si vous ne pouvez en trouver un, à ce moment calez-le pour l'ajuster. Du placage en bois dur est un bon choix et facilement disponible. Le placage a habituellement une épaisseur de 0.32 inch. Il peut être poncer s'il vous faut une épaisseur moindre ou se superposer pour obtenir une plus grande épaisseur. Il faut qu'au moins que la moitié du "saddle" soit intégrée dans la rainure autrement il risque de s'incliner en avant ou de casser la pointe et le devant du chevalet. Faites très attention si vous avez un micro piezzo sous le chevalet car changez le "saddle" peut altérer la balance acoustique entre les cordes. Si vous devez baisser la hauteur du "saddle", du papier de poncage fixe sur une surface plate fera très bien l'affaire. Faites simplement glisser le "saddle" en avant et en arrière sur la surface du papier de verre, attention à garder le bas du "saddle" bien plat. Il peut être utile de marquer avec un crayon la limite à poncer sur le "saddle" afin de ne pas ôter trop de matière.

Ajuster le sillet de tête

Un sillet de tête ou "Nut" a plusieurs fonctions importantes sur des instruments à cordes comme la guitare. Situer à la fin de la touche là où la tête joint le manche, le "Nut" sillet sert à donner un espacement adéquat entre les cordes et d'ajuster l'action de celles-ci dans les bas-registres de la touche. Différents matériaux vont influencer la sonorité d'un instrument comme la guitare et un sillet de tête mal ajusté va aussi grandement influencé le jeu du musicien. Pour une raison parmi d'autres (fentes usées, un changement dans la tension des cordes, une cassure complète, le besoin d'un espacement différent entre les cordes) le sillet de tête (Nut) a besoin d'être remplacé et ceci peut être fait par soi-même par tout guitariste débutant ou confirmé. 

Cette opération se classe parmi les réparations les plus routinières, mais utiliser votre propre jugement pour y procéder. Si vous n'êtes pas attentif, il est possible de tout rater, donc procéder lentement et avec précision.

Les Sillets de tête(Nuts) sont fait de différentes matières; le plastique et ses dérivés sont communs et souvent ils sont légers et mous, ils absorbent le son, le bruit. Remplacer des sillets par du matériel plus rigide peut donner à une guitare une sonorité plus réceptive et gaie. 

D'autres matériaux synthétiques incluent un polymer spécial (graph tech's tusq) qui essentiellement filtre certains lubrifiants et du Slip-Stone qui est fait d'un auto-lubrifiant appelé Delrin. Ces produits donnent une densité plus constante que les matériaux naturels et de plus ils peuvent améliorer l'accordage par leur texture 

glissante. Les guitaristes qui préfèrent un son brillant ou qui veulent rendre un instrument peu expressif plus brillant peuvent choisir un matériel très rigide comme de l'ivoire fossile ou du nacre qui donne souvent une sonorité plus nette et concentrée. 

Un des matériaux le splus communs pour les sillets de tête (Nuts comme pour les saddles) est de l'os de vache écru. Cette matière est facile à mettre en forme et incise des fentes avec précision, elle donne un beau polissage et sonne bien. Bien qu'il soit possible de se procurer des sillets de tête déjà façonnés, je préfère travailler avec du matériel brut parce qu'il n'est pas limité par la dimension et l'espacement des cordes. Le matériel vierge sont de l'os généralement de forme rectangulaire mais qui est plus large que les sillets de tête finis et il peut s'adapter à toute forme d'instrument. 

Comment réparer les bruits parasites (buzz,rattles)    

Lorsqu'on joue sur une guitare, celle-ci vibre, la table d'harmonie plus particulièrement, mais le manche et la tête sont affectées par l'énergie de la vibration des cordes. Toute partie lâche ou desserrée de la guitare peut bourdonner (buzz) ou cliqueter(rattle) de façon audible, parfois quand seulement quelques notes sont jouées.

