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16 mai 2015 6 16 /05 /mai /2015 19:14
Créer des arrangements "Fingerstyle solo "

A moins que vous soyez des compositeurs géniaux tels que Wolfgang Mozart voir J.S Bach, ou encore Pat Metheny ou Steve Vai, de grandes compositions comme une sonate ou une pièce de caractère ne vont pas se créer dans votre cerveau tous les jours. Cependant bien sûr, vous pouvez faire l'expérience de mélodies ingénieuses alors que vous êtes sous la douche, que vous fassiez du ménage ou encore peut-être déguster une pâtisserie succulente. Mettre ces idées en musique dans des arrangements précis et accomplis pour un instrument comme la guitare n'est pas aussi difficile que l'on pense au premier abord, particulièrement si vous décomposez ce processus en plusieurs étapes. Dans cet article, nous allons étudier et analyser "comment construire un arrangement à partir d'une mélodie de A à Z, donc à partir de sa base, celle de "Greensleeves" une ancienne pièce de la Renaissance anglaise du XVI siècle.

1. Connaître la mélodie

Bien que vous soyez capable de siffloter une mélodie à rebours dans votre sommeil, il est toujours utile voir nécessaire de pouvoir situer une mélodie sur la touche ou le clavier de son instrument, ainsi vous ne plongerez pas la tête la première dans un arrangement en cul-de sac. Mettez l'accent sur un apprentissage précis de la pièce donc avec les notes correctes et les séquences rythmiques appropriées car il est toujours plus difficile de corriger une erreur que d'apprendre une mélodie correctement pour la première fois. L'exemple ci-dessus vous montre la mélodie de "Greensleeves" en Am (la mineur) et en root position. Travaillez-la plusieurs fois avant de passer à l'étape suivante.

2. Harmoniser la mélodie

La notion d'harmoniser la mélodie est une manière musicologique ou encore fantaisiste pour d'autres, pour dire d'" ajouter des accords à une mélodie". Malgré tout, il est possible d'harmoniser une mélodie de plusieurs manières. La plus simple consiste à utiliser un répertoire "songbook ou real book" pour situer la mélodie et d'utiliser les accords répertoriés au dessus de celle-ci. Mais il serait plus judicieux de ne pas se fier à cette béquille trop souvent. A la place essayez plutôt d'écouter des enregistrements et d'utiliser votre oreille afin de repiquer (transcrire) la progression d'accords originale. Cette méthode va permettre d'acquérir une expérience pratique tout en développant votre oreille musicale. Une troisième manière d'harmoniser une mélodie est de l'aborder avec votre propre idée de grille d'accords. Vous pouvez commencer en lisant un livre sur le sujet, étudier un score ou encore en écoutant un enregistrement et d'y ajouter quelques tournures de votre choix ou alors créer la progression complète basée sur comment vous voulez que la pièce sonne. Souvenez-vous qu'il n'y a pas de " juste ou de fausse manière" d'harmoniser une progression; c'est votre arrangement. Les diagrammes d'accords dans l'extrait ci-dessous montre comment harmoniser "greensleeves" en La mineur, certains accords peuvent être inattendu comme l'accord de Em à la mesure 4.

3. Ajouter une ligne de basse

Après avoir déterminer une grille d'accords pour la mélodie en fonction des notes de celle-ci, vous aurez essentiellement à faire une difficile esquisse de la ligne de basse. Celle-ci va permettre une ébauche de contrepoint (composition à deux voix). Pour cette voix de basse, utiliser les notes les plus graves de chaque accord de la grille harmonique avec des valeurs rythmiques longues comme premier choix et le tour sera joué. Les notes avec une queue descendante dans l'extrait ci-dessous montre un exemple de ligne de basse pour l'arrangement de "Greensleeves". Si vous étudiez cet exemple d'arrangement, vous noterez que la ligne de basse suit également la progression harmonique. A la mesure 1, vous constaterez qu'il y a un " walking bass" pour amener l'accord de Am vers celui de C de la mesure suivante. Les "walking" suivent une progression par les notes diatoniques des accords et ils sont un intéressant procédé pour relier les notes de la ligne de basse d'un arrangement. Observer que l'on peut ajouter un D en ligne de basse sur l'accord de E afin de changer la couleur harmonique en E7. On peut aussi simplifier la ligne basse à des fondamentales comme le montre le deuxième extrait.

