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4 octobre 2013 5 04 /10 /octobre /2013 08:42

Le répertoire espagnol, à la guitare classique, revêt des formes diverses. Aussi il est légitime de se demander de quelle manière l'appréhender. Comme pour toute composition écrite, il est nécessaire d'approcher les pièces de musique espagnole comme des partitions classiques dans un premier temps. Apparaissent ensuite des spécificités de jeu indispensables à connaïtre avant de se lancer dans la transcription.

De Fuenllana à Rodrigo

Il existe un répertoire d'oeuvres musicales qui va du XVIème siècle à nos jours. Le XVIème siècle (Renaissance-Baroque) fut une époque florissante qui révéla de nombreux compositeurs tels que ; Miguel de Fuenllana (1500-1579), Gaspar Sanz (1640-1710), Alonso de Mudarra(1510-1580), Luis de Narvaez(1510-1555), Valderrabana(1500-1557). Si le XVIIème siècle boude quelque peu la musique dite savante, la musique populaire s'y développe avec bohneur et les compositeurs du XIXème siècle tels Albeniz, Granados, Falla y ont puisé leur inspiration. Viennent ensuite les "Classiques" tels que Padre Rafael Angles(1730-1816), Isidro de Laporta (1730-1810),aussi "les Romantiques" tels que Fernando Sor(1778-1839), Dioniso Aguado(1794-1849), Francisco Tarrega (1852-1909). Enfin les "Post-romantiques tels que " Miguel Llobet(1878-1938), Andrès Segovia(1893-1987), et "Les Modernes" Gabriel Fernandez Alvez(1943-), Salvadore Bacarisse(1898-1963), Eduardo Lopez Chavarri(1875-1970), Ibarrondo(1943-), Federico Mompou(1893-1987), Maurice Ohana(1914-1992), l'incontournable Joachim Rodrigo(1901-1999), Antonio Ruiz-Pipo(1934-1997), Federico Moreno Torroba(1891-1982) et Joachim Turina(1882-1949).

Leçon no1

Les Préliminaires

Se "vider" la tête de toute musique(dans la mesure du possible) pour commencer l'esprit "vierge" et s'imprégner des rythmes, des couleurs harmoniques et modales, des cadences spécifiques de la musique espagnole par l'écoute de concerts, d'enregistrements de musique "populaire" et "savante".

Au Menu

-Rodrigo: le concerto de Aranjuez par Julian Bream et l'orchestre de Chambre d'europe, John Eliot Gardiner.

-Rodrigo: Le concerto Magrigal par Sergio et Odair Assad et l'orchestre Symphonique de St-Gallen.

-Granados: Alicia de Larrocha(piano) RCA.

-Manuel de Falla: Paco de Lucia(Philips)

-"Fantasia Flamenca"; Paco de Lucia(Philips)

Leçon no2

Le choix des pièces

Choisir des pièces en tenant compte de votre niveau. Attention les oeuvres des "Modernes" sont passionnantes mais difficiles à interpréter. Voici quelques exemples:

-Débutant: E.Pujol "Triquilandia" (Eschig ME 7237)

-Niveau moyen: D. Aguado: Méthode complète de guitare (Minkoff), Etudes pour guitare (EMB 12377,12378), G.Sanz; Anthology of selected pieces (Schott ED 12386).

Niveau Avancé: F.Sor; "méthode complète de guitare" (Lemoine 15655), "Méthode de la guitare(Minkoff), Etudes opus 35 (Schott GA 81,82), 20 études pour guitare (EMT TROO0801).

E.Pujol: Escuala razonada de la guitarra (Ricordi), Bagatela (RICORDI Americana)

F.Tarrega: Opere per Chitarra (Berben 1532), 23 compozinioni originali (Berben 1533)

M. Fuenllana: "Samtliche Werke fur die Vierchorige gitarre (Moeck 3802)

A.Mudarra: "Romanesca(Eschig ME7235), Tres Libros de musica en cifras para Vihuela, idem "LibroIII"(Chanterelle).

S. De Murzia: (guitare baroque)-Resumen de acompanar la parte con la guitarra (chanterelle).

Leçon no3

Pratiquer les "Rasguedos"

Les "Rasguedos" sont des accords joués dans une plus ou moins savante combinaison d'aller et retour à la main droite. Ils ponctuent une phrase comme le font les virgules, les points d'interrogation, d'exclamation. Ils sont harmonico-percussifs. Au-delà du geste technique, il est utile d'en comprendre le sens, de sentir la forminable énergie ou le "velouté mystique" qui s'en dégage. Quel usage en fait-on traditionnellement? un conseil; en écouter beaucoup pour s'en imprégner. 

° Accord sur toutes les cordes en "Attaque descendante" (du grave au aigû), la main est repliée avec l'index et le majeur appuyés contre la face interne du pouce, l'annulaire et l'auriculaire dans la paume. "Lancer" le doigt i (index) sans bouger la main dans un geste rapide. Le mouvement part du doigt, sentez bien l'articulation de la première à la deuxième phalange. L'attaque doit être "sèche" et rapide comme une pichenette. Le doigt revient à sa position initiale en faisant une "attaque ascendante" (de l'aigû au grave). Faites ces attaques ascendantes-descendantes ou aller-retour plusieurs fois d'abord avec l'index(i) puis le majeur(m) et l'annulaire(a) et X étant l'auriculaire. c'est le rasguedo le plus simple; aller-retour de l'index,essayez en croches en marquant les temps, puis les contre-temps par exemple pour maîtriser le son et le mouvement. 

° Essayez l'exercice suivant /xami/xami/ii/ (les deux derniers ii aller-retour) sur toutes les cordes de manière répétitive en bloquant les cordes à la main gauche (son percussif). Après chaque rasguedo, les doigts revien-nent dans leur position initiale pour repartir avec une énergie nouvelle. 

° Essayez ensuite plusieurs combinaisons. Dans le rasguedo, le pouce est souvent utilisé en attaque ascendante (aigû à grave); le pouce bien raide, est dégagé de la main. Il attaque les cordes par la rotation du poignet et avec l'ongle. Faites cette attaque du pouce plusieurs fois de suite en surveillant la rapidité de la rotation et la vigueur de l'attaque. Puis faites le rasguedo: pim/pia, (pouce ascendant, i-m-a descendant). Etre sec dans l'attaque est important, aucune mollesse, aucun effet d'arpège. L'attaque butée sans ongle ou plutôt avec le côté pulpe de l'ongle , le "Pulgar" est très utilisée et donne un son spécifique amplifié par le son de la pulpe durcie.

Faites des gammes chromatiques sur chaque corde en montant et descendant en buté au pouce. Cette agilité du pouce combinée au rasguedo et aux liés de la main gauche permet une belle virtuosité. Comme tout apprentissage, exercez-vous d'abord lentement avant d'accélerer le tempo. 

Leçon no4

Apprendre les "Golpe"

Les "Golpe" sont des coups secs donnés sur différents endroits de la caisse de résonance (selon qu'on les souhaitera aigus ou graves) avec les ongles des doigts de la main droite, souvent x ou a pendant que les autres doigts jouent les cordes. Rythmés, ils se combinent aux"Rasguedos" et peuvent marquer les temps accentués des "Compas" pour ce qui est des techniques du Flamenco. Dans les compositions contomporaines, ils peuvent évoquer les "palmas" ou reprendre le rôle de la percussion, "le Cajon". Ils sont réalisés avec le plat de la pulpe en percussion"rebondissante". Le compositeur ou l'arrangeur indique presque toujours la façon dont il veut que le "Golpe" soit réalisé. Les guitares de flamenco ont une protection sur la table pour les "Golpe" avec ongle. Si vous faites les "Golpe" sans ongle, pas de soucis, sinon préférez les guitares qui ont vécu!!

Golpe

Leçon no5

S'initier aux "Compàs"

Plus qu'une carrure rythmique pulsative et structurelle, plus que la structure fondamentale de la métrique de chaque style avec ses accents obligatoires, le "Compàs" semble être l'essence même du Flamenco. Il semble donc essentiel de connaître les différents "compàs" du flamenco et de les pratiquer dans leur contexte traditionnel afin de les identifier dans une partition et sentir comment le compositeur les a ou non transformés, réinventés. 