Certains éléments bourdonnent sans être visiblement lâches à l'oeil nu et cela peut être un gros travail de recherche que de repèrer où et quoi bourdonne. Souvent une partie lâche peut être localisée en frappant avec l'articulation du doigt en divers endroits sur la guitare. Par exemple si vous frappez sur le corps et qu'un bruit parasite semble venir du manche, eh bien cela voudrait signifier qu'un élément serait lâche dans la tête ou le manche. Si un bruit apparaît quand vous frappez sur le dos, cela voudrait dire qu'une entretoise serait décollée en partie à l'intérieur de la caisse. 

Quand vous essayez de localiser un cliquetis ou un buzz, la tête est un endroit évident pour commencer à chercher car beaucoup d'éléments y sont vissés. Presque chaque partie de l'accordeur a le potentiel d'avoir une pièce lâche ou dessérée et de commencer à bruiter. Les écrous qui tiennent en place les chevilles et les mécaniques ou d'autres pièces de lutherie ont des rondelles dessous pour protéger le bois de la tête. Ces écrous de mécaniques sont bien serrés en usine, mais avec le temps ils peuvent devenir lâches ceci à cause du travail du bois ou du métal. Donc après plusieurs mois, il serait utile de resserer ces écrous pour éviter des buzzs lorsqu'on joue.

Un autre endroit à vérifier pour des bruitages divers est la protection du "Truss Rod", une plaque en matériaux divers qui peut s'ôter pour atteindre le boulon de réglage. Cet élément comme la rondelle dessous peuvent aussi être lâches et procurer des bruitages désagréables lors de la pratique. Même si l'angle de votre manche est optimal, c'est généralement une bonne idée de serrer le boulon du "truss Rod juste assez pour qu'il ne se desserre pas et permette pas à la rondelle dessous d'être nuisible par un bruitage. Le "Truss Rod" lui-même peut érafler ou éraser les parois de son logement dans le manche et se mettre à faire certains bruitages quand on plaque même avec douceur certains accords ou notes. Si l'on change l'ajustage de la tige juste un poil, cela peut suffire à arrêter les "rattlings" bruitages qu'il provoque. 

De notre temps, les pré-amplis électroniques intégrés dans la caisse de guitare acoustique sont devenus usuels.

Cependant ajouter un "pick-up" peut signifier ajouter des éléments lourds qui peuvent vibrer et faire des buzzings, particulièrement avec le temps lorsqu'ils deviennent fébriles par les vibrations des cordes à l'intérieur du corps. En considérant comment tous ces fils se baladent dans un corps de guitare, on peut être surpris qu'ils ne vibrent et cliquetiquent pas plus souvent. Si des fils sont trop baladeurs et bruyants, gardez-les silencieux en simplement les retenant dans certaines positions avec un adhésif adapté. 

chordsheets

 

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1 mai 2013 3 01 /05 /mai /2013 12:51

1. Le son de la guitare provient de la rosace!

Quiconque a déjà utilisé des "plugs" de rosace pour éviter du "feedback" lorsqu'on utilise un micro d'amplification sait qu'une guitare acoustique produit toujours un certain nombre de sons même lorsqu'on essaie d'empêcher et d'étouffer ces sons d'une manière ou d'une autre. La table d'harmonie déplace de l'air aussi bien à l'intérieur qu'à l'extérieur de la guitare quand celui-ci est activé par la vibration des cordes et le son peut se propager au travers de l'épicéa comme d'autres bois résineux, durs, fins voir légers. Cependant la plupart des musiciens et luthiers affirment qu'une guitare sonne mieux quand la rosace est ouverte et non bouchée, donc des ouïes existent afin que le son se projette avec plus de puissance. Tout le mythe vient de là à vous de voir!

2. Des fissures sur le haut d'une guitare(la table d'harmonie) ruinent le son!

Actuellement beaucoup de gens sont effrayés par le fait que des fissures sur une guitare puissent ruiner le son de celle-ci. Croyez-le ou non de multiples fissures dans une caisse de résonance et une table d'harmonie ne ruineront pas le son de votre instrument si les réparations sont faites correctement sauf si elles ont causé des faiblesses dans la structure et rendu les entretoises (tasseaux de renfort)internes quelque peu mobiles. 

Cependant cela ne veut pas dire que des fissures ne vont pas dévaloriser une guitare de marque et de luthier.

