Overblog Suivre ce blog
Editer l'article Administration Créer mon blog
4 février 2015 3 04 /02 /février /2015 03:04
La composition/Tips about guitar

Le lien qui existe entre le compositeur et la guitare est souvent profond, mystérieux et très personnel. La guitare comme tout autre instrument "harmo-mélodique" est un partenaire voir un compagnon évidemment nécessaire pour donner vie à une grille harmonique, à un groove (plan/motif) rythmique, à une mélodie expressive mais ceci dit il peut être nécessaire de la percevoir comme bien plus que de participer voir faciliter le processus de composition. Beaucoup de compositeurs de rock, pop voir de folk music tel que David Crosby, Paul Simon, Joni Mitchell, Elvis Costello voir ceux de la nouvelle génération tel que Jakob Dylan ou Laurence Juber ont su intégré la guitare dans leurs idées musicales et s'exprimer sur le rôle que celle-ci joue dans leur processus d'écriture musicale. On peut affirmer sans se tromper que le procédé d'écriture de chaque artiste est aussi caractéristique et distinctif que leurs compositions. Et il convient aussi de chercher à saisir; comment la guitare doit ou peut permettre de découvrir et de développer de nouvelles idées musicales. Voici quelques idées et conseils de plusieurs artistes sur deux décennies s'exprimant de la complicité entre la guitare et le compositeur.

Les hasards et l'inspiration

1. Se libérer du connu:

Au coeur du processus de la composition se situe un paradoxe; bien que musiciens nous nous consacrons à accumuler une somme de savoir et des techniques fort complexes, mais quand nous avons besoin de composer une pièce ou une chanson bien souvent il nous faut nous libérer du connu, de ce que nous savons et pouvons faire. Comment cela se fait-il ? Pour de nombreux auteurs, la clé est "de tirer le tapis" donc en quelque sorte de se libérer de certaines habitudes de jeu de sorte que la guitare ou tout autre instrument devienne moins familier, que des erreurs et incidents utiles se produisent, que l'instinct prenne le dessus sur la forme. Selon les propos de John Sebastian des "Lovin Spoonful, les auteurs-compositeurs " essaient tous de faire cela d'une manière ou d'une autre: de se sortir, se secouer des motifs et plans que les doigts ont l'habitude de suivre et d'appliquer. C'est ainsi que l'on obtient quelque chose qui a une qualité unique. Les bonnes chose peuvent venir "si l'on se jette de la falaise".

2. Moins réfléchir :

Une manière de se démarquer des modèles standards est d'essayer "d'éviter de les reconnaître et de les appliquer du tout". Etrange idée n'est-ce pas, cela peut en surprendre quelques-uns. Elvis Costello est un cas intriguant; il est suffisamment talentueux et cultivé pour écrire des orchestrations de musique de chambre et en tant que guitariste punk-rock, il affirme une fière ignorance." Si quelqu'un devait s'approcher de moi et pointer une note sur le manche de la guitare et me demande ce que c'est, je n'aurais pas la première idée", Elvis Costello l'a dit. " J'ai délibérément laissé certaines choses vagues concernant la guitare, parce que j'aime l'aspect primitif avec lequel je joue et je pense de la guitare. Je ne pense jamais dans quelle tonalité je suis. Je prends la guitare et je commence à jouer pour en espérer le meilleur."

3. Manipuler les accordages:

Depuis les sixties, beaucoup d'auteurs-compositeurs (particulièrement ceux adoptant le chemin de Joni Mitchell) ont utilisé des accordages atypiques et alternatifs afin de chercher et de trouver de nouveaux sons sur la guitare. David Crosby fut un de ceux-ci notamment. De nouveaux accordages inconnus fournissent ce que "Mitchell appelle une situation bizarre avec un élément aléatoire, un étrange attracteur utilisant des termes de physique contemporaine.....le bidouillage des notes est un des moyens afin que le pèlerinage continue". Changer l'accordage et essayer ensuite de plaquer un "voicing" d'accord habituel et certes écouter ce qui se produit. Vous pouvez tomber ainsi sur un son inattendu que vous n'auriez surement pas trouvé intentionnellement.