° Le compàs du Tango. Un cycle de 8 tempos en deux mesures à 4/4 de métrique. Des accents sur le 3ème temps et le 7ème temps. Ce dernier est plus appuyé car conclusif. Les temps 1 et 5 peuvent être des silences ou des syncopes. 

 

° Le compàs de la Siguiriya. Un cycle métrique de 5 temps inégaux; 2/4 puis 6/8 puis 1/4 soit l'équivalent de deux noires, deux noires pointées, une noire.

 

° Le compàs de la Solea. Un cycle métrique à 12 temps avec des accents sur les temps: 3(plus marqué), 6, 8, 10(plus marqués), 12. C'est un style fondamental du flamenco du répertoire flamenco car c'est lui qui sert de base à toute pratique; Son caractère est lyrique sur un tempo modéré qui peut être rubato actuellement.

° Le compàs de la Buleria. Il dérive de celui de la Soléa mais il est deux fois plus rapide, ce qui lui confère son caractère virtuose et spectaculaire. sur 12 temps, les accents sont sur les temps: 3(+), 6,8,10(+),12.

flamencosolearescomptab

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3 septembre 2013 2 03 /09 /septembre /2013 10:26

Interpréter des rythmiques efficaces est plus que simplement produire un balayage (strumming)suivant un tempo répétitif. C'est aussi travailler à trouver le meilleur "groove" afin de traduire le climat d'une chanson; c'est à dire comme intégrer des rythmiques variées en attaque avec des basses, des techniques de "blindage" (étouffement des cordes), des syncopes ou encore d'autres techniques percussives. Dans cet article, je vais analyser plusieurs plans rythmiques que vous pourrez je l'espère utiliser ou adapter dans vos compositions voir votre jeu. 

Des rythmes simples produisent les meilleurs patterns

Parfois il suffit d'une simple astuce pour créer le bon climat musical et cela est la clé pour le groove dans l'exemple1a. Ce plan régulier en croches est aussi simple qu'il se lit, mais la présence efficace des battements en découpage alternatif donne à ce pattern tout son caractère. Sachez qu'un son stable de basse fréquence provient plus d'un rythme constant et soutenu que d'une alternance entre des battements précis en aller et retour. Cette sonorité peut s'entendre dans de multiples exemples de chansons comme celle des Beatles "Across the Universe" dont le son est similaire à l'exemple 1b. Interpréter la progression dans l'exemple1c avec une main dynamique et puissante. Cela va sonner comme le fill (bridge de transition) en overdrive de "Yellow" du groupe Coldplay, si vous attaquez votre "strumming" plus en douceur en son clean cela sonnera comme le "backup" rythmique du couplet de la même chanson "Yellow". Cependant cette progression en I-V-IV-I sonnera comme une toute autre chanson avec quelques ajustements et différents effets de jeu; du blindage (palm mute) et des "chunk"(attaques précises accentuées) sur les parties graves des accords afin de donner un accompagnement de type "power chord" similaire à bien des chansons rock comme le montre l'exemple 1d. Et assurez-vous de travailler ces principes avec toute forme de motif rythmique que vous rencontrez et que vous connaissez. En alternant des accords de type "power chords" pour deux balayages (strumming) en croches et des accords triadiques complets sur deux autres balayages de croches, vous contribuez à rendre votre jeu guitaristique rythmique plus varié comme le montre l'exemple1e. 

RockStrumPatterns Ex1

Le rythme country "Boom-chuck"

Ce pattern sortit tout droit du style bluegrass "Boom-chuck", alterne des basses avec des accords en balayage comme le montre l'exemple 2a. Il est possible de combiner des basses et des accords de bien des manières.

Utilisez-les sur la progression harmonique C-C/B-Am7-D7-G7-C dans l'exemple2b et vous aurez là un pattern rythmique similaire à la chanson des Beatles "Rocky Raccoon". Ou encore on peut ajouter des "walking bass" comme lignes mélodiques sur les cordes graves comme dans l'exemple 2c et votre pattern rythmique sonnera comme celui de CSN&Y sur "Teach your children" voir la bamba de ritchie Valens dans un style plus latino.

7RockStrumPatterns Ex2Pattern rythmique Blues classique

Le Blues et le Rock sont des styles musicaux fortement liés et le pattern rythmique de l'exemple3 insuffle plus un son bluesy dans votre jeu guitaristique simplement parce que c'est un plan rythmique typique des chansons de Blues. Essayez-le avec un feeling "swing" ternaire "shuffle afin de sonner davantage comme le"Revolution" des Beatles. Ou alors essayez-le avec un feeling binaire rapide de croches afin de sonner blues-rock comme le "Johnny be good" de Chuck Berry ou comme le "Come together" des Beatles. Vous pouvez interprétez ceci avec un découpage simple en tempo lent, mais sur des tempos rapides, il sera plus aisé d'adopter un découpage rythmique en aller et retour (attaque ascendante et descendante du plectre). Etirer et étender votre petit doigt le plus loin possible à la 3ème mesure pour couvrir l'espace de 5 cases, si vous n' y arrivez pas, adoptez dans ce cas des power-chords de G sur cette mesure. Cela donnera un peu de variété à votre pattern. 

RockStrumPatterns_Ex3.jpg

Patterns avec un effet de "grattage" percussif sur le backbeat (temps faibles)

Une manière originale de rajouter une touche percussive à vos motifs rythmiques est celle de placer des effets de "grattage" percussif (des croix en notation) sur le deuxième et le quatrième temps de la mesure, simulant l'effet de la caisse claire du batteur. Il s'agit simplement de relacher la pression sur les cordes tout en maintenant vos doigts dessus et de balayer normalement avec votre main droite. L'exemple4a vous montre comment vous pourriez faire cela avec un accord triadique ouvert sur 6 cordes de C. Assurez-vous de bien amortir les six cordes en soulevant et plaquant suffisamment vos doigts afin de ne pas produire un son en balayage avec la main droite. Vous pouvez ajouter un effet supplémentaire avec le côté ou le dessous de votre main droite en "slappant" les cordes au même moment lorsque le plectre entre au contact des cordes. 

Le groove de l'exemple 4a n'est pas sans rappeler de nombreux morçeaux de rock, comme par exemple la version de "the midnight special" du groupe Creedence Clearwater revival. Mais vous pouvez utiliser ce effet rythmique dans une grande variété de grooves, comme le lent et funky motif de l'exemple4b. Garder vos doigts plaqués en position pendant que vous attaquez le motif prescrit. Pour les passages en strum dits "scratch" percussifs, étouffer les cordes de la manière vue précedemment pendant que vous attaquez par un "slap" avec la main gauche comme il a été fait dans l'exercice4a. Vous allez constater que vous allez naturellement étouffer quelques attaques de la main droite en balayage, ce qui est très bien. Ne mettez pas autant d'accents sur les attaques non percussives que sur les autres en "scratch" et vous obtiendrez l'effet désiré. 

RockStrumPatterns_Ex4.jpg

Apprenez le beat de "Bo Diddley"

Ce beat appelé "Bo Diddley" présenté dans l'exemple5a peut sembler difficile au premier abord. Mais si vous faites un découpage rythmique à la double-croche en faisant des sub-divisions ou encore vous allez trouver un motif en 3-2-3 dans la première mesure, ce qui va peut-être vous aider à mettre en place rythmiquement le groove. Travaillez les exemples lentement et n'hésitez pas à compter chaque double croche à haute voix et graduellement augmenter la vitesse jusqu'à ce que vous pourrez choisir le tempo qui vous est approprié. On a honoré de son nom "Diddley" ces motifs depuis qu'ils ont été popularisés dans les tubes comme "Bo Diddley et Mona". Vous pouvez jouer le motif d'une mesure sur un seul accord comme montré dans l'exemple5a, ou tout aussi bien changer d'accord au milieu du pattern comme le montre l'exemple5b. Cet exemple intègre un peu plus d'attaques que l'exemple 5a pour un plan similaire à celui des Rolling Stones "cover of Buddy Holly "Not Fades Away". Observez que les accents placent l'emphase sur les mêmes temps que dans l'exemple5a. La version originale de "Not Fades Away" de Buddy Holly utilise un groove rythmique moins syncopé similaire à l'exemple 5c qui est virtuellement identique mise à part que l'accent est situé sur la croche sur le premier temps et sur la double-croche suivante. Comme les motifs de Diddley le montre, il vous ait possible de jouer avec n'importe quelle variation de rythme que vous pourriez avoir à l'esprit. Expérimentez donc!