3. Un manche de guitare doit toujours être parfaitement droit!

La plupart des guitaristes trouvent qu'ils obtiennent moins de bruits parasites sur les frettes par les cordes avec une petite quantité de "relief" (courbure) sur le manche et la touche, particulièrement quand ils ont une attaque dynamique et musclée sur les cordes graves dans les positions basses près du sillet. Un bon luthier sera du même avis! un vieux mythe donc.

4. Fixer une sangle sur la tête (cheviller)au lieu d'un bouton de fixation sur le talon peut déformer le manche!

Ce mythe est basé sur la conviction voir la croyance qu'un manche de guitare est dans un état de balance fragile du à la mauvaise influence de la tension des cordes. Et donc toute forme de tension supplémentaire doit être évitée sur la tête et le manche. Mais les manches de guitares folk avec cordes en métal sont construits pour résister à une tension de 150 livres de traction d'un jeu de cordes light, donc il est nul besoin de s'inquièter du poids plume d'une attache de sangle sur le chevillier et la tête. Bien sûr certain type de guitare également, comme une guitare classique nécessite un système d'attache particulier pour la tenir debout, à la différence d'une folk acoustique dreadnough, jumbo, grand concert et auditorium. 

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1 mai 2013 3 01 /05 /mai /2013 12:43

La composition musicale n'est pas simplement un "art", mais c'est un don qui plus est une habilité qu'il faut développer par la pratique en appliquant des techniques qui ont fait leurs preuves. Afin de surmonter cette page blanche tant redoutée à l'écriture d'un "bridge"(pont) de maîtrise, nous allons analyser dans cet article comment utiliser votre guitare pour écrire une nouvelle ou votre première pièce musicale. 

Plusieurs des meilleurs "licks" et riffs" d'artistes célèbres comme les Beatles, Led Zeppelin, Neil Young, AC-DC, Tool, Mountain etc. sont construits à partir de fragments de diagrammes d'accords simples. Vous pouvez utilisez ces mêmes diagrammes d'accords pour composer des riffs qui en étonneront plus d'un pour vos propres chansons et pièces instrumentales. 

Lorsque l'on observe une triade, un accord de trois notes(T-3-5), un musicien débutant n'est pas conscient du potentiel harmonique pour la composition qui se cache derrière un diagramme basique en position serrée. De multiples artistes tels que Jimmy Page, Georges Harrison, Neil Young, Jony Mitchell, Peter Toshwend etc. ont su exploré ce potentiel. Prenez votre temps pour observer des riffs efficaces construits autour d'un développement d'une triade comme ci-dessous, l'introduction de "Thank You" du II opus de Led Zeppelin. 

led zep Thank you 

Gardez à l'esprit cette forme harmonique triadique en "triangle" lorsque vous explorez l'exercice1. En premier lieu, nous avons une triade de Ré en seconde position serrée, ensuite il est suivit d'accords d'ornement "suspendu" de quarte et de seconde, d'un accord de sixte, d'un 1er renversement, d'un accord enrichi d'une 7ème majeur en basse et d'une sixte en basse. Tout un processus de développement harmo-mélodique afin de créer un riff dynamique enrichi. 

Ces développements harmoniques sont obtenus en bougeant un doigt ou deux de la position de base en triade.

Ce qui nous intéresse davantage ici est la technique d'enrichissement d'une progression harmonique autour d'un même accord plus que l'étude des noms de ces accords qui restent nécessaire à connaître pour les identifier.

Travaillez le doigté pour chaque accord avec un simple balayage et progressivement travaillez la coordination et les enchaînements avec plusieurs accords comme l'expose l'exemple1 sans créer un plan rythmique sur ceux-ci, ce qui ce fera par la suite. Une fois que vos doigts sont à l'aise avec les doigtés, les diagrammes et les enchaînements, vous pouvez les utiliser pour créer des mélodies harmonisées. L'exercice2 expose pour commencer une mélodie simple rythmiquement qui se focalise sur une monodie. La clé maintenant pour faire sonner l'exercice3 comme cette mélodie de l'exemple2 et non comme une simple grille d'accords est de faire ressortir ces notes par une harmonisation adaptée. Observez également que le balayage se situe sur 4 cordes dans la première et deuxième mesures, mais celui-ci change pour se situer sur deux et trois cordes sur la troisième et quatrième mesures. Ceci devant être fait avec précision parce qu'il est important donc de mettre en relief la mélodie sur les deuxième et la troisième cordes. 