4. Compléter l'arrangement

C'est l'instant du processus où il faut quelque peu développer certains éléments. Un des premiers éléments à considérer quand on doit compléter un arrangement est le "climat ou le feeling" de la pièce. Penser votre arrangement de manière global et comment vous voulez qu'il sonne. La cohérence est importante tout comme l'homogénéité; passer d'un accompagnement solide en double-croches à un bourdon en rondes sera malvenu et trop forcé rythmiquement. Pour l'arrangement final ici, le but serait de compléter la mélodie actuelle contemporaine avec une couleur élisabéthaine; l'attaque "arpeggio" (rapide brossé roulé) sur l'accord du premier temps de chaque mesure (downbeat) aide à apporter ce climat particulier. La philosophie de base est d'ornementer voir de compléter chaque accord du premier temps avec ce balayage (strumming) et de placer des arpèges en support de la mélodie pour le reste de la mesure. En règle générale, comme doigté essayer d'utiliser le pouce(p) sur la note la plus basse de chaque accord et l'index (i), le majeur (m) et l'annulaire(a) pour pincer le reste de l'accord. Il faudra adapter un peu ce doigté en fonction de chaque accord de l'arrangement. L'accord de E7 à la septième mesure peut sembler difficile, il faut séparer l'annulaire du majeur pour obtenir le B sur le premier temps (downbeat) de la mesure, il faut être empirique avant tout. Il est important également de prendre en considération la jouabilité de votre arrangement. On peut créer et inventer l'arrangement le plus étonnant au monde, mais à quoi cela servira-t-il si celui-ci n'est pas jouable sur un instrument comme une guitare. Par exemple "le pulling off"( coulé descendant) à la deuxième mesure est plus facile à jouer qu'en pincant les deux notes ensemble et aussi de pincer l'accord de deux notes au début de la mesure 3 est plus simple que de faire un balayage sur un accord complet juste après que l'index ait attaquer la corde de G sur le "et" du 3ème temps de la mesure précédente.

Une fois que vous avez trouvez de la cohérence et de l'homogénéité dans votre arrangement, il convient d'explorer des variations mineures pour celui-ci. Dans la seconde section de la pièce( mesures 13-25), il est possible de varier le rythme en déplaçant les deux croches du premier temps sur le second temps pour les quelques premières mesures. Ce petit changement subtile évite à l'arrangement de présenter comme quelque chose d'informatique et d'uniformisé.

Observer également la variation harmonique sur les deux dernières mesures de la pièce. Cet accord triade de A majeur sonne bien, mais il est aussi un peu bizarre, étant donné la tonalité de A mineur. Ce genre de substitution de mineur à majeur était fréquente à la Renaissance et au Baroque pour la musique, suffisamment pour lui donner un nom particulier, La tierce picarde.

conclusion:

En terme de conclusion il est bon de briser certaines règles! vouloir suivre à la lettre une méthode ou un processus peut rendre votre technique d'arrangement stérile et uniforme. à la mesure 22 on peut observer un plan scalaire en basse. Cette ligne est similaire à celle de la mesure 9, mais les quelques notes supplémentaires en font la mesure la plus difficile de la pièce. Il y a plusieurs manières de travailler cette difficulté, mais essayez avant tout le doigté prescrit. Si cela est une prise de tête, substituez la mesure 9 pour la mesure 22 et essayez-là une fois celle-ci maîtrisée. On peut observer un changement dans les règles à la mesure 21, dans la mélodie et son rythme, il est question d'un ajout d'un point de pédale sur la note E en complément à la mélodie. Dévier quelque peu de la structure et du plan rend la pièce plus intéressante, mais prenez garde de ne pas en abuser. Si une variation ou en changement est présent à chaque mesure, il n' y aura plus de stabilité à l'arrangement.

Utiliser votre oreille

Maintenant que vous avez créé méthodiquement un arrangement solo, prenez un peu de distance du processus et simplement interprétez votre travail. S'il y a quoique ce soit que vous désirez changer, améliorer eh bien faites-le !! Ce qui compte avant tout c'est que l'arrangement sonne bien et toutes les critiques et les analyses au monde ne peuvent garantir que votre oreille soit satisfaite.

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