RockStrumPatterns_Ex5.jpg

Apprenez un pattern classique de rock sur deux mesures

L'exemple 6a montre un plan syncopé qui est devenu un modèle de base pour le rock dit classique ou moderne et pop. Ce motif apparaît comme atypique parce qu'il s'étend sur deux mesures, mais il est utilisé à un tempo assez vif et rapide avec une fin qui est semblable à l'exemple 5. Exercez le "strumming" de ce plan sur un accord et vous pourrez entendre le rythme du couplet du morceau des Strokes "Last Night" ou le plan rythmique de 'Maneater" de Oates and Hall ou encore le rythme récurrent de "Touch Me" des Doors. Mais il est possible de changer d'accord au milieu du plan rythmique afin que cela sonne comme le "Good Lovin" des Young Rascals(voir l'exemple 6b). 

RockStrumPatterns_Ex6.jpg

Un groove de modern Rock

Certains morceaux et riffs de rock moderne et de pop produisent un élément de "boost" en injectant un groove mordant avec un climat swing en double croche. Travailler patiemment et précisement les accentuations notifiées par un signe particulier sforzando en forme de triangle. L'exemple7a montre un motif syncopé usuel que vous pouvez obtenir avec cette idée de climat et l'exemple 7b vous montre comment embellir par des enrichisse-ments harmoniques dont "la neuvième et la sixte" ce groove afin qu'il sonne comme le Hit de Train "Drops of Jupiter". 

RockStrumPatterns_Ex7.jpg

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15 août 2013 4 15 /08 /août /2013 14:03

Si vous vous décidez à commencer votre apprentissage de la guitare, ces quelques conseils sur les principes de base pourraient vous être utile; notamment comment tenir confortablement votre instrument, facilement construire et permuter avec des accords ou encore pimenter votre jeu par du picking monodique. Il sera intéressant d'apprendre à jouer également quelques pièces faciles afin de rendre la musique vivante sous vos doigts d'explorateurs. Prenez votre guitare et commencons!

Tenez bon! 

La position standard assise pour un guitariste dépend de son style de jeu. Si vous êtes plutôt classique votre guitare se tiendra sur votre jambe gauche légèrement inclinée vers l'intérieur de votre cuisse, par contre si vous êtes plutôt folkeux ou jazz la guitare reposera sur votre jambe droite avec un reposoir dans les deux cas pour surélever votre jambe d'appui de l'instrument afin que votre dos ne penche pas vers l'avant et pour que la guitare soit bien bloqué par votre corps sans mobilité. Ces détails sont importants pour bien progresser dans le jeu guitaristique.

Votre bras droit peut couvrir la partie basse de la guitare avec sa caisse bien assortie dans le creux de votre bras. Cette position devra permettre à votre main droite de rester en suspension quelque part entre le chevalet et la rosace ou juste au dessus de la rosace lorsque vous pratiquez du balayage (strumming) ou du "picking" mais soyez attentif a ce que votre poignet soit dans un angle perpendiculaire aux cordes et non dans le prolongement du bras. Si vous envisagez de vous tenir debout, il vous faudra installer un bouton de fixation sur le devant du corps de la guitare pour la sangle afin de garder l'instrument centrer sur votre corps et de pouvoir jouer avec stabilité. 

Pour votre main gauche, garder votre pouce bien coller derrière le manche afin de produire un effet" pince" avec vos doigts sur la touche; il ne s'agit pas d'être le plus confortable mais d'être le plus efficace possible. Eviter que le pouce dépasse et glisse du manche et touche les cordes graves ce qui va être génant pour la sonorité des accords. Soyez attentif avec le positionnement de vos doigts sur la touche, ils doivent se positionner en "pointe" de manière directe et non de manière inclinée ce qui va empêcher certaines cordes de sonner lors de jeu en picking (très frustrant) ou d'accompagnement en balayage et de jeu en "block chords". Mais parfois il peut être utile d'étouffer voir de bloquer certaines cordes pour des accords dans des accompagnements spécifiques(funk, pompe jazzy, power chords). 

position des doigts           

 

Tenir le plectre(pick)

Il y a plusieurs manières pour tenir et se servir d'un plectre ou "pick". Voici la manière commune que vous pouvez adapter à votre convenance pour votre confort de jeu au fur à mesure de votre progression. 

Commencer par recroqueviller librement vos quatre doigts ensemble comme si vous teniez un petit manche à balai (métaphorique). Placer la partie large du pick contre la première phalange de votre index, ensuite descendre votre pouce sur le pick de manière à placer votre pouce dans une position confortable de l'autre côté de l'index. Si vous maintenez vos doigts fermement de cette manière en groupe sans forcer derrière le pouce et l'index, ils ne devraient pas géner votre balayage ou votre jeu en flatpicking. Laissez dépasser qu'un peu du plectre et non de trop car cela va géner vos attaques des cordes en aller et retour. 

L'épaisseur ou le"gauge" d'un plectre que vous allez utiliser va influencer votre sonorité et la manière de vous le tenez va influencer votre technique de balayage (strumming) sur les cordes que ce soit en "downstrokes" (attaque descendante "vers le sol") ou en "upstrokes" (attaque ascendante "vers le plafond"). 

Commencez par utiliser un pick standard de "medium gauge" (mi-dur 60mm), tenez-le avec modération mais juste assez pour qu'il ne glisse pas de vos doigts, mais suffisament lâche pour votre autre main puisse faire remuer le bout du plectre dans les deux sens en avant et en arrière. 

 Standard Pickposition du plectre  

Trois conseils pour obtenir des accords "propres" de sonorité

La première fois que l'on cherche à jouer des accords, souvent ils ne sonnent pas vraiment. La plupart du temps on obtient qu'une ou deux cordes qui sonnent et le reste produit un son futile d'un "pick" qui agit contre les cordes sans donner aucun son. On peut dire que cela est normal au début de l'apprentissage de la guitare. Le problème du manque de son quand cela se produit est issu de votre main gauche (fretting hand). Analysons quelque uns de ces problèmes habituels. Essayer de plaquer l'accord de Ré (D) en deuxième position voir l'exemple1 et si le son n'est pas clair et brillant, utilisez ce qui suit pour y remédier. 

Example-01.png

Les doigts sont inclinés: quand on plaque un accord, vos doigts doivent rester en position dite "en pointe" c'est à dire le plus droit possible face à la touche sans inclinaison, avec vos deux articulations formant une boîte dont la touche est le quatrième côté. Vérifier votre annulaire en particulier; sur un accord de D, il aura tendance à s'incliner à l'articulation ce qui veut dire qu'il va étouffer la chanterelle de Mi, même si vous avez les autres doigts en bonne position. Il vous faudra travailler à donner à votre annulaire en angle différent donc en "pointe". Les doigts doivent aussi être paralleles aux barrettes, ils doivent éviter de pencher vers la gauche ou la droite comme beaucoup de guitaristes font.

Trop loin de la barrette: Placer votre index en seconde position veut vraiment dire de placer ce doigt entre la première et la seconde barrette. Mais vous n'allez pas placer l'index sur la corde exactement sur la seconde barrette, ni trop loin en arrière de la première barrette également. La position idéale est aux trois-quarts de la distance en direction de la seconde barrette. C'est une zone de perfection pour la pression des cordes , mais Il y aura assuremment des variations de placement des doigts en fonction des accords comme avec celui de D où plusieurs doigts (différentes cordes)vont occuper la deuxième position. 

La bonne pression, ni trop ni pas assez: Ce problème technique est délicat. Vous n'avez pas besoin de donner une forte pression sur les cordes pour produire un son adéquat et en fait vous pouvez produire beaucoup de tension et de douleurs inutiles en cherchant à appuyer trop fortement sur la touche et les cordes par manque de concentration ou sous l'effet du stress. Vous avez surtout besoin que l'effort de pression soit répartit de manière égale sur tous vos doigts dans l'accord et dans l'exécution d'un morçeau. Si des problèmes de sonorité apparaissent et si vous avez déjà vérifier pour des doigts en inclinaison (mutting) tout comme leur position en rapport à la barrette, vous allez devoir vérifier la pression adoptée pour chaque corde par vos doigts de la main gauche.