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Retravailler une chanson existante

La page blanche et une guitare silencieuse sont fort intimidants aussi bien pour un guitariste débutant que pour un auteur-compositeur chevronné. Composer exige un acte de foi que vos émotions et vos idées soient considérées comme valides et valent le besoin d'expression peu importe de ce que votre critique intérieure ait à dire. Tout auteur-compositeur apprend par la pratique, et de ce fait il n' y a pas de savoir et d'apprentissage efficace sans le savoir-faire. Il est dit que le meilleur moyen de commencer à écrire des chansons et d'éviter le syndrome de la page blanche est de créer et bricoler avec une musique ou une chanson existante. 

Comme par exemple de créer de nouvelles paroles sur une simple mélodie connue ou non, greffer les paroles d'une chanson sur une mélodie différente ou encore d'improviser des couplets dans la structure de chansonnettes et de comptines. Oublier le fait d'être intelligent ou signicatif, ce qui importe est de raconter votre routine quotidienne, jouer avec les sons, tout ce qui peut et doit permettre aux mots et aux notes d'être fluides, de couler. 

Certaines formes musicales sont tellement ancrées dans notre ADN qu'elles forment une rampe de lancement adéquate pour un(e) auteur-compositeur débutant(e). Par exemple essayer d'écrire vos propres formes "blues" en 12 mesures, tout ce dont vous avez besoin c'est d'un certain nombre de séquences et phrases musicales répétitives. Le "groove" primal de Bo Diddley est lui aussi idéal pour improviser des rhymes. Plus encore les structures harmoniques de base de standards comme " Will The circle be broken" ou "stand by me" ou encore "Good night Irene" peuvent accueillir une nombre important de nouvelles chansons. A vous d'expérimenter!

Ecrire un pont (Bridge de transition) 

Qu'est ce qui fait une composition intéressante? Une mélodie accrocheuse? Des paroles mémorables? Tout ce qui précède? Une belle composition peut être simple ou complexe, mais il y a une chose que toutes les chansons (bonnes ou mauvaises) ont en commun c'est un genre de forme (structure). Si vous êtes intéressé à écrire vos propres compositions (chansons, instrumentaux,solos, thèmes), ce serait une bonne idée de se familiariser avec les sections comme les éléments traditionnels sur lesquels se fonde une composition. 

Un de ces éléments de structure est le "Bridge"(pont). C'est souvent une section qui focalise moins d'attention que des "verse"(couplet) et "chorus"(refrain), mais qui peut néanmoins rendre une composition vraiment unique et originale. 

Les compositeurs une fois qu'ils ont structuré des combinaisons de cycles de "verse et chorus" peuvent y intégrer des 'bridges" de transition afin d'orienter leurs compositions vers de nouvelles directions (pour ensuite revenir sur le verse et chorus pour une conclusion). Les "bridges" (ponts) apparaissent en général après une succession de "verses et chorus" tel que -ABABCB- ou encore -ABABCAB (le A étant le verse, le B le chorus et le C étant le bridge). Un bon exemple est le "With a little help from my friends" des Beatles, dont la forme se construit par un verse-chorus-verse-chorus avant l'apparition du premier "bridge"(la structure complète est ABABCABCB).

Expérimenter avec le son

Ainsi donc vous avez composé une belle mélodie et des paroles qui décoiffent, mais les harmonies sonnent barbantes et ennuyeuses. Comment développer et secouer tout cela? Voici quelques conseils de compositeurs expérimentés. 