Expérimenter avec le son

4. Monter le capodastre:

Une manière fort simple de trouver des sons nouveaux est d'utiliser un capodastre et de le déplacer le long du manche. Par exemple prenez une progression familière d'accords en position ouverte dans la tonalité de G, ensuite placer votre "capo" à la troisième case. Cette position produira une tonalité moins familière de B bémol. Cela produit un changement de tonalité et de registre provoquant de nouvelles sensations et d'idées de son. En utilisant le capo depuis la cinquième case et au-dessus donne une qualité sonore unique qui devrait vous inspirer. Un auteur-compositeur du nom de Tim Hanseroth a appliqué ce principe à l'extrême dans une version studio de "i will" en plaçant le capodastre à la dixième position, non seulement en raison des hauts emplacements disponibles mais aussi pour la différence de tension de cordes et de résonance obtenue.

5. Abaisser l'accordage:

A l'inverse, il est possible de diminuer la tension des cordes d'un demi-ton ou d'un ton afin de situer la guitare dans un registre sonore moins familier tout en plaquant des diagrammes d'accords habituels. Certains guitaristes débutants apprenant le tube "Yesterday" des Beatles aurait apprécié savoir que Paul Mc Cartney jouait cette chanson en accordage standard mais un ton au-dessous. Au lieu de lutter comme certains débutants pour plaquer des accords en demi-barrés de B bémol et de Fa, Paul Mc Carthey utilisa des doigtés plus faciles en tonalité de Sol qui sonnaient en tonalité de Fa. Il est souvent surprenant en analysant certains standards du rock de s'apercevoir que nombres d'entre-eux ont été composés et arrangés en accordage baissé que ce soit ceux de John Fogerty tels que " Proud Mary, Bad Moon Rising, et Fortunate Son" à des pièces récentes de Ben Harper ou Tool voir John Butcher.

6. Ajuster les accords:

Il est souvent incroyable l'effet que produit l'idée de simplement changer une note dans un diagramme d'accord. Jimmy Page du groupe légendaire Led Zeppelin tout comme Jo Satriani voir le groupe Kansas étaient passé maître dans l'idée d'ajuster et créer des variations harmoniques dans leurs compositions. J'aime dans mon cas utilisé des accords modaux (sans tierce), enrichis ou suspendus de quarte ou seconde ce qui donne de l'ouverture et de l'espace aux sonorités harmoniques. Découvrez ci-dessus au début les différences entre les exemples 1a et 1b et entre les exemples 2a et 2b pour situer et entendre comment quelques changements de notes dans les "voicings" peuvent avoir comme impact dans une composition.

7. Libérer la mélodie:

Ce que disait il y a vingt ans un certain David Wilcox au sujet de la relation entre accords et mélodies, peut encore sonner authentique; "J'ai appris en écoutant James Taylor que la mélodie ne devrait pas être uniquement la fondamentale des accords". " Il faut que la mélodie soit une note subtile des notes dans un accord, et si vous avez une note de mélodie donnée, il y a plusieurs harmonies qui peuvent s'ajuster à celle-ci, ainsi choisissez pour cette note soit la quinte ou la septième, voir la tierce ou la neuvième mais pas la fondamentale". Pour appliquer cela, voyez les exemples 3a et 3b (jouer le même accompagnement en 3a pour les deux exemples).Notez que dans l'exemple 3a, les notes de la mélodie sont les fondamentales des accords, alors que dans l'exemple 3b, la mélodie est constituée d'autres notes d'accords. Dans cet exemple la mélodie se libère de l'harmonie et à plus d'impact.

La composition/Tips about guitar

Partager cet article

Repost 0

commentaires

Moon Jams 04/06/2015 12:12

You have discusses incredible points that sounds good, keep up the great work.

Présentation

  • : Musicology and guitar
  • Musicology and guitar
  • : Des informations, des idées, des analyses
  • Contact

Recherche

Liens