Apprenez à facilement passer d'un accord à un autre

Lorsqu'on passe d'un accord à un autre comme ceux de La (A) et Ré (D), il est possible voir conseiller d'avoir un doigt "pivot" comme l'index que vous allez tenir en place pendant que les autres doigts changent de position autour de ce doigt pivot. Nous avons presque une situation similaire quand on passe de La(A) à Mi (E), presque mais pas tout à fait. Cette fois-ci, l'index reste sur la troisième corde pour les deux accords, mais il ne reste pas sur la même case. Essayer cette décomposition étapes par étapes pour passer de Mi et La.

Example-1-copie-1.png

- Soulevez le deuxième et le troisième doigt pendant que l'index demeure en place sur la troisième corde. 

- Ensuite faites glisser votre index de la deuxième case sur la première case. 

- Poser votre majeur sur la deuxième case de la quatrème corde et votre annulaire sur la deuxième case de la cinquième corde.

Pour passer de A de retour vers E, renverser le processus des doigtés. 

- Le doigté pour l'accord de A consiste de soulever le 2ème et 3ème doigts tout en gardant l'index en position.

- Glisser l'index de la deuxième case vers la première case en Sol dièse.

- Placer votre 2ème et 3ème doigts sur la deuxième case de la 4ème et 5 ème corde pour compléter l'accord de E(Mi). 

Interpréter le traditionnel "Darling Corey" 

Essayer de placer et d'articuler vos deux mains sur un accord de G (Voir les schémas d'accords sur la partition ci-dessous). C'est le premier accord que vous allez apprendre par cette méthode de travail. Dans ce diagram-

me la première note harmonique a être entendue n'est pas une note ouverte ou une corde à vide. 

Ceci dit quand vous allez plaqué cet accord, placer en premier la corde la plus grave du diagramme-placer votre annulaire à la troisième case sur la sixième corde, ensuite poser le majeur en Si et pour terminer votre petit doigt sur la corde aigüe en Sol. Il peut être difficile voir délicat de positionner les doigts ainsi, mais le faire un doigt l'un après l'autre peut être une solution pour le début. Il y a un autre doigté possible certes; i-m-a, mais cela est plus difficile à cause de l'écartement entre les doigts. 

g-major-chord01.gif

Un "easy-play" of Darling Corey

En 1927, Dock Boggs a enregistré un morçeau qui l'a appelé "Country Blues" avec un accompagnement de banjo à 5 cordes des Appalaches, une performance qui avait été intégrée dans un album référence "Anthology of american folk music" édité par Harry Smith. Il a été enregistré de nombreuses fois par la suite sous le nom de "Darling Corey". Voici ci-dessous une version simple sur deux accords, A(la) et G(sol), ce qui va permettre de travailler avec répétition le passage entre deux diagrammes d'accord. Utiliser un balayage en "flatpicking" avec un mouvement ascendant sur le deuxième et quatrième temps. 

Darling-Corey.png

Des plans basiques de country music

Voici votre premier plan "basse-accord" de "strumming" en balayage. Ce n'est pas plus différent que de faire quatre simples attaques descendantes en 4/4, excepté que le premier "strum" se fait sur une note de basse unique en l'occurence la fondamentale de l'accord. 

La fondamentale d'un accord de Sol est G. Il y a un Sol une octave au-dessous de la troisième corde à vide, sur la sixième corde à la troisième case. Nous avons déjà placé et joué cette note sur le diagramme de l'accord de Sol en deuxième position. Dans l'exemple2 ci-dessous, essayer de l'utiliser dans un plan "basse-accord" en G; commencer avec une attaque sur la basse de Sol grave et ensuite faites trois balayages sur le reste des cordes.

Tout va bien! donc on va pouvoir continuer avec l'accord de C(Do). La fondamentale d'un accord de C est Do. Le premier Do que l'on apprend se trouve sur la deuxième corde en première position, en voici un autre plus grave sur la 5ème corde à la 3ème case. Nous avons déjà plaqué et joué cette note dans le diagramme de C. Il est notifié sous la portée sur la première petite ligne d'extension. Ces deux notes sont distantes d'une octave d'intervalle. Si vous les jouez ou les chanter vous constaterez qu'elles sont de timbre similaires. 

Pour accomplir un balayage (strum)basse-accord synchronisé; attaquer la basse de C sur le premier temps et sur les 3 temps suivants, faites un balayage sur 5 cordes comme l'expose l'exemple1. Ensuite essayer de passer d'un accord de G à l'accord de C suivant l'exemple3 avec de la continuité sans la moindre hésitation.

Examples-1-3--3-.png

Des accords de septième

Un accord de G7, comme vous pouvez le deviner, est très proche de la triade G. Le doigté pour cet accord utilise deux doigts similaires à la triade de Sol à la même position- ce qui change est la corde aigüe; le petit doigt à la troisième case en Sol va se déplacer par l'index sur la première case en Fa. 

Dans sa forme géométrique, un accord de G7 ressemble quelque peu à une triade élargie de C. Vous pouvez utiliser une astuce afin de changer de façon plus efficace entre les deux accords; en bougeant que le majeur et l'annulaire de l'accord de G7 ou de C tout en gardant l'index en pivot. Travailler aussi à changer le doigté complet à trois doigts dans le passage entre les deux accords, ensuite exercez-vous un instant à passer de C à G7 avec un simple "strumming" comme indiqué dans l'exemple1. Ce serait une bonne idée de s'exercer également à passer de l'accord de G à celui de G7. Dans l'exemple2 il s'agit de s'exercer donc à enlever le petit doigt et à passer l'index en Fa dans les mesures trois et quatre. Ce n'est pas si facile que cela; Prenez garde à bien garder le poignet cambré pendant le passage entre les deux accords. 

Method-7th-Chords-Ex.-1-2.jpg

Apprenez à interpréter "Scarborough Fair" 

Cette mélodie "Scarborough Fair" existe depuis des siècles, mais elle fut popularisée par Paul Simon et Art Garfunkel dans les sixties par un arrangement maintes fois entendu. Même sans les difficiles parties de guitare que Paul Simon à composer, cet air reste un challenge pour tout musicien car il intègre de nombreux et divers changements d'accords; ainsi on ne reste jamais longtemps sur un même accord. 

Il ne peut être contesté le fait qu'il soit un bon exemple pour exercer les capacités d'un guitariste débutant à passer d'un accord majeur à un accord mineur et vice-versa et cela reste bien sûr une belle mélodie à écouter et à interpréter. Donc la voici ci-dessous, cet air est en 3/4 de métrique et l'accompagnement basse-accord ci-dessus est celui à utiliser sur la progression harmonique Mi mineur et La mineur en otant le quatrième temps certes. Bon travail!! soyez patient et imaginatif.

Scarborough-Fair.png

La Basse Alternée

Dans un chapitre précédent, nous avons étudié des plans "country" en décomposant la mesure avec une basse sur le premier temps et pour ensuite attaquer sur plusieurs cordes pour les trois temps restants, donc "Bass and chords style" (ou sur deux temps dans le cas d'une valse country). Maintenant nous allons y ajouter une autre note de basse sur le troisième temps en remplaçant le "strumming" pour créer un accompagnement en basse alternée de style "Bluegrass-country". 

Commençons avec un diagramme familier de l'accord de ré(D). Dès à présent notre règle de base sera:  pour la seconde basse du pattern sur le 3ème temps, monter vers la corde suivante donc qui précède la basse du premier temps, cette nouvelle basse est comme on le voit la quinte de l'accord. Ainsi donc pour un accord de D en deuxième position, nous allons jouer la troisième corde à la 2ème case, donc un La comme présenté dans l'exemple 1 ci-dessous. La technique utilisée est celle d'un découpage rythmique simple en attaques descendantes régulières. Pour l'accord de La, nous allons suivre la règle de base; monter pour la 2ème basse vers la corde suivante; plaquer la note Mi ou la quatrième corde à la 2ème case. Cela sonnera comme l'exemple 2. Maintenant notre plan sera d'une basse sur le 1er temps suivit d'un balayage sur les 3 cordes aigües puis d'une basse plus haute sur le troisième temps suivit encore d'un balayage sur les 3 cordes aigües. 