-Tune down(baisser l'accordage). Vous pouvez baisser le timbre des cordes d'un demi-ton ou d'un ton afin de se trouver dans une tessiture plus familière tout en étant capable de placer des doigtés habituels. Quand j'étais un musicien débutant essayant d'apprendre "Yesterday" des beatles, j'aurais voulu savoir que Paul McCarthey s'accordait en standard mais un ton au-dessous de la fréquence normale. Au lieu de se battre avec des diagrammes de F et Bb en barrés comme d'autres dont moi, il utilisait les accords de la tonalité de Sol qui sonnait comme ceux de la tonalité de Fa. Malin ce Paul mcCartney!!

Depuis lors j'ai été surpris d'apprendre combien de chansons ont été composée dans des accordages abaissés depuis les tubes de John Forgety tel que (Proud Mary, Bad Moon rising et Fortunate son) jusqu'à aujourdhui avec des pistes de Ben Harper ou Keller Williams. 

-Ajuster et modifier les accords. "C'est incroyable le fait que cela sonne "cool" si l'on modifie une note dans un accord" Sean Watkins l'a dit un jour dans une conversation avec des collègues de son groupe en tournée.

Ses parties de guitare utilisent souvent des accords modaux (sans tierce) et des suspensions harmoniques (seconde et quarte) qui ajoutent de l'ouverture au son global. Découvrez les différences entre les exemples 1a et 1b puis entre les exemples 2a et 2b pour entendre combien le fait de changer un doigt à un diagramme peut avoir un impact sur le son global d'un accord.

songwritingTips-Examples-1-2.png

Utiliser des extensions harmoniques

Beaucoup de guitaristes qu'ils soient auteurs-compositeurs ou non, utilisent souvent le même set d'accords lorsqu'ils prennent leurs guitares. Alors qu'il peut être difficile de sortir de vieilles habitudes tenaces, une façon pour y remedier sera de varier vos progressions harmoniques et dans ce but de consulter une page du "jazz cats' book". En Jazz il est commun d'employer de simples substitutions directes d'accords;  C6 pour C ou DM7 pour D. Une substitution d'accord est exactement à quoi elle doit ressembler; dans une progression harmonique vous analysez et remplacez un accord par une autre forme d'accord. 

Une des façons la plus simple de faire cela est d'utiliser une extension harmonique en lieu et place d'une simple triade ayant la même lettre d'identification. Commencons avec l'anatole C-Am-Dm-G (I-VI-II-V), une progression que l'on retrouve dans bien des compositions classiques au jazz en passant par la pop(exemple1). Vous pouvez donner à cette grille un autre feeling en substituant ces accords triadiques avec des accords de quatre sons de 7 de même lettre de notation (exemple2). Comme les accords de 7 de dominante et majeur 7 ont une tierce majeure dans leur structure comme l'accord parfait de base, chacun de ceux-ci peut servir de substitu-tion à un accord majeur de base, mais le choix final dépend du contexte de la composition (du style et genre). Par exemple un accord majeur7 ou 7 de dominante marche bien comme substitution pour un accord de Do(C), mais la relation Cmaj7 à Dm7 est préférable du point de vue auditif. Cependant l'accord de G7 est souhaitable pour conclure et revenir sur la tonique C à la fin de la deuxième mesure. Il y a de multiples raisons à cela, la plus simple est le fait que cela sonne mieux!!

Lorsque l'on substitue des triades majeurs ou mineurs par des accords de 7, une bonne règle de base est de suivre votre oreille. Si cela sonne bien pour vous, cela sonnera bien aussi pour d'autres qui vous écouteront. En principe donc!! 

L'exemple2 n'utilise que des accords de 7 ce qui sonne Jazzy, mais pour créer un son plus folk contemporain, vous pouvez utiliser presque toute forme d'accord enrichi ou d'extension de 9 ou de 11 ou encore de 13. Attention à ne pas confondre une extension "add9" d'une triade avec un enrichissement harmonique de 9 qui inclut la 7.

L'exemple3 utilise un enrichissement harmonique de Dm9 pour la triade de Dm et de G13 pour la triade de G.

Toute extension harmonique ne fonctionne pas pour chaque contexte musical, il est nécessaire d'expérimenter diverses substitutions pour connaître celles qui vont bien fonctionner pour vos compositions. Bon travail!!

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