Simple et efficace!! bon travail

Examples-1-2

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15 août 2013 4 15 /08 /août /2013 11:32

Des artistes comme Steve Howe du groupe "Yes" n'ont jamais limité leurs influences à un seul genre musical. Steve Howe a souvent utilisé des éléments stylistiques du "Bluegrass" pour les intégrer dans ces pièces instru-mentales en "fingerpicking" tel que"Clap" ou "Ram". L'exemple11 montre un plan en fingerpicking similaire à un "banjo roll" ou à un pattern en crosspicking semblable à ceux que Steve Howe joue dans un morçeau tel que "Clap". Observez comment ce plan met en évidence les cordes à vide afin de créer des sonorités originales. L'exemple12 montre un "fill in" d'inspiration "Howienne" qui commence sur des dissonances pour se résoudre éventuellement mais surement dans la tonalité de Sol. Cet exemple inclut des notes non-diatoniques et des cordes à vide afin de créer des dissonances originales mais qui sonnent plutôt dures voir bruts à un tempo lent, mais qui créent des tensions intéressantes quand le tempo est plus rapide. L'essayez c'est l'adopter!

Roots-Fingerpicking-Ex11 12

manche de guitare

Pour conclure voici une partition originale de "Clap" de Steve Howe. C'est une pièce instrumentale intéressante qui combine de multiples influences stylistiques et culturelles de fingerpicking. La patience et la pratique seront de rigueur pour maîtriser ce type de pièce instrumentale. Et pour arriver à vous en sortir, Il sera bon de travailler les difficultés techniques et rythmiques en "micropracticing", donc d'adapter votre transcription sur les éléments complexes ceci mesure par mesure en se focalisant sur les doigtés pour les deux mains en premier lieu comme sur les barrés et non sur l'interprétation et le tempo qui est très rapide donc difficile pour la maîtrise technique de cette pièce. Observez les mesures 6,7 et 8 pour le "banjo roll" ainsi que les mesures 16, 17 et 18. N'hésitez pas à écouter et observer des versions lives sur U-tube de Steve Howe! ceci est nécessaire! 

clapYes.png

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14 août 2013 3 14 /08 /août /2013 13:41

J'ai écouté la première fois cette mélodie de "Lassie who had the land" sur un enregistrement d'une artiste assez spectaculaire que je n'ai jamais rencontré par ailleurs, mais étant trop jeune, même pas né. Son nom était Bidget Tunney, elle était née en Ireland dans la région de Donegal proche de Fermanah. Elle avait une tessiture et une voix telle une cornemuse à l'échelle humaine certes. Elle produisait une attaque dure et particulière avec sa voix à nul autre pareil sur certaines notes. Quand j'ai entendu cette mélodie sur un enregistrement rare, cela m'a prit du temps pour la comprendre au niveau de sa signification littérale et musicale. Cependant cet air fredonnait souvent dans mon esprit comme une mélopée marquante et obsédante. Allez savoir! à vous de voir.

La version que l'on entend le plus souvent commence un peu différement en arrivant sur la quinte et la 5ème note sur le "of" de " of a bright may morning". Ceci dit on peut entendre Bridget Tunney descendre d'un ton sur la quarte, ce qui semble être plus esthétique et approprié. Vous avez ci-dessous un arrangement instrumental pour guitare de l'introduction de cette mélodie celtique en "drop d tuning"; Il est important de l'interpréter dans un tempo modéré au début pour l'accentuer dans une débit plus rapide par la suite comme il est indiqué sur la partition. Observez la métrique atypique en 6/4. Bon travail! 

Lassie-Who-Had-the-Land-8BARS.jpg

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Cet accompagnement pour guitare présente pas mal de difficultés pour un musicien débutant, notamment de combiner les parties vocale et instrumentale. Le début du "verse" va exiger une travail de mise en place et de découpage rythmique précis et méthodique. Notamment en travaillant lentement et par de courtes sections de l'arrangement. Surtout comme il est souvent dit; soyez patient!

The-Lassie-Who-Had-the-Land-Part-1

The-Lassie-Who-Had-the-Land-Part-2

 

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28 juillet 2013 7 28 /07 /juillet /2013 16:32

Un des éléments caractéristiques du compositeur et guitariste Blind Blake fut un effet ou une idée rythmique de groove nommé "Thumb roll" sur les basses. Cette note rapide en anticipation avant le premier temps(downbeat) de la mesure ajoute du rebond dans le "groove" rythmique d'une pièce de blues ou d'un accompagnement de guitare quelque soit le style. Pour l'éxécuter, laisser votre pouce rouler avec lourdeur sur la corde la plus grave et qu'il vienne s'appuyer en buté sur la corde grave suivante pour un très court instant, ensuite quitter la corde pour attaquer la ligne de basse alternée régulière jusqu'au prochain changement d'accord et recommencer ce roulement sur les basses en anticipation. Dans l'exemple4 ci-dessous l'effet "thumb roll" ne se produit pas sur chaque changement d'accord, uniquement dans les 3 premières mesures sur C-E et A7. 

C'est une forme de technique et d'effet de jeu qui pimente votre pulsion rythmique, mais si l'on en abuse, il devient prévisible donc il perd de son effet de surprise. Une fois que cette technique sera maîtrisée dans cet exemple 4, prenez le temps de l'assaisonner à votre convenance dans votre jeu guitaristique en picking afin d'enrichir votre style et votre jeu. Il sera bon de travailler l'exemple4 comme d'autres de votre invention , je l'espère pour un certain temps jusqu' à un tempo modéré de 100 à 120. 

Un conseil; Si vous l'interprétez trop rapidement, le "thumb roll" va perdre sa qualité de rebond rythmique et toute la pièce dans son interprétation va devenir "robotique". Pensez de manière désinvolte et expérimentez!

Example-4-Ragtime-Thumbroll-Acoustic-Blues-Guitar-Basics.jpg

La base rythmique du picking en ragtime sur une guitare ou un banjo voir sur un piano se produit grace à la ligne de basse jouée au pouce sur les cordes graves en basse alternée. Observez l'exemple1 ci-dessous.

basse ragtime        

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17 juillet 2013 3 17 /07 /juillet /2013 14:51

Tout musicien doit avoir à l'esprit qu'il est important d'avoir une organisation de travail méthodique, constante et progressive sur son instrument afin d'évoluer de manière efficace vers la maîtrise de ses techniques que ce soit à la guitare, sur une mandoline, un banjo ou une basse, etc.

 

1. Weekly workout/ Motifs (licks) sur gamme majeure harmonisée

 

Une bonne manière de développer la connaissance du manche de son instrument est de donner à vos doigts des exercices qu'ils n'ont pas l'habitude de produire et de pratiquer. Et une manière simple pour cela est de créer de courts motifs (licks) répétitifs et de les pratiquer à partir de chaque degré d'un diagramme de gamme majeure.

Ce "workout"commence avec une phrase familière d'une gamme pentatonique en Sol (G) cf 1ère mesure. 

Chaque mesure suivante va utiliser cette phrase et la déplacer un degré à la fois sur la gamme majeure en symétrie (effet de transposition) de la première mesure. Ainsi donc la 2ème mesure commence sur le La(A), la 3ème mesure commence sur le Si(B) etc. Vous remarquerez peut-être que ces phrases décrivent la structure des harmonies de la tonalité de Sol (G-Am-Bm-C-D-Em-F"° et G à la mesure 8). 

Puisque nous avons commencé avec une sonorité pentatonique majeure, nous allons devoir modifier légèrement l'ordre des intervalles sur les accords mineurs afin de leur donner une meilleure texture pentatonique, même si nous avons mineur à la place du majeur. Par exemple au milieu de la mesure, l'idée initiale descend d'une tierce de la fondamentale vers la sixte et ensuite d'une seconde (un ton) de la sixte vers la quinte. Mais par contre sur les accords mineurs nous allons devoir substituer l'idée de base par une seconde (un ton) descendante de la fondamentale vers la 7ème mineure et ensuite descendre d'une tierce de la 7ème mineure vers la quinte afin de donner une texture mineure pentatonique au motif. Pour pigmenter votre travail, des liaisons peuvent être rajoutées dans le phrasé, mais il sera plus efficace de commencer par attaquer toutes les notes et ensuite d'y intégrer à votre convenance des liaisons (hammer-on ou slide). Pour évoluer dans votre connaissance de la théorie et de votre instrument, il vous faudra changer de tonalité et donc de transposer ces motifs sur d'autres gammes. 

Weekly-Workout-1-Harmonized-Major-Scale

2. Weekly workout/ déplacement successif linéaire

La plupart des méthodes pour développer et mémoriser le manche d'un instrument à cordes se concentre sur le fait d'apprendre des notes par quatre ou cinq cases de sections à la fois et de manière progressive ou encore en pratiquant ses gammes et d'apprendre les relations entre les notes dans ces diagrammes sur le manche.

Des approches comme celles-ci (le système C-A-G-E-D est le plus connu) sont essentiels pour connaître à fond son instrument, mais il est tout aussi utile et intéressant de connaître comment les gammes se construisent et se développent le long du manche sur chaque corde. Faire cela, vous aidera à mieux lier ensemble chaque diagramme des gammes que vous connaissez afin de monter et de descendre votre manche en vélocité, efficacité et facilité. Attention aux doigtés dans la progression linéaire surtout  à la main gauche; trois changements de doigtés sont nécessaires au maximum sur chaque corde. 

Weekly-Workout-2-Up-the-Neck.jpg

Ce "workout" peut paraître simple au premier abord; juste une gamme de Do(C) montant de manière diatonique du sillet de tête à la 12ème case sur chaque corde. (Vous pouvez observer que la gamme commence sur la 1ère case pour la 2ème corde, ceci afin que vous ayez la sonorité de la gamme majeure dans l'oreille).

Le plan de travail consiste en deux exercices; les six premières mesures montrent les gammes de Do (gammes symétriques phrygien-ionien-myxolydien-dorien-éolien et sans le locrien et le lydien) sur chaque corde et puis les cinq suivantes sont une harmonisation ascendante en tierces majeures et mineures de la gamme de Do sur deux cordes simultanées. Vous avez peut-être déjà travailler des plans en tierce sur certaines positions ou cordes, mais d'avoir un schéma complet harmonique sous les doigts va aussi vous aider à développer votre jeu sur le manche. Bon courage! soyez patient surtout!

3. Weekly Workout/rythme trois contre quatre/"three against four"

Depuis le Ragtime jusqu'au Bluegrass en passant par le "beat" de Bo Diddley, le rythme nommé "three against four" peut être entendu dans toute la culture musicale américaine du nord au sud. Soulignant des séquences de trois notes tout étant en métrique à quatre temps, le rythme "three against four" est tellement omniprésent qu'il ne peut être encore décrit comme une forme de syncope. Penser à un standard de ragtime tel "12th street rag" ou un thème swing tel que " In the mood" ou encore aux premiers mots ' I can't get no" que chante Mick Jagger du hit des Rolling Stones "Satisfaction", vous pourrez observer ce qu'est le "three against four" en action. 

Dans ce "workout" nous allons continuer l'exploration du manche de la guitare avec un exercice qui met en pratique le rythme "three against four" pendant que l'on se trouve en 4/4. 

Weekly-Workout-3-3-Against-4.jpg

L'entraînement commence par un flot d'arpèges sur trois notes dans la tonalité de Sol(G) en position ouverte.

Commençant sur un Sol à la troisième case sur la corde de Mi aigü, nous allons simplement faire une série de triades(accord de 3notes) qui vont descendre la gamme de manière régulière note par note, démarrant chaque triade en arpège avec la note suivante descendante dans la gamme de Sol(G-F"-E-D etc.). La seconde moitié du " Workout" suit un mouvement ascendant. Ce mouvement est un peu différent de la première moitié. Chaque triade commence sur un degré de la gamme de Sol, puis descend d'une tierce et encore d'une tierce etc.comme dans la première partie, mais ici la première note de chaque triade suit un cycle ascendant diatonique en G (D-E-F"-G-etc.)

4. Weekly workout/ gammes d'accords(chords scales)

La plupart des musiciens y comprit les guitaristes apprennent leur instrument par la pratique des gammes. Mais pendant la pratique de ces gammes, il peut être utile de réfléchir à la fonction de chaque note individuelle dans chacune de ces gammes. Est-ce si compliqué? 

Un des moyens pour appliquer cela est de pratiquer des "chord scales"-la gamme appropriée pour chaque accord dans la progression harmonique d'une chanson ou d'un thème. Pour ce "workout" vous allez le faire sur les accords des huit premières mesures d'un standard du jazz "autumn leaves". La première moitié de cette progression est basiquement Am-D-G-C( soit II-V-I-IV dans la tonalité de Sol(G) et la seconde moitié est un II-V-I dans la tonalité de Em; deux progressions de base auxquelles tout le monde fasse référence en principe.

Cet entraînement commence avec des gammes en position ouverte qui démarrent avec la fondamentale pour monter vers la 7ème, utilisant un accord par mesure de la progression harmonique "d'Autumn Leaves" (Am7-D7-GM7-CM7-F"m7b5-B7b9-E7). Excepté pour la gamme sur B7b9, chacune de ces gammes ici utilisent les notes de la gamme de Sol(G) commençant sur la fondamentale de chaque accord. Ainsi par exemple, sur l'accord Am7 de la première mesure, la première note sera A la fondamentale pour finir diatoniquement sur G la 7ème mineure. Sur la 2ème mesure sur l'accord de D7, la première note sera Ré pour la fondamentale pour finir sur C la 7ème mineure, etc.

Dans la seconde moitié de ce "workout", chaque gamme commence sur la 7ème pour descendre vers la fonda-mentale de chaque accord. Il serait utile d'enregistrer la progression harmonique jouée par vos soins, afin d'avoir une meilleure idée de comment sonnent ces gammes sur ces accords. Autrement si je cite un exemple, la gamme à la mesure 9 sur l'accord de Am7 sonnera comme une gamme de Sol descendante qui ne se conclut pas sur Sol(G). Si vous écoutez cette gamme en relation avec Am7 où la première note est une 7ème cela sonnera totalement différement que si vous aviez la tonalité de Sol(G) en tête. 

Weekly-Workout-4-Chord-Scales.jpg

5.Weekly workout/Plans pentatoniques

La gamme pentatonique a une mauvaise réputation, celle de n'être qu'un simple recours pour gratouiller une impro quand un guitariste ne sait pas trop ce qu'il fait. Hélas oui c'est la vérité, la gamme pentatonique a été abusée pour créer trop d'informes jeux "lead" guitaristiques décousus. Mais étudiée sous d'autres aspects, les gammes pentatoniques peuvent révéler des sons inhabituels. Par exemple nous pouvons considérer la pentatonique comme une gamme pour elle-même et non en relation avec la gamme majeure heptatonique (7notes). Pour cela au lieu de voir la gamme pentatonique majeure comme la fondamentale,la seconde, la tierce, la quinte et la sixte d'une gamme majeure de 7 sons, penser juste que C-D-E-G-A sont les notes d'un système musical en Do avec sa propre identité. Si l'on continue cette gamme une octave plus haut, nous avons là , l'octave C plus une 9ème, 10ème, 12ème et 13ème d'une gamme pentatonique sur deux octaves. 

Pour ce "workout", nous allons créer des patterns de 4 notes en otant le deuxième degré de la gamme pentatonique mineure de La (A), c'est dire la tierce mineure par exemple en mesure1. Ainsi donc, à la première mesure, le pattern de quatre notes est A-D-E-G sans le C. Pour la suite il s'agit de transposer ce motif de quatre notes sur chaque degré de la gamme pentatonique de A par une mouvement ascendant. Donc le deuxième motif (sur la deuxième partie de la mesure1) sera C-E-G-A, le deuxième degré D a été supprimé. La seconde moitié de ce "workout" qui commence à la moitié de la mesure 4 sur le A de la première corde, suit un mouvement descendant qui utilise le même pattern. 

Weekly-Workout-5-Pentatonic-Patterns.jpg

6. Weekly Workout/ plans en tierce

La plupart des musiciens dont les guitaristes, sont habitués à travailler des gammes comme "warm-up" (mise en route) ou pour améliorer leurs connaissances et leurs aptitudes globales. Mais beaucoup limitent leurs pratiques à une seule forme de gamme ou de pattern ascendant et descendant de fondamentale à fondamentale. Bien que cela ait des bénéfices notoires, les musiciens qui travaillent les gammes de cette façon, manquent à des processus utiles pour augmenter leurs compétences techniques. 

Une approche efficace qui est populaire chez les violonistes et violoncellistes consiste à développer des motifs en intervalles de tierces sur le manche avec des variations de plans. Jouer en tierces variables  (C-E; F-D; E-G) dans une gamme se réfère à une appelation de "tierces brisées". 

Ce "workout" démarre sur une simple et basique gamme en Do (C) développée en tierces successives ascendantes. Le pattern consiste en deux notes-en tierce-avec un mouvement montant progressivement en diagonale vers la 12ème case à partir de la 2ème position et vice-versa par retour en arrière. Cela peut sembler compliquer en première approche, mais en travaillant lentement avec patience, ce plan fera partie de la mémoire "musculaire" de vos doigts tout comme une plan ou une gamme en Sol(G). Pour rendre votre workout efficace suivez des doigtés appropriés pour la montée et la descente en tierces. Bon courage!

Weekly-Workout-6-Patterns-in-Thirds.jpg

7. Weekly Workout/Drop two chord arpeggios(plans d'arpège sur accords renversés)

Ce qu'on appelle "drop two chord voicing" est populaire chez les guitaristes de tous styles confondus. Ceci en raison de la facilité des doigtés, de l'espace et de l'amplitude de trois ou quatre cases des motifs et de sa sonorité plaisante. Le terme de "drop two" provient des grands orchestres de jazz et des arrangeurs de big bands qui lorsqu'ils créaient des sections pour cordes et cuivres nommaient chaque voix par des nombres de un à quatre (traditionnellement la note la plus haute à la plus basse d'un accord). Un procédé des arrangeurs pour créer d'intéressantes textures sonores fut de baisser "drop" une note de la structure serrée harmonique d'une octave, ceci afin d'ouvrir le voicing. "Drop two" veut dire littéralement que la seconde voix(la quinte) d'un accord est baissée d'une octave. Comme exemple, l'accord de CM7 (C-E-G-B grave au aigü) devient G-C-E-B quand on produit un "drop two" avec le Sol baissé d'une octave. 

Ce "workout" introduit cinq types et diagrammes d'accords en "drop two chord voicing" avec la fondamentale sur la 5ème corde. Nous allons utiliser chaque diagramme d'accord pour monter puis descendre le manche de manière non-diatonique un ton à la fois en utilisant la même couleur harmonique. La mesure 1 commençant par CM7, suivit de DM7 puis de EM7 etc. jusqu'à la 15ème case sur CM7 à nouveau. Si votre guitare n'a pas de découpe en "cutaway", les arpèges à la 4ème mesure seront difficiles à interpréter, mais votre workout restera toujours intéressant si vous oubliez cette mesure 4 et passer outre. Attaquer toute note individuelle de chaque arpège avec un picking alternatif donc en aller-retour. Si vous optez pour le fingerpicking, votre doigté sera p-i-m-a pour chaque diagramme ascendant, pratiquez également une alternance entre i et m pour descendre et monter.

Les quatres autres diagrammes d'accord sont le mineur7 à la mesure 8, le 7ème dominant à la mesure 9, le demi-diminué(m7b5) à la mesure10 et l'accord 7ème diminué à la mesure 11; pour chaque diagramme, il n'y a que les deux premiers voicings présentés, pratiquez les comme pour les M7 jusqu'en haut et redescendez en position de départ. Bon travail!!

Weekly-Workout-7-Drop-Two.jpg

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15 juillet 2013 1 15 /07 /juillet /2013 14:21

Les origines de cette pièce instrumentale pour violon, "Angeline the baker" restent un grand mystère. Beaucoup de musicologues la créditent à un certain Stephen Foster, et le "chorus" de la version de Stephen Foster" intitulée"Angelica Baker" a quelques points mélodiques en commun avec la partie grave de la version pour violon. Mais la partie aigûe semble complètement venir d'ailleurs d'où certains problèmes pour en cerner ses origines. La version enregistrée en 1928 d'un certain fiddler Uncle Eck Dunford n'a vraiment en commun que le titre avec la chanson de Stephen Foster et c'est une version du squelette de la chanson qui est devenu un élément de base du style "Bluegrass old time". 

Les huit premières mesures d'un arrangement pour guitare de la mélodie sont présentées ci-dessous. Vous pouvez créer votre propre arrangement en fingerpicking grace à l'accordage en Dropped-D. Ce qui vous permet d'y ajouter une ligne de basse soit alternée, soit séquencée sur certaines notes avec des voicings en intervalles ou en accords ou encore avec une basse monotonique sur les fondamentales des accords de D et de G. Il y a plusieurs possibilités d'arrangements instrumentaux de cette mélodie. 

Angeline-the-Baker-Music-EXCERPT.jpg

Voici une version arrangée pour banjo à 5 cordes en open tuning de G.

AngelineTheBaker banjo

Voici la mélodie de base pour violon de ce standard du style bluegrass. 

angeline-the-baker.png

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15 juillet 2013 1 15 /07 /juillet /2013 13:30

Les musiciens de jazz contemporains aiment à developper les standards renommés en focalisant leur intérêt sur le "groove" rythmique et sur des mesures de tempo et métrique qui diffèrent de ceux adoptés à l'origine par les compositeurs (ou ceux habituellement choisis par les jazzmen et arrangeurs).

Par exemple, ils intègrent un feeling bossa-nova latin à une chanson qui serait habituellement interprétée comme une balade à tempo modéré ou encore peut-être de prendre un standard au tempo rapide et accentué pour l'interpréter dans ses nuances harmoniques comme une balade lente et expressive. Les possibilités ne manquent pas dans notre culture musicale, explorez-la!!

Le thème de Jerome Kern "all th things you are" ou encore "Django" ont été interprété de toutes les manières imaginables sur une guitare comme pour d'autres instruments. Vous pouvez aussi convertir une pièce dans une autre métrique ou tempo. Les conversions les plus usuelles sont celles de changer du 3/4 pour du 4/4 ou vice-versa. L'exemple 12a présente un arrangement en 4/4 de métrique qui est converti dans l'exemple 12b en 3/4 de métrique. Observez que les hauteurs de notes n'ont pas été transformées, il s'agit ici d'avoir ajuster les séquences rythmiques de la mélodie à la nouvelle métrique en 3/4. 

Example-12a b-Fingerstyle-Jazz-Essentials

chordsheets 

  time signature       

 

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11 juillet 2013 4 11 /07 /juillet /2013 12:33

Que l'on soit un novice dans l'exploration du jeu "Lead" sur un instrument comme la guitare ou un jammer saisonnier, cet article va vous suggerer de nouvelles idées quand il s'agit de prendre un solo dans une formation.

Utiliser les "glissés/slide", les coulés ascendants (hammer-on) et descendants(pulling-of) pour minimiser les attaques de la main droite

Par l'utilisation de ces techniques dites de "legato", vous allez pouvoir jouez plus de notes sans devoir attaquer chacune de celles-ci avec la main droite soit au plectre ou en "fingerpicking". Plus les tempos vont s'accélérer, plus vous trouverez ces techniques utiles dans votre jeu mélodique. 

L'exemple ci-dessous est un pattern (lick) dans la tonalité de Sol(G) et qui exprime et suggère ces techniques.

Minimize-Strokes-Ex12.jpg

Utiliser un "hammer-on" (coulé ascendant) pour le mouvement C-C dièse, attaquer en buté le D et le G, ensuite un pulling-of (coulé descendant) du F vers le D, "glissé" du C dièse vers C, attaquer le B bémol en buté pour ensuite faire un "hammer-on" vers le C et pour finir en buté sur G avec le pouce. Nous avons 11 notes pour 7 attaques soit en buté ou au plectre. Ces techniques aident non seulement pour développer la vélocité, mais elles permettent de créer un son plus limpide tout en "legato"(liaison). Quand on attaque chaque note d'un thème, le jeu mélodique devient plus haché et percussif. Mélanger avec soin ces techniques dans vos improvisations et vos thèmes tout comme vos riffs; cela rendra votre jeu guitaristique plus dynamique et intéressant.

The Fiddle tune "Black mountain Rag" sur la guitare

Doc Watson a appris cette mélodie par le biais d'un violoniste du nom de Leslie Keith, qui interprétait ce morçeau dans la tonalité de A avec un accordage en cross-tuning de A-E-A-C"( souvent appelé black mountain rag tuning par des fiddlers). Watson transforma et arrangea cette unique pièce pour violon en une unique pièce également pour guitare acoustique ou électrique. Quand un violoniste la joue, l'humeur et le climat sont autres malgré tout. Les cordes ouvertes en faux-bourdon du violon donnent un son particulier archaïque à cette mélodie. Plutôt que de chercher à imiter cette qualité sonore, ce qui aurait prouvé l'infériorité de la guitare pour évoquer pareil climat musical, Doc Watson l'a transposé dans la tonalité de Do(C), mettant le capo à la 2ème case en ré (D) et retravaillant ce thème dans un génial étalage de virtuosité technique. Chaque note en flatpicking ressort dans une unique version, mais redevable à Doc Watson dans son expression. Les huit premières mesures d'un arrangement en Do(C) sont présentées ci-dessous. Travaillez l'expressivité et le groove une fois que la mélodie vous ait suffisamment familière entre vos doigts, il est important de trouver l'équilibre entre vélocité, efficacité et expressivité dans toute forme de jeu "Lead". 

Black-Mountain-Excerpt

Utilisation du principe de question-réponse dans vos phrasés en solo

L'un des fondements de base du jeu "lead" en blues tout comme en jazz voir en rock est ce que l'on nomme comme "le question-réponse (call and response). Cette idée de phrasé mélodique peut prendre des formes variées, deux de ces formes familiaires consistent dans la manière dont un guitariste ou un harpiste fait répondre à un pattern mélodique, un "lick" instrumental harmonique ou encore la manière dont un pianiste ou un section de cuivres répondent à un soliste par des plans en forme de riffs. 

Il est possible également de créer des moments musicaux en "question-réponse dans vos improvisations comme vos compositions solos. Dans l'exemple 7a ci-dessous le plan dans la mesure 1 est répondu après une pause par un phrasé descendant dans la mesure 3. Observez le choix des notes pour ces "motifs"(des notes de structure d'accords). L'exemple 7b consiste dans le même type de phrasé mais avec différents patterns mélodiques. Expérimentez vos propres idées de plans sur différentes progressions d'accords soit blues, jazz ou rock  comme des II-V-I ou IV-V-I, ceci afin de développer votre propre personnalité musicale; donc être créatif et original!.

Call-and-Response-Ex7a_b.jpg

Construire des patterns sur des diagrammes d'accords familiers

Quand on improvise, il faut être capable de tracer le contour harmonique d'un morçeau ou une chanson par des lignes mélodiques. Il est utile de commencer le travail d'improvisation sur une progression harmonique en créant des motifs ou "licks" sur des notes qui se trouvent la plupart du temps dans les diagrammes ou "voicings" d'accords familiers comme celui de Cm7 montré dans l'exemple1 ci-dessous. 

Garder ce diagramme à l'esprit quand vous vous attaquerez aux exemples 2 et 3 qui illustrent l'arpège de Cm7 et la gamme d'accord du second degré de mode dorien en Bb majeur(II-Cm7). Essayez de représenter mentalement ces exemples quand vous chercherez à remplir l'espace harmonique et sonore de cet accord mineur (Cm7) et observez que chaque note de la structure harmonique originelle est représentée dans les diagrammes. Soyez patient et constant, enregistrez de courtes séquences harmoniques sur un boss ou yamaha et pratiquez vos propres idées mélodiques par dessus. A vous de jouer !

Chord-Shapes-ex1_3.jpg

Improvisez sur un thème ou un standard

Pour commencer la pratique de l'improvisation, nous avons besoin d'une mélodie que tout le monde connaisse et ait en tête. Essayons celle d'un hit de blues fort connu, celui de "Mary and her little lamb" et plaçons un rythme shuffle de Jimmy Reed par derrière afin de déplacer ce travail scolaire vers un feeling de night-club local et d'avoir quelque chose sur quoi travailler. Cf L'exemple1

Revisez le thème mélodique plusieurs fois jusqu'à le jouer de mémoire. Travaillez-le à de multiples positions sur votre touche (cf exemples 2a-2c). Habituellement quand des musiciens cherchent à improviser sur une mélodie, ils pensent en premier lieu" je dois faire une variation sur les notes du thème". Toutefois penser à ceci "la musique est construite sur trois éléments de base-mélodie, rythme et l'harmonie". Tous ces éléments sont à prendre en compte pour l'improvisation et pas seulement la mélodie. 

  Improvising-on-a-Melody-ex1-2c-Acoustic-Blues-Guitar-Basics.jpg

Jouez des mélodies pour violon comme "Arkansas traveler"

Apprendre des mélodies pour flûte ou violon est un bon moyen de développer une accuité mélodique sur la guitare. Cette mémorable mélodie du folklore US a éte enregistrée la première fois en 1922 par un "fiddler" violoniste du nom de Eck Robertson et elle a été utilisée voir arrangée de nombreuses fois par des compo-

siteurs et guitaristes comme notamment par un musicien de country nommé Clarence White. Il fut un pionnier de la technique du "Flatpicking" en acoustique et il enregistra Arkansas traveler en 1962 pour la petite histoire. Norman Blake un autre guitariste renommé en acoustique l'enregistra en 1976 sur un album de référence "Whiskey before breakfeast". Habituellement interpréter en tonalité de ré (D), "Arkansas Traveler" comme d'autres thèmes connus, peut se jouer sur une guitare dans une position de gamme de C mais avec un capodastre en 2ème case ou encore en D sans capo.

Dans l'extrait de huit mesures ci-dessous, la mélodie est arrangée en C avec un capo en II position. Observez un développement en arpèges sur la partie A de la mélodie de base. C'est un exercice intéressant que vous pouvez mettre en pratique dans vos solos et improvisations; Pouvoir et savoir développer une mélodie sous d'autres formes. 

Arkansas-Traveler-Excerpt

Utiliser des diagrammes d'accords pour créer des riffs

Beaucoup parmi les riffs et licks les plus efficaces d'artistes comme Led Zeppelin, Neil Young, les Rolling Stones voir même les Beatles sont construits à partir d'éléments d'accords de base. Il n'est pas superflu de pouvoir utiliser les mêmes principes pour créer vos propres riffs et licks de vos compositions et solos. Quand on apprend et analyse en premier abord une triade comme celle de Ré (D)ou de La (A), on ne peut voir tout le potentiel qui se cache derrière un diagramme à trois doigts, mais de nombreux riffs et plans de solos fort connus se sont greffés à partir de ces voicings basiques. Les Beatles avec "Norwegian Wood" et "here comme the sun", Cat Stevens avec "the wind" et "Moonlight Shadow" ou encore Led Zeppelin avec "Thank You" tout comme Renaud avec "Morgane de toi" ont créés des lignes instantanément reconnaissables à partir de l'accord de Ré (D)en deuxième position. L'exemple1 vous présente cet accord parfait majeur triadique en deuxième position, et ensuite nous allons explorer différents développements harmoniques de cet accord en accords d'ornement et d'enrichissement en modifiant un seul doigt du diagramme originel triadique. Ces accords sont identifiables à leurs structures comme Dsus2 et Dsus4 et D6 en deux positions différentes, ou encore D/F" un premier renversement ou encore un Dadd2/6 en même temps sur le voicing, un DM7 en 3ème renversement et pour finir un accord complexe de Dadd4 avec une 6 en basse. Essayer de rendre ces voicings familiers dans votre jeu au quotidien sur votre instrument afin de pouvoir développer votre jeu en "chord-melody". 

Et par-dessus tout de pouvoir développer harmoniquement une mélodie dans vos solos et compositions comme l'expose les exemples 2 et 3. Ceux-ci sont conçus de manière simple et méthodique afin de pouvoir compren- dre plus facilement ce processus créatif d'harmonisation d'une séquence mélodique. Il existe d'autres procédés pour arriver à ce résultat comme le fit Wes Montgomery ou John Coltrane ou encore Ralph Towner qui sont passés maître dans cet art de l'improvisation en riffs harmoniques. 

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manche de guitare

 

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